W Nasjonalmuseet w Oslo w tytule wystawy przekreślono słowo „Woman”. Pozostało Painter i właśnie o to chodzi: od 8 października 2026 do 7 lutego 2027 roku prezentowanych jest 51 obrazów 19 artystek i artystów, którzy tworzyli w Europie Północnej i we Włoszech w latach 1550–1650. Przedstawiono ich jako zawodowych malarzy, a nie wyjątki. Dla osób, które rozważają zakup plakatu pełnego głębi, światła i opowiadającego historię, wystawa jest łatwym sposobem na poznanie rozdziału historii sztuki, który przez długi czas pozostawał w cieniu. Oto co można zobaczyć, dlaczego to ważne i jak motywy tych malarzy mogą znaleźć miejsce w domu.
W skrócie: Woman Painter jest prezentowana w Nasjonalmuseet w Oslo od 8 października 2026 do 7 lutego 2027 roku i obejmuje 51 obrazów 19 artystek i artystów, stworzonych w latach 1550–1650. Wystawa powstała we współpracy z Galleria Borghese w Rzymie, gdzie będzie prezentowana od 15 marca do 30 maja 2027 roku. Wypożyczenia pochodzą między innymi z Rijksmuseum, Uffizi i Sztokholmskiego Muzeum Narodowego. Martwa natura z własnej kolekcji Nasjonalmuseet po raz pierwszy jest prezentowana jako dzieło Clary Peeters.
Przekreślone „Woman”: wystawa, która chce skończyć z mówieniem o wyjątkach
Sam tytuł mówi już niemal wszystko. Przekreślając słowo „Woman”, Nasjonalmuseet chce pokazać, że te artystki nie były ciekawostką, lecz w pełni uczestniczyły w europejskim życiu artystycznym. Na wystawie spotkamy między innymi Sofonisby Anguissolę (około 1530–1625), Lavinię Fontanę (1552–1614), Artemisię Gentileschi (1593 do około 1654), Clarę Peeters (około 1585 do około 1655), Michaelinę Wautier (1604–1689) i Judith Leyster (1600 lub 1610–1660). To sześć osób o zupełnie różnych doświadczeniach, ale łączy je jedno: pobierały wynagrodzenie, budowały swoją reputację i otrzymywały zlecenia.
Wystawa ma szczególny wymiar nordycki. Muzeum jednocześnie przypomina o norweskiej portrecistce z XIX wieku Aście Nørregaard, a wśród międzynarodowych wypożyczeń znajdują się dzieła ze Sztokholmskiego Muzeum Narodowego. Oznacza to, że podróżujący do Oslo mogą zobaczyć szwedzkie zbiory w nowym kontekście. Ci, którzy nie wybiorą się w podróż, mogą zabrać ze sobą tę myśl: obraz nie musi być sygnowany przez znanego mężczyznę, by zasługiwał na miejsce na ścianie.
Wystawa zawiera również wątek detektywistyczny. Martwa natura z własnej kolekcji muzeum, Martwa natura z drobną zwierzyną i winogronami na pozłacanej tacy z około 1620 roku, jest teraz po raz pierwszy prezentowana jako dzieło Clary Peeters. Zmiana atrybucji opiera się na badaniach kuratorki Cynthii Osiecki. Jedno pociągnięcie pędzla, które zmienia jedno nazwisko na drugie, może zmienić sposób odczytywania dzieła sztuki i to, jak wiele rozumiemy z osoby, która je namalowała.
Clara Peeters i nóż z wygrawerowanym nazwiskiem: martwa natura jako podpis
Jeśli któraś z artystek na wystawie nadaje się do reprodukcji na ścianę w domu, to Clara Peeters. Przebywała w Amsterdamie w 1611 roku, a w Hadze w 1617 roku. Uznaje się ją za jedną z pierwszych malarek martwych natur z jedzeniem. Jej najwcześniejszy znany, sygnowany i datowany obraz pochodzi z 1607 roku. Sygnowała 31 dzieł, a 76 kolejnych przypisuje się jej z różnym stopniem pewności. W Muzeum Prado znajduje się seria czterech dużych martwych natur, z których trzy datowano na 1611 rok; należały one do hiszpańskiej rodziny królewskiej. Wśród nich jest dzieło, które może być najstarszą znaną martwą naturą z upolowaną zwierzyną.
