1 listopada 2026 roku zakończy się wystawa Projekt na rzecz rewolucji w Fondation Vasarely w Aix-en-Provence, a wraz z nią dobiegną końca obchody pięćdziesięciolecia budynku zaprojektowanego przez Victora Vasarely’ego. Dla osób rozważających zakup plakatu, którego powierzchnia zdaje się poruszać, to dobra okazja, by zrozumieć, dlaczego Vasarely chciał wyprowadzić sztukę z ram i przenieść ją do miasta. Jego geometryczne obrazy stały się jednymi z najbardziej rozpoznawalnych motywów op-artu i sprawdzają się we wnętrzach z tych samych powodów, dla których sprawdzały się na budynkach uniwersyteckich w Caracas: oko nie może oderwać od nich wzroku.
W skrócie: Wystawa Projekt na rzecz rewolucji. Vasarely i architektura odbywa się od 12 czerwca do 1 listopada 2026 roku w Fondation Vasarely w Aix-en-Provence. Organizowana jest we współpracy z Centre Pompidou, a jej kuratorami są Michel Gauthier i Stéphanie Quantin-Biancalani. Budynek otwarto w 1976 roku, dlatego rok 2026 jest rokiem jubileuszowym. Victor Vasarely urodził się w Pécs 9 kwietnia 1906 roku, a zmarł w Paryżu 15 marca 1997 roku.
Zebra 1937: obraz nazywany pierwszym dziełem op-artu
Vasarely nie zaczynał jako artysta op-artu. Pochodził z Pécs na Węgrzech, najpierw studiował medycynę, a potem zmienił kierunek. Około 1928–1929 roku zapisał się do prywatnej szkoły Sándora Bortnyika Műhely w Budapeszcie, często określanej jako węgierska odnoga nurtu Bauhausu. Tam nauczył się postrzegać formę graficzną jako język: linia, plama barwna, rytm i kontrast były narzędziami, a nie dekoracją. Szkoła działała do 1938 roku, a jej wpływy towarzyszyły mu przez całą karierę.
Już w 1937 roku namalował Zebrę, dwa czarno-białe zwierzęta, których pasy zlewają się w jedną falującą powierzchnię. Niektórzy badacze uważają, że obraz jest jednym z najwcześniejszych przykładów op-artu, powstałym ponad dwadzieścia lat przed nadaniem temu stylowi nazwy. Interesujące jest to, że nie da się dostrzec żadnej pojedynczej zebry: oko próbuje uporządkować pasy w dwa ciała, nie udaje mu się to i raz za razem musi zmieniać swoją ocenę. To właśnie ten mechanizm sprawia, że plakat Vasarely’ego ożywia wnętrze, nawet gdy nikt na niego bezpośrednio nie patrzy.
Po wojnie nadal rozwijał tę samą ideę. Zastępując wizerunek postaci układem kwadratów, kół i rombów, mógł sprawić, że cała powierzchnia obrazu pulsowała, nabrzmiewała i kurczyła się, nie pozwalając, by choć jedna linia była przypadkowo zakrzywiona. Każde pole miało matematyczną logikę, a każde przesunięcie było celowe. Ta precyzja sprawia, że jego dzieła długo nie tracą na atrakcyjności i dobrze nadają się do reprodukcji: w dobrym druku nic nie ginie, bo wszystko opiera się na ostrych krawędziach i czystych plamach barwnych.
Jeśli chcesz zrozumieć, jak czarno-biały język wizualny Vasarely’ego wiąże się ze szkołą, która go ukształtowała, dobrym uzupełnieniem będzie nasz przewodnik po Bauhausie i całej historii szkoły artystycznej. Widać tam tę samą myśl: forma i funkcja powinny się spotykać, a sztuka jest częścią codzienności, a nie czymś, co powinno znajdować się za szybą.
Grupa Espace i Caracas 1954: kiedy sztuka opuściła płótno
Po drugiej wojnie światowej Vasarely coraz bardziej interesował się architekturą. Na początku lat 50. dołączył do grupy Espace, założonej przez André Bloca i Félixa Del Marle’a, której celem była synteza sztuk: malarze, rzeźbiarze i architekci mieli pracować razem, a nie osobno. W 1954 roku grupa zorganizowała wystawę w Biot, a w tym samym roku Vasarely zrealizował w Caracas swoje pierwsze tak zwane integracje architektoniczne, w ramach których jego barwne geometryczne formy włączono do zabudowy miasta uniwersyteckiego.
