21 września 2026 roku zamyka się jedna z najbardziej odkrywczych wystaw sztuki tego roku, o której w Szwecji mówiło niemal nikt. Na Lazurowym Wybrzeżu Musée national Marc Chagall prezentuje drugą część darowizny obejmującej 141 dzieł, przekazanych państwu francuskiemu przez wnuczki artysty: szkice, kolaże, ceramikę i modele, które od czasu powstania niemal nie opuszczały pracowni. Jeśli szukasz plakatu o prawdziwej sile koloru, a nie ostrożnej beżowej palecie, wystawa przypomina o czymś, o czym łatwo zapomnieć. Zawieszeni w powietrzu kochankowie Chagalla i błękitna ulica z miasteczka nigdy nie były improwizacjami. Powstawały warstwa po warstwie, tworzone przez człowieka, który przez siedemdziesiąt lat na nowo rysował te same motywy.
W skrócie: Bella i Meret Meyer, wnuczki Marca Chagalla, przekazały w latach 2022–2023 do zbiorów Centre Pompidou łącznie 141 dzieł. Wśród nich znalazło się 41 szkiców i projektów do malowidła na suficie Palais Garnier, odsłoniętego w 1964 roku. Darowiznę pokazano najpierw w Paryżu w latach 2023–2024, a następnie w dwóch odsłonach w Musée national Marc Chagall. Druga trwa od 23 maja do 21 września 2026 roku. Muzeum otwarto w 1973 roku w obecności samego artysty.
Witebsk w pamięci, Paryż w ręku: jak Chagall zbudował język obrazów z dwóch miejsc
Marc Chagall urodził się w 1887 roku w żydowskiej rodzinie w okolicach Witebska, na terenie dzisiejszej Białorusi, a zmarł w 1985 roku w Saint-Paul-de-Vence, w wieku 97 lat. Między tymi dwoma punktami mieści się niemal cała historia sztuki nowoczesnej, a Chagall zdążył znaleźć się na obrzeżach większości jej nurtów, nigdy do żadnego nie przystępując.
Przełom nastąpił wcześnie. Kiedy w 1911 roku przyjechał do Paryża, zetknął się z kubizmem w jego najbardziej analitycznej fazie, gdy przedmioty rozkładano na fasety, a kolor ograniczano do szarości i ochry. Chagall przejął rozkładanie na części, ale odrzucił stonowaną paletę. W rezultacie powstawały obrazy, na których czaszka kozy, twarz z profilu i wieśniaczka dojąca krowę mogą znaleźć się na tej samej płaszczyźnie, nie ustępując sobie nawzajem miejsca. Motyw pochodził z wioski jego dzieciństwa. Metoda z Montparnasse’u.
Był tym samym jednym z nielicznych przedstawicieli swojego pokolenia, którym udało się zapożyczyć gramatykę modernizmu, nie przejmując jego chłodu. Podczas gdy koledzy budowali systemy, Chagall tworzył obrazy z pamięci, a gdy oni szukali tego, co uniwersalne, on trzymał się tego, co niezwykle lokalne: synagogi, targu, zaśnieżonej ulicy w małym miasteczku, które dwadzieścia lat później miało spłonąć.
To połączenie wyjaśnia, dlaczego jego sztuka tak dobrze sprawdza się dziś jako dekoracja ścienna. Dzieło Chagalla jest jednocześnie narracyjne i abstrakcyjne. Odbiorca dostaje coś rozpoznawalnego: skrzypce, koguta, parę unoszącą się nad ziemią, ale kompozycja pozostaje równie swobodna jak w każdym czysto abstrakcyjnym plakacie. Dzięki temu motywy wyjątkowo dobrze znoszą upływ czasu: nie wyczerpują się, gdy już się je zrozumie, bo nie ma tu niczego, co można zrozumieć do końca.
141 dzieł od wnuczek: co tak naprawdę ujawnia darowizna
Niezwykłe we francuskiej darowiźnie nie jest to, że zawiera arcydzieła. Jest ich tam niewiele. Zawiera etapy pośrednie: skrawki papieru, wycinane kolaże, gwasze, próbki ceramiki i rysunkowe projekty, które nigdy nie miały zawisnąć w żadnym miejscu. I właśnie dlatego jest interesująca.