Najrzadszy jest jednak jej sposób ukrywania samej siebie na obrazie. Na kilku jej malowidłach na rękojeści zdobionego noża weselnego, takiego, jakie antwerpscy złotnicy wykonywali około 1595–1600 roku, wygrawerowano jej nazwisko. W lśniących powierzchniach kielichów i pozłacanych mis widać ponadto mały autoportret malarki, odbity w metalu. To tradycja sięgająca niderlandzkich mistrzów, ale Peeters uczyniła z niej swój znak rozpoznawczy. W praktyce mówiła: jestem tutaj, w samym środku obrazu, między serem a porzeczkami.
"Clara Peeters podpisywała swoje martwe natury nożem i własnym odbiciem w srebrnym kielichu – to jeden z najcichszych gestów w historii sztuki mówiących: byłam tu."
Rynek to zauważył. Rekordem aukcyjnym Peeters jest obraz kwiatów z 1612 roku, Róże, lilie, irys i inne kwiaty w glinianym wazonie, sprzedany w domu aukcyjnym Christie's w Nowym Jorku 10 czerwca 2022 roku za 1,2 miliona dolarów bez prowizji, czyli 1,5 miliona z opłatami. Według Artprice odbyło się 49 jej publicznych sprzedaży aukcyjnych: pierwsza w 1987 roku, a ostatnia w 2025. Te liczby pokazują, że nazwisko, które niegdyś niemal popadło w zapomnienie, jest dziś uznawane za jedno z najważniejszych w baroku. Więcej o jej życiu i twórczości można przeczytać na stronie Wikipedii o Clarze Peeters.
To, że wypożyczającym jest Muzeum Narodowe w Sztokholmie, sprawia, że wystawa mówi także coś o szwedzkich zbiorach. Barokowe malarki przez cały czas były obecne w naszych muzeach, ale często pod innymi nazwiskami albo bez nazwiska. Przypisanie autorstwa Peeters martwej naturze w Oslo to przykład tego, jak badania mogą przenieść dzieło z anonimowości do wyraźnie wskazanego autora. Takie prace trwają obecnie w wielu miejscach Europy.
Osoby kolekcjonujące sztukę lub po prostu chcące powiesić coś, co będzie cieszyć przez wiele lat, powinny zwrócić uwagę na to, co dzieje się, gdy zmienia się sposób opowiadania historii. Obrazy, które wcześniej uznawano za dzieła artystów drugiej kategorii, zostają docenione, trafiają na wystawy i znów stają się pożądane. Widać to zarówno w muzeach, jak i wśród osób urządzających wnętrza. To dobry powód, by starannie wybierać motywy, zamiast kierować się wyłącznie chwilowymi trendami.
Artemisia, Sofonisba i Judith: trzy sposoby zaznaczenia swojej obecności w XVII wieku
Artemisia Gentileschi namalowała Zuzannę i starców w 1610 roku, w wieku 17 lat. To jej najwcześniejsze zachowane dzieło. Jej Judyta odcinająca głowę Holofernesowi istnieje w kilku wersjach: pierwsza, z lat 1612–1613, znajduje się w muzeum Capodimonte w Neapolu, a druga, namalowana między 1614 a 1620 rokiem, w Galerii Uffizi we Florencji. Była pierwszą kobietą przyjętą do florenckiej akademii sztuki Accademia delle Arti del Disegno. Jej motywy są dramatyczne, pełne cielesności i bezpośrednie. Zyskały nowe życie dzięki współczesnemu feminizmowi, ale są też mistrzowskimi lekcjami operowania światłem.
Sofonisba Anguissola, najstarsza z tego grona, zdobyła pozycję, która czyni ją wyjątkową w swoich czasach. Jej portrety rodziny i dworu ukazują ludzi w codziennych sytuacjach: śmiech, bawiące się rodzeństwo, spojrzenie skierowane wprost na widza. Judith Leyster, działająca w Haarlemie, słynie z wesołych scen towarzyskich, w których muzycy i biesiadnicy zdają się zatrzymać w pół zdania. Dalsze informacje o szkole holenderskiej znajdziesz w naszym przewodniku po Halsie i Rembrandcie w Haarlemie, poświęconym współczesnym Leyster artystom.
Wszystkich łączy to, że tworzyły w świecie, który nie był dla nich stworzony, a mimo to ich dzieła przetrwały. To mocny punkt wyjścia dla plakatu: obraz niesie ze sobą opowieść o tym, jak powstał, a ta opowieść trafia wraz z nim do wnętrza.
