Grupa ochotników leżała w skanerze rezonansu magnetycznego na Uniwersytecie Columbia w Nowym Jorku i oglądała obrazy. Gdy były przedstawiające, na przykład twarz, pejzaż lub miskę owoców, mózgi uczestników reagowały mniej więcej w ten sam sposób. Gdy obrazy stawały się abstrakcyjne, działo się coś innego: aktywność rozchodziła się i stawała indywidualna. Wyniki opublikowano w czasopiśmie naukowym PNAS w 2025 roku. Mówią one coś zaskakującego o tym, dlaczego abstrakcyjny plakat może znaczyć zupełnie co innego dla dwóch osób dzielących ten sam salon.
To zjawisko ma ponad stuletnią nazwę. Historycy sztuki nazywają je udziałem widza, a sama idea jest łatwa do sformułowania, lecz trudna do udowodnienia: dzieło sztuki nie jest gotowe, gdy artysta odkłada pędzel. Staje się gotowe, gdy ktoś na nie patrzy i dopełnia je własnymi wspomnieniami, skojarzeniami i doświadczeniami danego dnia. Teraz mamy wyniki badań obrazowania mózgu, które potwierdzają tę tezę, co zmienia sposób, w jaki warto myśleć o wyborze dzieł sztuki do własnego domu.
Najważniejsze informacje: Badanie „The Beholder's Share: Bridging art and neuroscience to study individual differences in subjective experience” zostało przyjęte przez PNAS 14 sierpnia 2024 roku, a zaakceptowane 11 lutego 2025 roku. Przedstawił je laureat Nagrody Nobla Eric Kandel, który otrzymał ją w dziedzinie fizjologii lub medycyny w 2000 roku, a prace przeprowadzono w Zuckerman Institute na Uniwersytecie Columbia.
Odkrycie Riegla: dzieło sztuki, które staje się kompletne dopiero, gdy ktoś na nie patrzy
Austriacki historyk sztuki Alois Riegl, działający na przełomie XIX i XX wieku, zmarły w 1905 roku, badał holenderskie portrety grupowe z XVII wieku i zauważył coś, czego nikt wcześniej nie potrafił ująć w słowa. Postacie na obrazach spoglądały poza płótno. Zwracały się ku osobie, która na nie patrzyła. Riegl nazwał to współudziałem widza i twierdził, że malarstwo holenderskie celowo pozostawiało lukę, w którą widz musiał wejść, aby kompozycja nabrała sensu.
Ideę tę rozwinął psychoanalityk Ernst Kris, a później historyk sztuki Ernst Gombrich, który w książce „Art and Illusion” z 1960 roku przedstawił jej najbardziej znane ujęcie. Gombrich powiązał ją z problemem, który badacze optyki nazywają problemem odwrotnym w optyce: siatkówka odbiera płaski, niepełny i niejednoznaczny sygnał, a mózg musi odgadnąć, co on oznacza. Widzenie nie polega więc na odbieraniu obrazu. Polega na jego konstruowaniu. Obraz świadomie wykorzystuje ten proces.
Eric Kandel wprowadził to samo rozumowanie do neuronauki w książkach „The Age of Insight” i „Reductionism in Art and Brain Science”, a także przedstawił nowe badanie opublikowane w PNAS. Tworzy ono pomost między obserwacją Riegla z 1902 roku a rezonansem magnetycznym w Nowym Jorku ponad sto dwadzieścia lat później.
Co właściwie zaobserwowali badacze z Columbii, gdy uczestnicy zetknęli się ze sztuką abstrakcyjną
Eksperyment sprawdzał przewidywanie, które do tej pory pozostawało czystą teorią. Jeśli sztuka abstrakcyjna rzeczywiście pozostawia więcej pola odbiorcy, odpowiedzi mózgowe dwóch osób oglądających ten sam abstrakcyjny obraz powinny być mniej podobne niż odpowiedzi dwóch osób oglądających ten sam obraz przedstawiający coś konkretnego. A jeśli to prawda, gdzie w mózgu powstaje ta różnica? W korze wzrokowej, gdzie obraz jest najpierw przetwarzany, czy głębiej, gdzie przetwarzane są wspomnienia i znaczenia?
