31 grudnia 2026 roku zakończy się jedna z najdłuższych w ostatnich latach prezentacji kolekcji Moderna Museet. Do tego czasu Monogram będzie można oglądać w Sztokholmie: wypchaną kozę angorską z oponą wokół brzucha, stojącą na obrazie rozłożonym płasko niczym pole pod zwierzęciem. To najbardziej kontrowersyjny zakup dzieła sztuki w historii Szwecji, a zarazem zaskakująco dobry punkt wyjścia do zrozumienia, dlaczego kolaże, warstwy i znalezione obrazy wydają się dziś czymś oczywistym nawet na plakacie. Robert Rauschenberg sprawił, że powierzchnia obrazu stała się miejscem, do którego można było przyklejać rzeczywistość — i to dziedzictwo wciąż widać w wybieranych przez nas dekoracjach ściennych.
W skrócie: Wystawa „Monogram – Robert Rauschenberg i kolekcja Moderna Museet” jest prezentowana w Moderna Museet w Sztokholmie od 23 listopada 2024 do 31 grudnia 2026 roku. Dzieło Monogram powstało w latach 1955–1959 i należy do kolekcji muzeum od 1964 roku, po tym, jak ówczesny dyrektor Pontus Hultén doprowadził do jego zakupu przy wsparciu zbiórki „Muzeum z naszej woli”. Rauschenberg urodził się 22 października 1925 roku w Port Arthur w Teksasie, a zmarł 12 maja 2008 roku.
Koza znaleziona w sklepie z używanymi meblami biurowymi
Początki Monogramu są przyziemne, co wiele mówi o metodzie Rauschenberga. Znalazł wypchaną kozę angorską w sklepie z używanymi meblami biurowymi na Manhattanie, kupił ją tanio i zaniósł do pracowni. Zwierzę stało tam przez kilka lat, podczas gdy dzieło było wielokrotnie przerabiane: najpierw koza stała na tle pionowego obrazu, potem na półce, aż w końcu Rauschenberg położył płótno płasko na podłodze i ustawił kozę pośrodku, z oponą wokół ciała.
Nazwa nawiązuje do formy. Rogi i opona oplatają się nawzajem niczym dwa inicjały splecione w monogram — dwie zupełnie różne rzeczy, które jednak tworzą jeden znak. Prace nad dziełem trwały od 1955 do 1959 roku. Należy ono do serii zwanej Combines, czyli dzieł tworzonych przez Rauschenberga mniej więcej w latach 1954–1962, w których granica między malarstwem a rzeźbą celowo przestaje obowiązywać.
To właśnie ta idea sprawia, że jego twórczość ma znaczenie daleko poza salą muzealną. Combine to zasadniczo kolaż, który nie chce pozostać płaski: wycinki z gazet, tkaniny, fotografie, farby i uliczne śmieci w jednym kadrze. Kiedy dziś wieszamy grafikę, w której typografia, zdjęcie i plamy koloru spotykają się na jednej powierzchni, wpisujemy się w tradycję, którą Rauschenberg zapoczątkował, gdy wciąż uważano ją za prowokację.
Dlaczego koza trafiła do Sztokholmu, a nie do Nowego Jorku
Dzieło po raz pierwszy pokazano w nowojorskiej galerii Leo Castelliego w 1959 roku. Kolekcjoner Robert Scull zaproponował wówczas, że je kupi i podaruje Museum of Modern Art — spotkał się jednak z odmową. Ówczesny dyrektor MoMA Alfred H. Barr Jr. odrzucił dar. Pięć lat później, w 1964 roku, dzieło trafiło do Moderna Museet w Sztokholmie.
Za zakupem stał Pontus Hultén, który objął stanowisko dyrektora w 1960 roku, dwa lata po otwarciu muzeum na wyspie Skeppsholmen. Hultén poznał sztukę Rauschenberga w Paryżu i był jednym z pierwszych oraz najbardziej energicznych europejskich orędowników nowej sztuki amerykańskiej. Zakup sfinansowano ze zbiórki znanej pod nazwą „Muzeum z naszej woli”, w ramach której osoby prywatne i przyjaciele muzeum pomagali wypełniać luki w młodej kolekcji.
