Obecnie deszcz, śnieg i wijące się drogi Edo pojawiają się jednocześnie na ścianach muzeów na trzech kontynentach. W The Whitworth w Manchesterze wystawa „Beneath the Great Wave” potrwa do połowy listopada 2026 roku, wiosną Muzeum Pamięci Ota w Tokio prezentowało jego ostatnie arcydzieła, a jesienią Art Institute of Chicago wypełniło całą salę jego drzeworytami. Rzadko zdarza się, by artysta z XIX-wiecznej Japonii był tak obecny w tylu miejscach naraz. To Utagawa Hiroshige – człowiek, który przekształcił japońską wędrówkę w sztukę obrazowania. Jeśli chcesz powiesić w domu plakat z jego motywem, ten przewodnik opowie, kim był, dlaczego jego druki wciąż nas poruszają i jak plakat inspirowany Hiroshigem może prezentować się na twojej ścianie.
W skrócie: Utagawa Hiroshige urodził się w 1797 roku w Edo (dzisiejsze Tokio), a zmarł podczas epidemii cholery w 1858 roku. Jego dwie wielkie serie – „Pięćdziesiąt trzy stacje na trakcie Tōkaidō” (1833–34) i „Sto słynnych widoków Edo” (1856–58) – zaliczają się do najwybitniejszych osiągnięć sztuki ukiyo-e. W 2026 roku będzie można go zobaczyć między innymi w The Whitworth w Manchesterze (14 marca–15 listopada), na wystawie poświęconej także Hokusaiowi.
Strażak, który został malarzem wędrówek
Hiroshige urodził się w rodzinie samurajskiej niskiej rangi, która odpowiadała za straż pożarną przy zamku szoguna w Edo. Gdy oboje jego rodzice zmarli, zanim skończył trzynaście lat, odziedziczył po nich stanowisko strażnika pożarowego – stabilne, lecz mało twórcze zajęcie. Sztuka stała się jego drogą ucieczki. Został przyjęty na ucznia mistrza Utagawy Toyohiro i z czasem przyjął imię Utagawa Hiroshige, którym sygnował swoje druki przez resztę życia.
Przez pierwsze dziesięciolecia tworzył to, z czego utrzymywali się wszyscy artyści ukiyo-e: portrety aktorów, piękne kobiety, ptaki i kwiaty. Jednak to pejzaże miały utrwalić jego nazwisko. Gdy po trzydziestce zaczął poświęcać się widokom i motywom podróżnym, odnalazł ton, jakiego nie miał nikt inny – nastrój, w którym mgła, deszcz i zmiany pór roku mają większe znaczenie niż postać ludzka. Tam, gdzie Hokusai był dramatyczny i monumentalny, Hiroshige był spokojny, nastrojowy i niemal melancholijny.
Słowo ukiyo-e oznacza mniej więcej „obrazy przepływającego świata” i pierwotnie odnosiło się do dzielnic rozrywki w Edo – teatrów, herbaciarni i ulotnych przyjemności miasta w ciągłym ruchu. Gatunek rozwijał się od XVII do XIX wieku i opierał na pomysłowej współpracy rzemieślników: artysta rysował wzór, rytownik wycinał motyw w drewnie wiśniowym, a drukarz przenosił kolory na papier, arkusz po arkuszu. Możliwość drukowania jednego motywu w tysiącach egzemplarzy sprawiała, że sztuka była przystępna cenowo, dzięki czemu trafiała do zwykłych mieszkańców Edo – podobnie jak współczesny plakat upowszechnia dziś sztukę.
Pięćdziesiąt trzy stacje: podróż, która przyniosła mu sławę
Przełom nastąpił w 1832 roku. Hiroshige podróżował wzdłuż Tōkaidō, liczącej pięćset pięćdziesiąt kilometrów nadmorskiej drogi między Edo, siedzibą sioguna, a Kioto, siedzibą cesarza, dokumentując pięćdziesiąt trzy stacje pocztowe na trasie. Efektem była seria „Pięćdziesiąt trzy stacje na Tōkaidō”, wydana w latach 1833–34, która odniosła niespotykany wcześniej sukces sprzedażowy w Edo.
To, co poruszało ówczesnych widzów, wciąż porusza i nas. Hiroshige nie rysował widoków turystycznych, lecz pogodę i emocje: podróżnych biegnących w ulewie, która nadeszła nagle, tragarzy zmagających się z zamiecią na górskiej przełęczy, prom sunący przez poranną mgłę. Droga stała się portretem Japonii w ruchu, widzianej oczami wędrowca. Seria uczyniła go jednym z najbardziej rozchwytywanych artystów w mieście i ugruntowała motyw podróży jako odrębny gatunek ukiyo-e.