Odpowiedź była jasna. Różnica nie występowała we wczesnych obszarach wzrokowych. Uczestnicy widzieli dokładnie to samo. Różnica pojawiała się w wyższych obszarach kojarzeniowych, czyli w sieciach odpowiedzialnych za pamięć, autorefleksję i opowieści. Tam odpowiedzi poszczególnych osób różniły się od siebie w sposób, który nie występował w przypadku dzieł przedstawiających konkretne obiekty. Innymi słowy: między ludźmi różniło się nie wrażenie wzrokowe, lecz interpretacja.
„Dwie osoby patrzące na obraz przedstawiający coś konkretnego widzą to samo. Dwie osoby patrzące na obraz abstrakcyjny widzą tę samą powierzchnię, ale dostrzegają w niej różne znaczenia, a teraz można już zmierzyć tę różnicę”.
Dla osób kupujących sztukę do własnego domu to coś więcej niż ciekawostka. Wyjaśnia, dlaczego rekomendacje sztuki abstrakcyjnej tak często nie trafiają w sedno. Przyjaciel może zachwycać się dziełem, nie potrafiąc przekazać swoich odczuć, ponieważ znaczna ich część nie pochodziła z dzieła, lecz od niego samego.
Sieć trybu domyślnego: tryb marzeń na jawie w mózgu i jego rola w odczuwaniu piękna
Obszary, które wyróżniły się w badaniu, w dużej mierze należą do tak zwanej sieci trybu domyślnego. Jest to grupa obszarów mózgu, która jest najbardziej aktywna, gdy nie robimy nic szczególnego: kiedy myśli błądzą, kiedy wspominamy, wyobrażamy sobie przyszłość lub próbujemy zrozumieć, o czym tak naprawdę jest dana opowieść. Sieć ta nie jest więc związana przede wszystkim z widzeniem, lecz z życiem wewnętrznym.
Nie jest niczym nowym, że pojawia się to w badaniach nad sztuką. Już w 2019 roku zespół badawczy opublikował w PNAS artykuł „The default-mode network represents aesthetic appeal that generalizes across visual domains”, w którym wykazano, że ta sama sieć odzwierciedla ocenę estetyczną, niezależnie od tego, czy przedstawiony jest budynek, krajobraz, czy dzieło sztuki. Sieć zdaje się kodować coś w rodzaju „to mnie porusza”, a nie „to wygląda w określony sposób”.
Ciekawe jest połączenie tych dwóch odkryć. Dzieło niejednoznaczne silniej angażuje wewnętrzny system. To on odpowiada za osobiste znaczenie. W rezultacie niejednoznaczne dzieła stają się bardziej osobiste. To spójny ciąg przyczyn i skutków, który dotyczy zarówno drukowanego plakatu na ścianie wynajmowanego mieszkania, jak i obrazu olejnego w muzeum. Warto zauważyć, że sieć nie mierzy jakości w żadnym obiektywnym sensie. Rejestruje poruszenie. Dlatego dwie osoby mogą równie silnie reagować na dwa dzieła, które historia sztuki ocenia zupełnie inaczej, i obie mają rację w odniesieniu do własnych doznań.
Dystans psychologiczny: dlaczego abstrakcja wydaje się większa niż jej motyw
Pokrewne badanie opublikowane w PNAS w 2020 roku wykorzystywało teorię, którą psychologowie nazywają teorią poziomów konstrukcji. W skrócie: im bardziej coś wydaje się odległe w czasie, przestrzeni lub pod względem prawdopodobieństwa, tym bardziej abstrakcyjnie o tym myślimy. I odwrotnie: im bardziej abstrakcyjnie coś przedstawiono, tym bardziej odległe i ogólne nam się wydaje. Badacze wykazali, że odbiorcy opisywali dzieła abstrakcyjne w bardziej ogólnych, zasadniczych kategoriach niż dzieła figuratywne, które z kolei skłaniały do konkretnych, szczegółowych opisów.
To wyjaśnia doświadczenie, które wielu z nas zna, choć nie potrafi go nazwać. Szczegółowy obraz natury przedstawiający sosnowy las opisuje się jako „las pod światło”. Wielki obraz z plamami barwnymi opisuje się jako „spokój”, „smutek” albo „oddech”. Motyw się kurczy, a znaczenie rośnie. W praktyce osoba wybierająca abstrakcyjny obraz wybiera kierunek emocjonalny, a nie przedmiot.