Bella i Meret Meyer są córkami Idy Chagall, córki artysty z jego pierwszego małżeństwa z Bellą Rosenfeld. Decyzja, by przekazać materiały do zbiorów narodowych zamiast na rynek, oznacza, że badacze i zwiedzający po raz pierwszy mogą prześledzić, jak powstaje dzieło Chagalla, od pomysłu po płótno. Okazuje się, że proces był wyjątkowo metodyczny.
"Marzenie wydawało się spontaniczne na płótnie, bo wcześniej czterdzieści razy powtarzano je na papierze."
Materiały mówią też coś o życiu, które raz po raz zmuszało go do zaczynania od nowa. Chagall opuścił Rosję na stałe w 1922 roku, zbudował karierę we Francji, a w 1941 roku uciekł przed prześladowaniami do Nowego Jorku dzięki amerykańskim akcjom ratunkowym dla europejskich artystów. Tam w 1944 roku stracił Bellę. To, że materiały robocze przetrwały dwie wojny światowe, rewolucję i trzy przeprowadzki między krajami, jest samo w sobie niezwykłe. Wyjaśnia to, dlaczego rodzina traktowała pudła ze szkicami jak całość spuścizny, a nie jak luźne kartki do sprzedaży pojedynczo.
Dla tych, którzy wybierają sztukę do domu, płynie stąd praktyczna lekcja. Chagall pracował seriami i wariantami, a przez dziesięciolecia powracał do tych samych podstawowych motywów. Jeśli spodoba ci się jego styl, nie musisz więc szukać jednego konkretnego dzieła. Możesz stworzyć ścianę z pokrewnych motywów, które ze sobą rozmawiają, tak jak sam artysta robił w pracowni.
Sufit Palais Garnier: kiedy 77-latek zamalował dzieło swojego poprzednika
Historia sufitu Opery to najlepszy punkt wyjścia do poznania myślenia Chagalla o kolorze. Minister kultury André Malraux powierzył mu to zadanie na początku lat 60., a decyzja stała się jednym z większych francuskich skandali kulturalnych okresu powojennego. Sala z 1875 roku miała już sufit, namalowany przez Jules’a-Eugène’a Lenepveu w typowym dla epoki akademickim stylu. Krytycy uznali, że pozwolenie moderniście z Białorusi na zamalowanie go to wandalizm.
Rozwiązanie było techniczne i eleganckie. Obraz Chagalla namalowano na panelach, które zamontowano nad oryginalnym malowidłem, dzięki czemu pozostało ono nienaruszone pod spodem. Dzieło zajmuje około 220 metrów kwadratowych i zostało podzielone na płaszczyzny barwne, z których każdą poświęcono parze kompozytorów: błękitnej, zielonej, białej, czerwonej i żółtej. Malowidło na suficie uroczyście odsłonięto w 1964 roku. Chagall miał wtedy 77 lat.
41 szkiców z darowizny pochodzi właśnie z tamtych prac. Pokazują, jak zestawiano ze sobą płaszczyzny barwne, zanim coś namalowano w pełnej skali. Ta sama zasada obowiązuje przy tworzeniu domowej galerii: kolor zależy od sąsiedztwa, a nie tylko od samego dzieła. Jeśli chcesz lepiej zrozumieć ten mechanizm, obszernie pisaliśmy o tym, co badania mózgu mówią o kolorach we wnętrzach.
Biblijne światło i szkło: druga kariera Chagalla
Muzeum na Lazurowym Wybrzeżu zbudowano wokół jednego dzieła: wielkiego cyklu „Przesłanie biblijne”, który Chagall podarował państwu francuskiemu i który chciał zobaczyć w budynku zaprojektowanym specjalnie w tym celu. Muzeum otwarto w 1973 roku w obecności artysty, który miał wówczas 86 lat.
Równolegle z malarstwem poświęcił ostatnie trzy dekady życia pracy ze szkłem. Katedra w Reims, kaplica szpitalna w Jerozolimie, siedziba ONZ w Nowym Jorku: wszędzie pracował, kierując się tą samą myślą, że kolor przepuszczający światło zachowuje się inaczej niż kolor odbijający światło. Niebieska tafla szkła zmienia się z godziny na godzinę. Niebieskie płótno nie.
Brzmi to ezoterycznie, ale ma bezpośrednie znaczenie dla sposobu, w jaki wieszasz obrazy. Późna paleta barw Chagalla została dostosowana do mocnego światła. Dlatego motywy w jego duchu znacznie lepiej znoszą ekspozycję na południe niż przygaszone, stonowane motywy dominujące w wielu skandynawskich wnętrzach, a także potrafią się obronić w pomieszczeniu, w którym latem słońce świeci przez większą część dnia.