To był początek projektu na całe życie. Vasarely marzył o sztuce dostępnej dla wszystkich, obecnej na osiedlach, klatkach schodowych i placach. Najbardziej ambitna propozycja, Cité polychrome du bonheur, wielobarwne miasto szczęścia, nigdy nie została zrealizowana. Idea ta żyje jednak dalej w każdym wydrukowanym obrazie, który przenosi geometrię z sali muzealnej do salonu. Wystawa jubileuszowa w Aix dotyczy właśnie tego: tego, jak artysta próbował przekształcić język wizualny w zabudowaną przestrzeń i jak jego obrazy można odczytywać jako propozycję innego sposobu życia.
„Vasarely nie chciał wieszać sztuki na ścianie – chciał, by sama ściana stała się sztuką, a kiedy się nie dało, musiał wystarczyć obraz”.
Gordes 1970 i Aix 1976: artysta, który zbudował własne muzeum
Pierwsze własne muzeum Vasarely’ego otwarto 5 czerwca 1970 roku w renesansowym pałacu w Gordes w Prowansji i działało do 1996 roku. Sześć lat później, w 1976 roku, otwarto Fondation Vasarely w Aix-en-Provence, budynek, który artysta sam nazwał Centre architectonique. Materiały prasowe Centre Pompidou opisują go jako jedno z nielicznych dzieł architektonicznych pozostawionych przez artystę i mówią o „Kaplicy Sykstyńskiej sztuki optyczno-kinetycznej”. To wielkie słowa, ale trafnie oddają ambicję: budynek nie jest oprawą dla dzieł, lecz sam w sobie jest dziełem.
W tym samym roku, 1976, w jego rodzinnym mieście Pécs powstało muzeum Vasarely’ego. W 1987 roku otwarto kolejne muzeum w pałacu Zichy’ego w Budapeszcie, z ponad czterystoma dziełami. To, że jego imię noszą trzy muzea w trzech krajach, mówi wiele o tym, jak ważną postacią stał się dla modernizmu węgierskiego i francuskiego. Jeśli chcesz prześledzić związki między światem Vasarely’ego a twórczością innych artystów, którzy pracowali ze światłem, ruchem i kolorem, przeczytaj nasz przewodnik po Julio Le Parcu w Tate Modern, jednym z artystów, którzy podzielali jego zainteresowanie sztuką kinetyczną.
Więcej informacji o wystawie w Aix i o architektonicznych koncepcjach Vasarely’ego można znaleźć w materiałach prasowych Centre Pompidou poświęconych wystawie.
The Responsive Eye 1965 i Salut 7 1982: przełom op-artu i podróż w kosmos
W 1965 roku Vasarely wziął udział w wystawie The Responsive Eye w Museum of Modern Art w Nowym Jorku, której kuratorem był William C. Seitz. Wystawa stała się międzynarodowym przełomem dla op-artu, a prace szybko trafiły do mody, reklamy i aranżacji wnętrz. To, co wydarzyło się później, być może najlepiej wyjaśnia, dlaczego Vasarely wciąż sprawdza się jako twórca sztuki drukowanej: był jednym z pierwszych wielkich artystów, którzy świadomie tworzyli wiele egzemplarzy tego samego obrazu. Serigrafie, w których farba jest przeciskana warstwa po warstwie przez siatkę, idealnie pasowały do jego geometrycznego stylu.
W 1982 roku astronauta Jean-Loup Chrétien zabrał na stację kosmiczną Salut 7 154 specjalnie przygotowane serigrafie. Później sprzedano je na rzecz UNESCO. Trudno o lepszy dowód na to, że sztuka powinna móc podróżować, być udostępniana i wieszana w dowolnym miejscu. Wydruk na papierze w Twoim domu nie jest więc budżetową wersją Vasarely’ego, lecz formatem, który sam artysta przyjął.