Wskazówka: Zanim kupisz dzieło, przetestuj je metodą ciszy. Patrz na nie przez trzydzieści sekund, nie czytając tytułu, a potem zapisz pierwsze słowo, które przyjdzie ci do głowy. Powtórz próbę po jednym dniu. Jeśli słowo jest takie samo, dzieło ma dla ciebie stabilne znaczenie i dobrze sprawdzi się w miejscu, obok którego codziennie przechodzisz. Jeśli słowo mocno się zmienia, dzieło prawdopodobnie jest bardziej wymagające, niż sądzisz.
Co oznacza udział odbiorcy, gdy wybierasz sztukę na własną ścianę
Pierwszy praktyczny wniosek dotyczy tego, kto powinien dokonywać wyboru. Jeśli dzieła abstrakcyjne silniej niż figuratywne uruchamiają osobiste skojarzenia, sztuka abstrakcyjna jest mniej bezpiecznym wyborem na prezent dla kogoś, kogo dobrze nie znasz. To za to znakomity wybór dla siebie albo dla kogoś, czyj wewnętrzny świat naprawdę znasz. Motywy figuratywne, na przykład fotografia artystyczna lub studia botaniczne, przemawiają do większej liczby osób w mniej więcej ten sam sposób, dlatego są bezpieczniejszym wyborem dla wszystkich.
Drugi wniosek dotyczy umiejscowienia. Dzieła, które angażują sieć stanu domyślnego, wynagradzają powtarzaną, niezakłóconą kontemplację. Dlatego kompozycja abstrakcyjna sprawdzi się lepiej w sypialni, kąciku do czytania lub na ścianie naprzeciwko fotela niż w przejściu, gdzie nikt się nie zatrzymuje. Obraz figuratywny, który łatwo odczytać, lepiej sprawdzi się w przedpokoju i na schodach, gdzie ogląda się go przelotnie. Nasza kolekcja plakatów abstrakcyjnych pasuje więc do pomieszczeń, w których można usiąść i się zatrzymać.
Trzeci wniosek dotyczy dawki niejednoznaczności. Całkowicie losowe pola barwne dają mózgowi zbyt mało punktów zaczepienia, podczas gdy nadmiernie szczegółowe motywy nie pozostawiają żadnej luki. W praktyce sprawdza się coś pośrodku: kompozycje o wyraźnej strukturze, ale otwartym znaczeniu. Właśnie ta równowaga sprawia, że minimalistyczne plakaty i oszczędne plakaty graficzne tak długo się nie nudzą. Więcej o tym mechanizmie piszemy w naszym omówieniu płynności przetwarzania i tego, dlaczego niektóre dzieła sztuki wydają się piękne.
Na koniec: udział widza zmienia się z czasem. Dzieło, którego nie rozumiałeś w chwili przeprowadzki, może stać się tym, do którego przywiążesz się najbardziej trzy lata później, ponieważ twój udział w jego odbiorze zdążył wzbogacić się o nowe wspomnienia. Ten efekt opisujemy szerzej w naszym artykule o efekcie mere exposure i sztuce, którą uczysz się kochać. To również argument za tym, by nie wymieniać obrazu po trzech tygodniach tylko dlatego, że wydaje się trudny w odbiorze.
Często zadawane pytania o sztukę abstrakcyjną i udział widza
Riegl nie miał rezonansu magnetycznego. Miał holenderskie portrety grupowe, bystre oko i podejrzenie, że obraz i widz wspólnie wykonują pracę. Nieco ponad sto dwadzieścia lat później to podejrzenie zyskało potwierdzenie w danych pomiarowych. Najważniejszy wniosek dla ciebie jest taki: najważniejszą cechą dzieła sztuki na twojej ścianie nie jest to, jak jest kosztowne, lecz to, na ile pozwala ci wnieść w nie samego siebie. Odkryj nasze abstrakcyjne motywy i dzieła znanych artystów, a przed podjęciem decyzji zajrzyj też do naszego przewodnika po abstrakcyjnych plakatach. Pełne teksty badań można przeczytać w PNAS, a ich streszczenie w Zuckerman Institute na Uniwersytecie Columbia.