Od stołu biesiadnego Peeters do Twojej jadalni: martwa natura jako plakat
Martwa natura jest jednym z niewielu gatunków, które pasują niemal do każdego pomieszczenia w domu. Dzieje się tak dlatego, że przedstawia codzienne przedmioty: owoce, ryby, sery, chleb, kwiaty, szkło. W kuchni lub przy stole obraz przedstawiający zastawiony stół staje się naturalnym przedłużeniem tego, co dzieje się w pomieszczeniu. Charakterystyczny styl Peeters, z ciemnym tłem i mocnym światłem padającym na metal i owoce, sprawia, że jej obrazy pasują także do wnętrz, w których brakuje naturalnego światła.
Pisaliśmy o tym, jak martwa natura operuje kolorem i światłem, w przewodniku po cytrynach Zurbarána w Luwrze, a wiele z tych wskazówek sprawdzi się również tutaj. Ciemne tło z mocno oświetlonym motywem najlepiej prezentuje się w cienkiej drewnianej lub czarnej ramie, a także z dyskretnym passe-partout, które podkreśli jasne partie obrazu. Współczesne martwe natury z kwiatami, różami i liliami w wazonie znajdziesz wśród naszych plakatów z motywami kwiatowymi.
Wskazówka: Powiesić martwą naturę w jadalni? Umieść obraz tak, by jego środek znajdował się około 145 centymetrów nad podłogą, ale zawieś go nieco niżej, jeśli podczas kolacji najczęściej siedzicie. Światło lampy nad stołem sprawi, że ciemne partie barokowego obrazu będą lśnić.
Konkretne propozycje: motywy, formaty i pomieszczenia dla barokowych kobiet
Jeśli chcesz zabrać do domu coś z wystawy, zacznij od zastanowienia się, któremu pomieszczeniu przydałaby się jakaś opowieść. Kuchnia i jadalnia to oczywiste miejsca na martwą naturę, a więcej inspiracji znajdziesz wśród naszych obrazów do kuchni oraz plakatów z cytrusami i owocami. Owoce w ostrym świetle na ciemnym tle to właśnie ten rodzaj motywu, który Peeters, Zurbarán i ich naśladowcy przekształcili w odrębny gatunek.
Portrety wymagają nieco więcej namysłu. Portret kobiety z XVI lub XVII wieku oddziałuje inaczej niż martwa natura, ponieważ jej spojrzenie spotyka się ze wzrokiem odbiorcy. W salonie lub przedpokoju najlepiej sprawdzi się portret zawieszony na wysokości oczu i mający własną ścianę albo będący częścią galerii ściennej, w której kilka obrazów ze sobą dialoguje. Jeśli chcesz połączyć starsze motywy z nowszymi, przejrzyj dzieła znanych artystów i znajdź obrazy o wspólnej palecie barw, na przykład ciepłych odcieniach ziemi i głębokiej zieleni.
Jeśli chodzi o format, 50x70 centymetrów to bezpieczny wybór w przypadku martwej natury i portretu, a 30x40 sprawdzi się na ścianie galerii, gdzie ma się zmieścić kilka motywów. Duży format 70x100 może sprawić, że martwa natura stanie się niemal namacalna: owoce będą naturalnej wielkości, a pokój zamieni się w stół bankietowy. Pamiętaj, że barokowe ciemne tła tracą wiele, jeśli w pomieszczeniu jest mocne światło padające z tyłu. Powieś obraz tak, by światło dzienne padało na niego z boku, dzięki czemu powierzchnia nie będzie odbijać światła.
Dodatkowym źródłem inspiracji jest nasz przewodnik po wystawie Evy Gonzalès w Petit Palais, na której na nowo odkrywana jest inna zapomniana malarka. Obie wystawy łączy przekonanie, że zapomniane kobiety w historii sztuki zasługują na miejsce na ścianach, a nie tylko w przypisach. Jeśli chcesz poznać ceny dzieł Peeters i ich historię aukcyjną, przeczytaj cały artykuł Artprice o wystawie.
Najczęstsze pytania o Woman Painter i malarki epoki baroku
Wystawa w Oslo przypomina, że w historii sztuki zawsze było więcej malarek, niż wspominają podręczniki. Odkryj dzieła znanych artystów, plakaty do jadalni i motywy owocowe, aby znaleźć obraz z prawdziwą historią, i powieś go tam, gdzie spotykacie się każdego dnia.