Niewielu artystów tak dobrze nadaje się na plakaty jak Sonia Delaunay. Jej koła, łuki i zderzające się barwy to właśnie ten rodzaj czystej, dźwięcznej abstrakcji, który ożywia ścianę – a rok 2026 to czas, gdy wreszcie dostrzega ją cały świat sztuki. W kwietniu Odeskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej otworzy wystawę Ode to Sonia, pierwszą wielką wystawę poświęconą artystce w mieście, w którym urodziła się w 1885 roku. Jednocześnie trwa fala zainteresowania zapoczątkowana przez wielką wystawę orfizmu w Guggenheimie w Nowym Jorku i nagle wszyscy mówią o kobiecie, która przez ponad sto lat pozostawała w cieniu męża. Dla nas, miłośników koloru, nie jest to zaskoczeniem: jej język form sprawdza się dziś równie dobrze na plakacie, jak w paryskiej kawiarni w 1913 roku. Oto historia artystki, teoria barw stojąca za jej dziełami i sposób, by wprowadzić ją do własnego wnętrza.
W skrócie: Sonia Delaunay (1885–1979) urodziła się w Odessie i w 1964 roku została pierwszą żyjącą artystką, której retrospektywę zorganizowano w Luwrze w Paryżu. W 2026 roku zostanie uhonorowana wystawą Ode to Sonia w Odeskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej (5 kwietnia–31 sierpnia), upamiętniającą 140. rocznicę jej urodzin.
Co wyróżnia Sonię Delaunay – kolor był ważniejszy niż forma
Sonia Delaunay urodziła się jako Sarah Stern w Odessie i dorastała u zamożnego wuja w Petersburgu, którego nazwisko, Terk, przyjęła. Po studiach artystycznych w niemieckim Karlsruhe w 1905 roku przeprowadziła się do Paryża, gdzie w 1910 roku poślubiła malarza Roberta Delaunaya. Razem stali się siłą napędową jednego z najbardziej optymistycznych nurtów artystycznych XX wieku – ale podczas gdy Robert trzymał się płótna, Sonia pozwalała kolorom przekraczać wszelkie granice.
To, co odróżnia ją od większości współczesnych artystów, to fakt, że nigdy nie dostrzegała hierarchii między sztuką wysoką a przedmiotami codziennego użytku. Często przytaczanym początkiem tej drogi jest patchworkowa kołdra, którą uszyła w 1911 roku dla swojego nowo narodzonego syna: pola kolorowych tkanin zestawione ze sobą w sposób przypominający rozbite płaszczyzny kubizmu. W tej prostej kołdrze tkwiło ziarno wszystkiego, co stworzyła później – idea, że stykające się plamy koloru tworzą ruch i rytm, całkowicie bez motywów przedstawiających. Właśnie dlatego jej dzieła tak nowocześnie prezentują się dziś na ścianie: to abstrakcja w najczystszej, najbardziej radosnej postaci.
Jej kariera była również wyjątkowo niezależna jak na tamte czasy. W epoce, gdy niewiele kobiet mogło rozwijać zawodową karierę, stworzyła własną drogę artystyczną i zbudowała niezależność finansową, swobodnie poruszając się między malarstwem, sztuką książki, scenografią i tkaniną. Ta różnorodność utrudniała krytykom jej epoki jednoznaczne sklasyfikowanie jej twórczości, ale to właśnie ta wszechstronność sprawia, że jest tak żywa również dzisiaj – jej języka form nigdy nie dało się zamknąć w jednym medium.
Jeśli chcesz zobaczyć, jak ta tradycja jest kontynuowana w naszej ofercie, znajdziesz pokrewne style wśród naszych plakatów abstrakcyjnych, w których kolor i forma przemawiają same za siebie, nie przedstawiając niczego konkretnego.