„Jedno muzeum odmówiło przyjęcia kozy, inne uczyniło ją swoim najsłynniejszym mieszkańcem — a różnica między tymi decyzjami to cała przepaść między pielęgnowaniem historii sztuki a odwagą jej tworzenia.”
Ta historia stała się jedną z najczęściej przywoływanych w szwedzkim świecie muzealnym, a jeszcze w tym samym roku zyskała szczególny posmak: w 1964 roku Rauschenberg otrzymał Grand Prix na Biennale w Wenecji, po raz pierwszy przyznane Amerykaninowi jako główna nagroda biennale w dziedzinie malarstwa. Szwecja kupiła więc dzieło artysty, który właśnie przechodził drogę od podważanego do uznanego na świecie twórcy. Jeśli chcesz zobaczyć, jak wyglądał ten powojenny przełom z perspektywy szwedzkiej, znajdziesz kontekst w naszym omówieniu prezentacji szwedzkiej sztuki z lat 1945–1979 w Moderna Museet.
Pięć nowojorskich wieczorów 1964 – kiedy Sztokholm stał się sceną
Zakup nie był odosobnionym wydarzeniem. W tym samym roku Moderna Museet wraz ze stowarzyszeniem muzycznym Fylkingen zorganizowało pięć tak zwanych nowojorskich wieczorów z baletem, koncertami i happeningami. Do Sztokholmu przyjechał Merce Cunningham Dance Company z Johnem Cage’em, Davidem Tudorem, Yvonne Rainer, Robertem Morrisem — i samym Rauschenbergiem, który w tamtych latach pracował dla zespołu Cunninghama jako scenograf i projektant oświetlenia.
To wiele mówi o tym, kim był. Rauschenberg nie był artystą pracującym samotnie w pracowni i dostarczającym gotowe płótna; był człowiekiem współpracy, poruszającym się między tańcem, muzyką, techniką i drukiem. Kilka lat później wraz z inżynierem Billym Klüverem założył inicjatywę Experiments in Art and Technology, która łączyła artystów z inżynierami z Bell Labs. Klüver był Szwedem, dzięki czemu więź między Sztokholmem a amerykańską sceną awangardową stała się wyjątkowo silna jak na tak mały kraj.
Dla odwiedzającego w 2026 roku Monogram nie jest po prostu osobliwym obiektem z kozą. To pamiątka po chwili, gdy przez kilka lat Skeppsholmen znajdowało się w samym centrum międzynarodowej debaty o sztuce. Skorzystaj z okazji: po Nowym Roku dzieło wróci do regularnej rotacji muzealnej.
Od wymazanego rysunku do sitodruku: trzy zabiegi, które kształtują język wizualny
Trzy prace wystarczą, by zrozumieć cały warsztat Rauschenberga. Pierwszą jest Erased de Kooning Drawing z 1953 roku, znajdujący się dziś w zbiorach SFMOMA. Rauschenberg poprosił uznanego malarza Willema de Kooninga o rysunek, wyraźnie zamierzając go wymazać. Otrzymał go, a potem przez tygodnie pracował nad jego wycieraniem. Pozostała niemal pusta kartka — i pomysł, że usuwanie może być aktem twórczym równie ważnym jak nakładanie.
Drugim są Combine, w których przedmioty wprowadza się do obrazu, zamiast je przedstawiać. Opona to opona, a nie namalowana iluzja opony. Trzecim jest malarstwo sitodrukowe, które rozpoczął w 1962 roku po wizycie w pracowni Andy’ego Warhola. Sitodruk pozwalał nakładać na jednym płótnie warstwy zdjęć prasowych, fotografii sportowych i kosmicznych oraz detali ze starszych obrazów, często z przesuniętymi rastrem i półprzezroczystymi plamami koloru.
W tym tkwi też bezpośredni związek ze współczesną sztuką ścienną. Logika sitodruku — powtórzenie, przesunięcie, przezroczystość, obraz na obrazie — stała się podstawowym językiem tego, co dziś sprzedaje się jako plakaty graficzne. Podobieństwo do bardziej rygorystycznego podejścia Warhola do obrazu zasługuje na osobne porównanie, które znajdziesz w naszym tekście o Warholu i linii kryjącej się za obrazem.
