1 czerwca 2026 roku Marilyn Monroe skończyłaby sto lat. Z okazji setnej rocznicy National Portrait Gallery w Londynie otwiera 4 czerwca wystawę „Marilyn Monroe: Portret”, którą będzie można oglądać do 6 września 2026 roku. To jedno z najgłośniejszych wydarzeń artystycznych roku, przygotowane we współpracy z zarządcami spuścizny Monroe. Nie spotykamy tu gwiazdy filmowej, lecz jedną z najczęściej portretowanych osób XX wieku. Wystawa stawia pytanie, które dotyczy każdego, kto wybiera plakat do domu: kto tak naprawdę jest właścicielem wizerunku? Marilyn w dużej mierze reżyserowała swój własny wizerunek, a jednocześnie jej twarz stała się surowcem dla artystów długo po jej śmierci. To napięcie stanowi sedno pop-artu – i wyjaśnia, dlaczego jej portrety wciąż wiszą na ścianach na całym świecie.
W skrócie: Marilyn Monroe urodziła się jako Norma Jeane Mortenson 1 czerwca 1926 roku w Los Angeles i zmarła w sierpniu 1962 roku. Wystawa z okazji setnej rocznicy urodzin „Marilyn Monroe: Portret” będzie prezentowana w National Portrait Gallery w Londynie od 4 czerwca do 6 września 2026 roku. Zgromadzi prace między innymi Andy’ego Warhola, Pauline Boty, Marlene Dumas i Audrey Flack, a także fotografie ponad dwudziestu twórców – od Cecila Beatona i Richarda Avedona po Eve Arnold i Miltona Greene’a.
Co pokazuje wystawa – i dlaczego ma to znaczenie właśnie teraz
„Marilyn Monroe: Portret” nie jest zbiorem plakatów filmowych. Wystawa opiera się na założeniu, że Monroe współtworzyła własny wizerunek, a nie była jedynie biernym obiektem. Podkreśla jej bliską współpracę z fotografami takimi jak Milton Greene, Sam Shaw i Richard Avedon, pokazując, jak kierowała oświetleniem, pozą i wyrazem twarzy, by stworzyć wizerunek, który rozpoznaje cały świat. Obok fotografii wiszą prace artystów wizualnych, którzy ją interpretowali – od jaskrawoczerwonych i zielonych sitodruków Andy’ego Warhola po bardziej krytyczne portrety Pauline Boty i Marlene Dumas.
Jedną z najbardziej poruszających części wystawy jest seria zdjęć wykonanych przez fotografa Allana Granta w domu Monroe w Brentwood dzień przed jej śmiercią, pierwotnie na potrzeby magazynu Life. Z 432 zdjęć opublikowano zaledwie kilka, a na intymnej serii widać, jak czyta, rozmyśla i zmienia wyraz twarzy, z dala od blasku reflektorów. To nie przypadek, że wystawa otwiera się właśnie w 2026 roku – setna rocznica urodzin skłania do pytania, dlaczego kobieta, która zmarła ponad sześćdziesiąt lat temu, wciąż jest jedną z najczęściej reprodukowanych twarzy na świecie. Odpowiedź wiąże się mniej z filmem, a bardziej z obrazem: z tym, jak portret może oderwać się od osoby i stać się samodzielną walutą kulturową.
Różnorodność fotografów wiele mówi o tym, jak złożony był jej wizerunek. Słynne zdjęcie Sama Shawa przedstawiające białą sukienkę unoszoną przez powietrze wydobywające się z kratki metra, wykonane przy okazji filmu The Seven Year Itch z 1954 roku, natychmiast stało się symbolem radości całej epoki. Eve Arnold, jedna z pierwszych kobiet należących do agencji fotograficznej Magnum, przez kilka lat jej jednak towarzyszyła i uchwyciła zamyśloną, pracującą kobietę, a nie seksbombę. Philippe Halsman kazał jej skakać przed obiektywem, podczas gdy Richard Avedon wystylizował ją na filmowe diwy z dawnych czasów. Razem te zdjęcia pokazują, że nigdy nie istniała tylko jedna Marilyn, lecz cały wachlarz ekspresji, który ona i fotografowie wspólnie tworzyli. To właśnie ta świadomość – że jedna twarz może wyrażać zarówno powszechną radość, jak i cichą powagę – sprawia, że tak dobrze odnajduje się na ścianie.
Warhol, pop-art i twarz, która stała się wzorem
Nikt nie zrobił więcej, by przemienić Marilyn w sztukę, niż Andy Warhol. Zaledwie kilka tygodni po jej śmierci w 1962 roku zaczął pracować ze zdjęciem prasowym z filmu Niagara z 1953 roku, a rezultatem stały się jedne z najsłynniejszych dzieł pop-artu. W Marilyn Diptych powtórzył tę samą twarz pięćdziesiąt razy – po lewej w krzykliwych kolorach, po prawej w blednącej czerni i bieli, aż obraz niemal się rozpływa. Dzieło jest jednocześnie hołdem i komentarzem: sławą jako prasą drukarską, która powiela twarz, aż ta traci życie.
Właśnie tutaj pop-art mówi coś głębokiego o naszych czasach. Warhol i jego współcześni czerpali motywy z reklam, opakowań i zdjęć gwiazd, twierdząc, że codzienny, masowo drukowany obraz zasługuje na miejsce na ścianie w równym stopniu co klasyczny obraz olejny. Ta myśl utorowała drogę do uznania, że plakat może być prawdziwą sztuką, a nie tanią namiastką. Wieszając plakat pop-artowy ze znaną twarzą, robisz w praktyce dokładnie to, za czym opowiadał się Warhol: pozwalasz, by powielony obraz niósł znaczenie.