Tōkaidō nie była zwyczajną drogą. W okresie Edo siogunat wymagał od panów prowincji regularnych podróży do stolicy w towarzystwie ich świt, a system ten sprawiał, że droga tętniła życiem przez cały rok. Każda z pięćdziesięciu trzech stacji była prawdziwym miejscem z zajazdami, tragarzami i wymianą koni, a nabywca drzeworytów Hiroshigego mógł śledzić podróż stacja po stacji niczym w książce obrazkowej. Dla mieszkańca Edo, który nigdy nie mógłby odbyć tej podróży, seria była niemal jak prawdziwa wyprawa – wczesna forma narracji obrazkowej, zapowiadająca zarówno komiks, jak i współczesny plakat turystyczny.
„Tam, gdzie Hokusai malował górę Fudżi jako boga, Hiroshige malował deszcz padający na wędrowca poniżej”.
Właśnie ten kontrast między dwoma mistrzami jest tematem wystawy „Pod Wielką falą” w The Whitworth w Manchesterze, która trwa od 14 marca do 15 listopada 2026 roku. Oglądanie ich obok siebie wyraźnie pokazuje, dlaczego potrzebujemy obu: jeden daje nam poczucie czci, drugi zabiera nas w podróż.
Sto słynnych widoków Edo – ostatnie arcydzieło
Pod koniec życia Hiroshige stworzył serię, którą wielu uważa dziś za jego najwybitniejsze dzieło: „Sto słynnych widoków Edo”, powstałą w latach 1856–58. Wbrew tytułowi seria obejmuje ponad sto drzeworytów – sukces komercyjny skłonił wydawcę do zamówienia kolejnych, a ostateczny cykl liczył ponad sto osiemnaście motywów.
Hiroshige eksperymentował tu swobodniej niż kiedykolwiek. Pozwalał gałęzi wyrastać prosto na pierwszy plan, podczas gdy miasto rozciągało się daleko w tle, odważnie kadrował motywy i przedstawiał strugi deszczu jako proste linie biegnące w poprzek drzeworytu. „Nagła ulewa nad mostem Shin-Ōhashi i Atake” oraz „Ogród śliwowy w Kameido” należą do najbardziej znanych prac. Seria stała się jego artystycznym testamentem: zmarł podczas pracy nad nią, w trakcie wielkiej epidemii cholery w 1858 roku, a inni pomogli dokończyć jej publikację.
Muzeum Sztuki Pamięci Ōty w Tokio poświęciło wiosną 2026 roku całą wystawę właśnie tej serii, zatytułowaną „Sto słynnych widoków Edo – jego ostatnie wyzwanie” (15 kwietnia–14 czerwca). W Art Institute of Chicago od października 2025 do stycznia 2026 pokazano około trzydziestu drzeworytów z tej serii – to dowód, że zainteresowanie późnymi drzeworytami Hiroshigego nigdy nie było większe.
Wskazówka: Jeśli chcesz uchwycić spokój Hiroshigego, nie zapełniając ściany szczegółami, wybierz motyw z dużą ilością otwartego nieba lub wody. To spokojne partie zapewniają pomieszczeniu oddech i szczególnie dobrze sprawdzają się we wnętrzach w stylu japandi, w których pustka jest częścią estetyki.
Od Edo po van Gogha: jak Hiroshige zmienił sztukę Zachodu
Gdy Japonia otworzyła się na świat w latach 50. i 60. XIX wieku, drzeworyty ukiyo-e zaczęły napływać do Europy, często jako papier pakowy wokół importowanej porcelany. Wpływ na sztukę europejską był ogromny i zyskał własną nazwę: japonizm. Płaskie pola barwne, odważne kadrowanie i nieoczekiwane perspektywy przeczyły wszystkiemu, czego uczyła akademicka tradycja malarska.
Nikt nie czerpał z twórczości Hiroshigego bardziej dosłownie niż Vincent van Gogh. Podczas pobytu w Paryżu w 1887 roku namalował olejem dwa drzeworyty z cyklu „Sto słynnych widoków Edo” – „Ogród śliwkowy w Kameido” i „Nagła ulewa nad mostem” – i napisał do brata Theo o tym, jak wiele znaczyli dla niego japońscy mistrzowie. Claude Monet również kolekcjonował dzieła Hiroshigego, a ich ślady widać w jego własnym ujęciu wody i atmosfery. Jeśli chcesz zgłębić ten temat, przygotowaliśmy osobny przewodnik po motywach van Gogha.