Jak wprowadzić do domu klimat Rauschenberga bez wypchanego kozła
Urządzanie wnętrza w duchu Rauschenberga nie polega na kupowaniu reprodukcji Combine — w dwuwymiarowej formie wypadają słabo i tracą cały sens bez swojej objętości. Chodzi o trzy zasady, które można od razu zastosować.
Pierwszym jest warstwa. Szukaj motywów, w których dwa systemy obrazowania nakładają się na siebie: fotografia pod plamą koloru, drukowany raster na malowanej powierzchni, tekst przecinający formę. Takie motywy dobrze prezentują się w pobliżu miejsca do siedzenia, bo nagradzają tych, którzy długo się im przyglądają. Znajdziesz je przede wszystkim wśród abstrakcyjnych plakatów oraz w kolekcji pop-artu.
Drugą kwestią jest zderzenie. Rauschenberg nigdy nie łączył rzeczy, które już do siebie pasowały. Odpowiednikiem na ścianie jest powieszenie surowej, geometrycznej grafiki obok miękkiej fotografii lub połączenie klasycznego motywu muzealnego z czymś współczesnym i graficznym. Ściana z samymi pasującymi do siebie motywami jest spokojna, ale bez wyrazu; ściana z jednym zamierzonym zderzeniem nabiera dynamiki.
Trzecią kwestią jest skala. Monogram ma nieco ponad metr długości i zajmuje miejsce na podłodze, nie na ścianie. W domu ten sam efekt uzyskasz, wybierając naprawdę duży format zamiast kilku małych: dzieło o wymiarach 70x100 zrobi więcej dla wnętrza niż cztery o wymiarach 30x40, zwłaszcza nad sofą lub w klatce schodowej. Jeśli nie masz pewności, ile centymetrów potrzeba, zajrzyj do naszych wskazówek dotyczących tworzenia galerii ściennej.
Wskazówka: Jeśli chcesz tanio wypróbować zasadę kolażu, powieś trzy motywy w tej samej ramie, ale o różnej logice obrazu — fotografię, grafikę opartą na tekście i jednolite pole koloru. Zachowaj tę samą szerokość ramy i tę samą passe-partout, a kompozycja będzie spójna mimo zderzenia różnych treści. To właśnie ta równowaga między porządkiem a nieporządkiem sprawia, że Combines są czytelne.
Miejsce Rauschenberga wśród znanych nazwisk
W kolekcji, w której dominują impresjoniści i moderniści, Rauschenberg nieco odstaje — i właśnie o to chodzi. Nie pasuje do żadnego stylu, lecz do pewnej postawy: codzienne materiały nadają się na tworzywo sztuki, obraz może zawsze stać się innym obrazem, a artysta równie dobrze może pracować z grupą taneczną lub inżynierem, jak z pędzlem.
Dlatego najlepiej sprawdza się jako punkt przełamania dla osób tworzących ścianę z dzieł znanych artystów. Umieść obok siebie wielowarstwowy, graficzny motyw i klasyczny pejzaż lub oszczędny portret, a klasyczny obraz nagle zyska napięcie, którego nie miał w swoim własnym towarzystwie. Działa to też w drugą stronę: oszczędny motyw uspokoi ścianę, na której dzieje się zbyt wiele.
A jeśli przed Nowym Rokiem zdążysz na Skeppsholmen, podejdź blisko i zwróć uwagę, ile kolorów jest na płótnie pod kozą. To zwykle pierwsza rzecz, której nie zauważają odwiedzający.
Najczęściej zadawane pytania o Rauschenberga i Monogram
Jeśli szukasz sztuki, która wyraża tę samą chęć łamania konwencji, znajdziesz ją wśród naszych motywów graficznych, abstrakcyjnych i inspirowanych pop-artem — zacznij od miejsca, w którym wnętrzu przyda się kontrast, a nie tam, gdzie już panuje spokój.
Źródła i materiały dodatkowe: Moderna Museet o „Monogram” i SFMOMA o „Erased de Kooning Drawing”.