„Marilyn sama kreowała swój portret za życia – a po śmierci stała się motywem, który nauczył nas, że obraz drukowany masowo może być sztuką”.
Metoda Warhola była równie ważna jak jego motywy. Dzięki zastosowaniu sitodruku, techniki zapożyczonej z branży reklamowej i tekstylnej, mógł wielokrotnie odbijać ten sam obraz, za każdym razem z niewielkimi przesunięciami koloru i pasowania. Te niedokładności – przesunięte usta, kolor wychodzący poza kontur – nie są błędami, lecz sednem sprawy. Przypominają, że obraz jest właśnie obrazem, wydrukowanym i powielonym, a mimo identycznego motywu nadają każdemu odbitkowi własne życie. To myśl, którą warto zabrać ze sobą do domu: plakat nie musi udawać wyjątkowego obrazu olejnego, by mieć wartość, lecz ma własny rodzaj piękna, które tkwi w powielaniu.
Przełom pop-artu wyjaśnia również, dlaczego tak wiele elementów współczesnej grafiki wygląda właśnie tak. Gruby kontur, płaska plama barwna, świadome powtórzenie – to wszystko ma źródło w zerwaniu z kulturą wysoką w latach sześćdziesiątych. Roy Lichtenstein czerpał motywy z komiksów, Warhol z puszek zupy i zdjęć celebrytów, a granica między komercją a sztuką zatarła się na dobre. Jeśli chcesz zrozumieć, jak ta estetyka nadal wpływa na modę i styl, nasz tekst o plakatach modowych będzie dobrym dalszym ciągiem lektury, a miłośnikom ducha dawnych druków przewodnik po plakatach retro i vintage zapewni zarówno wiedzę o epokach, jak i konkretne wskazówki dotyczące motywów.
Od Londynu po twoją ścianę – motywy i style, które warto odkryć
Nie trzeba jechać do Londynu, by wziąć udział w jubileuszu. Wystawa przypomina raczej o trzech wyraźnych nurtach wizualnych, z których każdy może znaleźć miejsce w czyimś domu. Pierwszym jest sam pop-art: odważne, barwne portrety w duchu Warhola, idealne dla osób, które chcą mieć na ścianie motyw pełen energii i przymrużenia oka. Drugim jest czarno-biała elegancja fotografii mody, w której kontrast między skórą, tkaniną i cieniem tworzy cały obraz. Trzecim jest figlarna elegancja lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych, epoki, której język form wciąż pozostaje aktualny.
För den som dras till det första spåret är en poster ur vår popkonst-kategori en självklar utgångspunkt, gärna med en stark färg som får sätta tonen i rummet. Lockar i stället den tidlösa eleganten är en svartvit poster ett säkrare kort – den åldras inte och samsas med nästan vilken inredning som helst. Och den som vill fånga hela tidsandan gör klokt i att titta bland retro- och vintageposters, där femtio- och sextiotalets uttryck lever kvar. Ett fjärde spår, för modeälskaren, är förstås våra fashion posters, som ärver popkonstens attityd men riktar den mot mode och stil.
Wskazówka: Portret w stylu pop-artu lubi, gdy się go eksponuje. Zawieś go samodzielnie na dobrze widocznej ścianie w przedpokoju, sypialni lub gabinecie, gdzie stanie się głównym punktem przyciągającym uwagę, zamiast wciskać go w gęstą galerię obrazów. Jeśli wybierzesz kolorowy motyw, powtórz jeden z jego odcieni w tkaninie lub dodatku, aby obraz współgrał z wystrojem wnętrza, zamiast sprawiać wrażenie zawieszonego w próżni.
Wybór kolorów zasługuje na osobną chwilę namysłu. Marilyn Warhola opierała się na kontraście między ciepłym odcieniem skóry a nieoczekiwanym kolorem tła – różem na żółci, turkusem na pomarańczu. Jeśli chcesz uchwycić tę samą energię w domu, wybierz motyw z odważnym tłem, a otaczającą go ścianę pozostaw neutralną, by kolor mógł swobodnie przyciągać wzrok. Jeśli wolisz spokój, wybierz czarno-białą wersję, w której wszystko zależy od tego, jak światło modeluje twarz. Oba podejścia pasują do tematu wystawy, ponieważ odzwierciedlają różnicę między publiczną, pełną barw ikoną a prywatną, refleksyjną kobietą uchwyconą przez fotografów.
Jeśli chodzi o format, pojedynczy portret powinien zajmować odpowiednio dużo miejsca. Plakat w rozmiarze 50x70 lub 70x100 pozwala twarzy wybrzmieć w pełnej skali, a prosta czarna lub biała rama podkreśla graficzny charakter, nie odwracając uwagi od obrazu. Jeśli chcesz stworzyć pasującą parę, możesz połączyć kolorowy motyw pop-artowy z czarno-białą fotografią w tym samym rozmiarze – to dialog między glamour a powagą, który pięknie odzwierciedla dwoistość, będącą tematem całej wystawy w Londynie. Więcej o tym, jak sprawić, by czarno-białe motywy ożyły w domu, znajdziesz w naszym poradniku zakupowym dotyczącym czarno-białych plakatów.
Często zadawane pytania o wystawę Marilyn Monroe i pop-art w domu
Stulecie Marilyn Monroe to dobra okazja, by zastanowić się, co chcesz wyeksponować na ścianie: pełną zabawy kolorystykę, ponadczasową elegancję czerni i bieli czy charakterystyczny styl epoki retro. Odkryj całą naszą kolekcję plakatów pop-artowych i plakatów modowych, a o samej wystawie przeczytaj na stronie National Portrait Gallery lub poznaj bliżej twórczość Warhola w Museum of Modern Art.