Orfizm i simultanizm: teoria barw Chevreula w ruchu
Nurt abstrakcji reprezentowany przez parę Delaunayów zyskał nazwę orfizmu – słowo to wymyślił około 1912 roku poeta Guillaume Apollinaire, by opisać styl malarski, w którym to kolor, a nie linia, niesie cały wyraz. Sami nazywali swoją twórczość simultanisme, czyli simultanizmem. Nie był to przypadkowy wybór, lecz bezpośrednie nawiązanie do chemika Michela-Eugène’a Chevreula, który już w 1839 roku w swojej pracy o prawie jednoczesnego kontrastu barw opisał, jak odcień zmienia charakter w zależności od tego, co znajduje się obok niego. Czerwień obok zieleni wibruje, błękit obok pomarańczu drży – ten efekt optyczny stał się najważniejszym narzędziem Sonii Delaunay.
Na obrazie Bal Bullier (1912–13), inspirowanym paryskim salonem tanecznym, rozmywa tańczące pary w ruchomych łukach kontrastujących kolorów. W następnym roku stworzyła Prismes électriques, hołd dla nowego miejskiego oświetlenia elektrycznego, w którym kręgi światła eksplodują na płótnie. W tym samym roku zilustrowała poemat Blaise’a Cendrarsa La Prose du Transsibérien – niemal dwumetrową, składaną książkę, w której tekst i kolor biegną równolegle; często określa się ją jako pierwszą książkę symultaniczną.
"Dla Sonii Delaunay kolor nie był dekoracją, lecz językiem – sposobem na wprawienie powierzchni w ruch, bez przedstawiania jakiegokolwiek ruchu."
To właśnie ta zasada sprawia, że jej świat obrazów tak dobrze sprawdza się we wnętrzach. Kompozycja oparta na kontraście kolorów przyciąga wzrok z daleka i zatrzymuje go z bliska, a także współgra ze światłem w pomieszczeniu, zmieniającym się w ciągu dnia. Jeśli chcesz dowiedzieć się więcej o tym, jak czysty kolor wpływa na wnętrze, zebraliśmy wskazówki w naszym przewodniku po kolorowych plakatach.
Od Bal Bullier po tkaniny: artystka, która zatarła granicę między sztuką a życiem
Gdy wybuchła I wojna światowa, para przebywała w Hiszpanii i Portugalii, a kiedy zniknęły rosyjskie dochody rodziny, Sonia zrobiła coś niezwykłego jak na artystkę: przekuła swój język form w źródło utrzymania. W Madrycie otworzyła pracownię wnętrzarską Casa Sonia, a w latach 20. prowadziła w Paryżu swój Boutique Simultané, gdzie sprzedawała tkaniny, ubrania i dodatki w tych samych kontrastowych polach barwnych, które wypełniały jej obrazy. Projektowała także kostiumy dla Ballets Russes, a samochody i witryny sklepowe ozdabiała swoimi wzorami.
Dla współczesnych, którzy widzieli ścisłe granice między sztuką wysoką a niską, było to niemal prowokujące. Dziś przeciwnie, uznajemy to za jej siłę: wcześnie zrozumiała, że język form może swobodnie przenikać między płótnem, tkaniną i drukiem, nie tracąc przy tym swojej mocy. Właśnie ta myśl stoi za dobrym plakatem graficznym – motywem zbudowanym z wyrazistych płaszczyzn i czytelnego rytmu, który sprawdza się w każdym formacie. To pokrewieństwo wyraźnie widać na naszych plakatach graficznych.
To, jak swobodnie poruszała się między różnymi dziedzinami sztuki, widać także po tym, że odwiedzały ją największe nazwiska epoki. W latach spędzonych w Paryżu obracała się w kręgu Ballets Russes i projektowała między innymi kostiumy dla teatru tańca, a także współpracowała z poetami i projektantami awangardy, która tworzyła nowoczesną sztukę. Podczas gdy inni trzymali się jednej dziedziny, ona pozwalała, by pomysły przenikały z jednego projektu do drugiego – tkanina mogła dać początek obrazowi, a obraz stronie książki. Współczesnemu odbiorcy niemal nie sposób nie postrzegać jej kompozycji jako gotowych plakatów: wyrazistych, rytmicznych i zaprojektowanych tak, by działały już z daleka.