Które pomieszczenia dobrze znoszą plakat z iluzją optyczną
Sztuka optyczna to szczególne wyzwanie w domu, ponieważ obraz aktywnie oddziałuje na wzrok. Osoba, która powiesi duży plakat inspirowany Vasarelym, o silnym kontraście, na wprost telewizora, może uznać, że obraz bardziej męczy, niż wzbogaca wnętrze. Badania nad stresem wizualnym, które omówiliśmy w przewodniku po wzorach męczących wzrok, pokazują, że gęste, powtarzalne kontrasty mogą wywoływać dyskomfort u niektórych osób. To nie powód, by unikać op-artu, ale powód, by starannie wybrać miejsce.
Przedpokój, klatka schodowa, gabinet i przestrzeń między dwojgiem drzwi to miejsca, przez które wzrok szybko przebiega i w których ruch na obrazie staje się elementem wystroju, a nie obciążeniem. W salonie plakat Vasarely’ego najlepiej prezentuje się samodzielnie, na spokojnej ścianie, z dużą ilością wolnej przestrzeni wokół, a nie obok galerii ściennej z wieloma motywami. W sypialni lepiej sprawdzi się łagodniejsza geometria w zbliżonych do siebie kolorach niż ostry czarno-biały kontrast.
Wskazówka: Zanim zdecydujesz się na plakat optyczny, przytrzymaj go w wybranym miejscu przez dwa dni. Obserwuj go o różnej porze i w różnym świetle, zarówno od strony kuchni, jak i z kanapy. Jeśli drugiego dnia nadal wydaje się dynamiczny, ale nie przytłacza, znalazłeś odpowiednie miejsce.
Czerń i biel, kolor czy czysta geometria: jak wybrać plakat inspirowany Vasarelym
Sztukę Vasarely’ego można podzielić na trzy nurty, z których każdy sprawdza się jako grafika do druku. Pierwszy to czerń i biel: zebry, siatki i pasy, w których całą pracę wykonuje kontrast. Znajdziesz je u nas jako czarno-białe plakaty, na których grafika wyrazista jest nawet bez koloru. Drugi nurt to barwne kompozycje geometryczne, w których drobne różnice odcieni sprawiają, że płaszczyzny wybrzuszają się lub cofają. Trzeci to czyste studia formy: koła i kwadraty, które zmieniają rozmiar i sprawiają wrażenie ruchu.
Jeśli chcesz poznać cały świat geometrii w druku, plakaty graficzne są naturalnym punktem wyjścia, a dla tych, którzy lubią łączyć formy z płaszczyznami barw, przygotowaliśmy kolekcję plakatów abstrakcyjnych. Ci, którzy chcą cofnąć się do szkoły, która ukształtowała Vasarely’ego, znajdą odpowiedni obraz wśród naszych plakatów Bauhausu.
Jeśli chodzi o format, 50x70 centymetrów sprawdza się najlepiej w większości domów. Jest wystarczająco duży, by geometria była widoczna z daleka, ale nie na tyle, by ruch zdominował pomieszczenie. W przedpokoju i na klatce schodowej warto rozważyć format 70x100. Cienka, czarna drewniana rama wyraźnie oddziela obraz od otoczenia, a biała rama z passe-partout łagodzi efekt i lepiej pasuje do sypialni. Unikaj szerokich, ozdobnych ram: Vasarely stawiał na czyste krawędzie.
Każdy, kto chce rozbudować kompozycję, może połączyć plakat inspirowany Vasarelym z bardziej organicznymi motywami, na przykład roślinami lub pejzażami, aby geometria zyskała spokojniejsze towarzystwo. Zobacz dzieła znanych artystów, by znaleźć obrazy o podobnej palecie barw, które nie będą odwracać uwagi.
Często zadawane pytania o Victora Vasarely’ego i op-art
Pięćdziesiąt lat po tym, jak Vasarely otworzył własne muzeum, jego idea wciąż jest łatwa do przyjęcia: obrazy nie powinny być zarezerwowane dla galerii i kolekcjonerów. Odkryj nasze plakaty graficzne lub przejrzyj czarno-białe motywy i znajdź obraz, który pobudzi wzrok do pracy, w odpowiednim pomieszczeniu i z właściwej odległości. Rok jubileuszowy to także dobra okazja, by wybrać coś, na co można patrzeć przez długi czas i co wciąż będzie dawać oczom nowe bodźce długo po tym, jak minie pierwsze zauroczenie.