Wskazówka: Jeśli wieszasz intensywnie kolorowy motyw w jasnym pomieszczeniu, cofnij się o trzy metry i przyjrzyj mu się o zmierzchu, zanim wybierzesz ramę. Barwne dzieła, które dobrze wyglądają w świetle dziennym, mogą stracić wyrazistość w ciepłym, białym świetle wieczorem, a wtedy jasna rama sprawdzi się lepiej niż ciemna.
Język form Chagalla na Twojej ścianie: przestrzeń, format i sąsiedztwo
Motywy w duchu Chagalla, czyli logika snu, unoszące się postacie, nasycone płaszczyzny błękitu i karmazynu, wymagają przestrzeni. Najgorzej prezentują się w gęstym układzie małych formatów, a najlepiej jako pojedyncze dzieło w większym formacie, w którym kompozycja może odetchnąć.
W sypialni sprawdzają się zaskakująco dobrze, pod warunkiem że motyw skłania się ku nocnemu błękitowi, a nie żółci. Liryczny charakter nie przeszkadza, w przeciwieństwie do motywów o ostrych graficznych formach. W przedpokoju i na klatce schodowej sprawdzają się za to znakomicie, bo mijający je domownicy zdążą odczytać opowieść w dwie sekundy. W salonie lepiej trzymać je z dala od telewizora, z tego samego powodu, dla którego plakat w intensywnych kolorach nigdy nie powinien konkurować z czarnym prostokątem.
Warto też wziąć pod uwagę odległość. Kompozycje Chagalla nie mają wyraźnego punktu centralnego, więc wzrok wędruje zamiast się zatrzymywać. Z bliska, na przykład nad stołem jadalnym lub w kąciku do czytania, to zaleta: podczas dwugodzinnego posiłku odkryjesz nowe szczegóły. Z daleka, na przykład na ścianie akcentowej w dużym pomieszczeniu, ta sama cecha może sprawić, że motyw stanie się nieczytelny. Zasada jest więc odwrotna niż zazwyczaj. Nasycone barwy i zawiła kompozycja wymagają oglądania z bliska, podczas gdy ściśle graficzny motyw dobrze prezentuje się w całym pomieszczeniu.
Jeśli chodzi o sąsiednie obrazy na ścianie, lepiej łączyć je z botaniką i martwą naturą niż z kolejnymi figuratywnymi scenami ze snów. Motyw kwiatowy z naszego wyboru plakatów z motywami kwiatowymi uspokoi kompozycję, nie ochładzając kolorystyki. Więcej dzieł z klasycznej tradycji modernistycznej znajdziesz wśród naszych dzieł znanych artystów, a czysto narracyjne motywy wśród naszych ilustrowanych plakatów.
Warto zwrócić uwagę na jeszcze jedną rzecz. Chagall należał do pokolenia, które oswoiło abstrakcję, ale sam nie chciał rezygnować z postaci. Podzielał tę pozycję z kilkoma współczesnymi artystami, a jeśli chcesz zrozumieć to napięcie, przeczytaj więcej o Kandinskim i przełomie sztuki abstrakcyjnej lub o sennych wizjach surrealizmu, które Chagall zapowiadał, ale których etykietki unikał.
Często zadawane pytania o Marca Chagalla i jego sztukę
Wystawa na Lazurowym Wybrzeżu kończy się 21 września 2026 roku, a później większość materiałów wróci do magazynów i zostanie udostępniona do badań. Jednak istota twórczości Chagalla nigdy nie polegała na tym, że trzeba zobaczyć oryginały, by go zrozumieć. Sam tworzył serie, litografie i dzieła ze szkła, wykorzystując media stworzone z myślą o szerokim rozpowszechnianiu. Wybór kolorowego plakatu na własną ścianę zamiast czekania na kolejną podróż do Francji jest bliższy jego własnemu podejściu do sztuki, niż mogłoby się wydawać. Zacznij od motywu, którego kolorystyka trochę cię zaniepokoi, i daj mu dużo przestrzeni. Więcej o wystawie przeczytasz na stronie Musée national Marc Chagall, a z jego twórczością możesz zapoznać się bliżej za pośrednictwem Google Arts and Culture.