Uznanie przyszło późno, ale zdecydowanie. W 1964 roku Sonia Delaunay została pierwszą żyjącą artystką, której retrospektywną wystawę zorganizowano w Luwrze, a w 1975 roku mianowano ją oficerem francuskiej Legii Honorowej. Pracowała niemal do samego końca i zmarła w Paryżu 5 grudnia 1979 roku, w wieku 94 lat. To, że dopiero w latach 20. XXI wieku wielkie muzea zaczęły na dobre ją doceniać – od wystawy o orfizmie w Guggenheimie po hołd złożony jej w rodzinnym mieście, Odesie, w 2026 roku – mówi więcej o ślepych plamach historii sztuki niż o jej znaczeniu.
Kolorystyczny świat Sonii Delaunay w szwedzkim domu – pomieszczenia i formaty
Piękno sztuki inspirowanej Delaunay w skandynawskim domu polega na tym, że wnosi ciepło do jasnego, oszczędnego wnętrza, nie przytłaczając go. Duża kompozycja z wyrazistymi plamami barwnymi staje się naturalnym punktem centralnym nad sofą lub łóżkiem, a jej geometria równoważy miękkie tkaniny i jasne drewno. Wybierz format 50x70 cm lub 70x100 cm, jeśli motyw ma wypełnić całą ścianę – kontrastowe kolory potrzebują miejsca, by mogły wybrzmieć.
Wskazówka: Niech jeden kolor z plakatu wyznaczy paletę reszty pomieszczenia. Wybierz najcieplejszy odcień z motywu i powtórz go na poduszce, wazonie lub grzbiecie książki. W ten sposób abstrakcyjna sztuka połączy się z wnętrzem, zamiast sprawiać wrażenie zawieszonej w próżni. Wystarczy kobaltowy błękit lub curryjny żółty akcent.
Pamiętaj też o świetle. Kontrastowe kolory ożywają w świetle dziennym, ale mogą wydawać się przygaszone w pomieszczeniu oświetlonym wyłącznie ciepłym, wieczornym światłem, dlatego warto umieścić kolorową kompozycję tam, gdzie przed południem dociera do niej światło z okna. W pokoju, z którego korzystasz wieczorem, możesz z kolei postawić na cieplejszą barwę dominującą w motywie, dzięki czemu plakat zachowa blask także po zapaleniu lamp.
W gabinecie lub przedpokoju najlepiej sprawdzą się mniejsze formaty, takie jak 30x40 cm, najlepiej dwa lub trzy motywy z tej samej palety kolorystycznej, powieszone blisko siebie. Stworzą rytm przywodzący na myśl serie Delaunay, w których ten sam motyw koła powracał w kolejnych wariantach. Jeśli szukasz tej samej energii, ale w bardziej współczesnym, popowym wydaniu, zajrzyj też do naszej kolekcji dzieł znanych artystów, a jeśli chcesz dowiedzieć się, jak rozwijała się abstrakcja geometryczna, polecamy nasz artykuł o Bauhausie. Chcesz zgłębić korzenie tradycji abstrakcyjnej? Dobrym dalszym ciągiem będzie też nasz tekst o Wassilym Kandinskim.
Jeszcze jedna praktyczna wskazówka: kolorowa abstrakcja dobrze znosi towarzystwo. Kompozycja inspirowana Delaunay może wisieć obok czarno-białej fotografii lub stonowanego studium botanicznego, nie konkurując z nimi, pod warunkiem że ramy będą takie same. Wąska rama z jasnego dębu lub czarna pozwoli kolorom grać główną rolę. Chcesz stworzyć całą kolekcję w wyrazistych barwach? Więcej propozycji znajdziesz wśród naszych plakatów pełnych kolorów.
Najczęściej zadawane pytania o Sonię Delaunay
Przesłanie Sonii Delaunay jest proste: kolor to nie coś, co dodaje się na koniec, lecz coś, wokół czego można zbudować całe pomieszczenie. Jeśli chcesz, by ta myśl ukształtowała Twoją ścianę, najlepiej zacząć od naszych abstrakcyjnych plakatów i plakatów graficznych – tam jej idea czystego, śpiewnego koloru wciąż żyje i jest gotowa zagościć u Ciebie. Dowiedz się więcej o artystce na stronie National Museum of Women in the Arts oraz w The Art Story.