Nikt nie mógł przypuszczać, że strażak z Edo ukształtuje zarówno impresjonizm, jak i nowoczesne projektowanie graficzne. Właśnie dlatego drzeworyty Hiroshigego nigdy się nie starzeją: wyróżniają się wyczuciem formy, na którym wciąż opierają się współczesne plakaty graficzne. Czyste pola barwne, naturalna równowaga i kadrowanie, w którym gałąź lub filar mostu przecina obraz – wszystko to powraca w sztuce plakatowej XX i XXI wieku, od plakatów secesyjnych po dzisiejsze minimalistyczne dekoracje ścienne.
Właśnie dlatego plakat Hiroshige rzadko sprawia wrażenie muzealnego eksponatu na ścianie. Motywy wyróżniają się graficzną klarownością i równie dobrze komponują się ze skandynawskim domem, jak z wnętrzem inspirowanym Japonią. Nie musisz znać historii sztuki, by dać się im pochłonąć – oko odczytuje kompozycję w sekundę, tak jak Edobon robił to niemal dwieście lat temu.
Hiroshige na Twojej ścianie – pomieszczenie, format i kolor
Plakat inspirowany twórczością Hiroshige najlepiej sprawdzi się w miejscu, w którym ma budować nastrój, a nie przyciągać uwagę. W sypialni stonowane odcienie błękitu i zieleni sprawiają, że motyw działa kojąco przed snem – ulewa lub most pod ciężarem śniegu wyciszają w sposób, którego nie zapewniają intensywne kolory. W przedpokoju dobrze sprawdzają się pionowe motywy podróżne, bo odzwierciedlają ruch w pomieszczeniu.
Większa odbitka dobrze sprawdzi się także w salonie. Możesz powiesić jeden motyw w formacie 50x70 centymetrów nad sofą, by stał się spokojnym punktem centralnym wnętrza, albo stworzyć kompozycję z kilku mniejszych odbitek, które połączą ścianę za sofą, nie wprowadzając chaosu. Najważniejsze, by nie otaczać ich zbyt wieloma intensywnymi kolorami – nastrój prac Hiroshigego najlepiej współgra ze stonowanym otoczeniem, najlepiej z naturalnymi materiałami, takimi jak drewno, len i ceramika, które podkreślają japoński spokój. Pamiętaj też o świetle: światło dzienne padające z boku wydobywa chłodne zimowe tony, a wieczorem ciepła lampa sprawia, że ochra i rdzawe barwy jesiennych liści jeszcze głębiej lśnią na tle ściany.
Format i umiejscowienie
Oryginalne drzeworyty drukowano w pionowym formacie ōban, o wymiarach około 25 na 37 centymetrów. Pionowe proporcje są nadal widoczne w motywach, dlatego plakat w formacie 30x40 lub 50x70 centymetrów zachowuje równowagę lepiej niż szeroki format poziomy. Warto powiesić obok siebie dwie lub trzy odbitki z tej samej serii – stworzono je z myślą o oglądaniu po kolei, niczym stacji wzdłuż drogi. Jeśli chcesz połączyć je z inną sztuką japońską, dzieła Hiroshigego naturalnie komponują się z pracami z naszej kolekcji z motywami natury oraz ponadczasowymi motywami ptaków i kwiatów, o których pisaliśmy wcześniej w tekście o japońskiej sztuce drzeworytu.
Pory roku jako klucz kolorystyczny
Jedną z rzeczy, które sprawiają, że dzieła Hiroshigego tak dobrze sprawdzają się we wnętrzach, jest to, że każda odbitka przywołuje konkretną porę roku, a tym samym ma wyraźną gamę kolorystyczną. Zimowe motywy opierają się na bieli i chłodnych błękitnoszarych barwach, tworząc chłodne, medytacyjne wrażenie, które dobrze pasuje do pomieszczeń z dużą ilością światła dziennego. Jesienne liście skłaniają się ku rdzawym, ochrowym i stonowanym czerwieniom, ocieplając wnętrze w ciemniejszej części roku. Pomiędzy nimi mieszczą się letnie zielenie i przygaszone błękity nagłych ulew. Wybierając motyw według pory roku, wpływasz więc na temperaturę wnętrza równie mocno jak na jego charakter – możesz też zmieniać odbitki wraz ze zmianą pór roku, jeśli umieścisz je w prostej ramie z listwą magnetyczną.
Rama i tonacja kolorystyczna
Zachowaj prostą oprawę. Wąska rama z jasnego dębu lub czarnego drewna pozwala wybrzmieć kolorom samego motywu, a szeroki passe-partout dodaje pracy przestrzeni, zgodnie z zamysłem japońskiej pustej przestrzeni. Unikaj szerokich, ciemnych ram, które konkurują z delikatnymi liniami. Jeśli chcesz stworzyć większą galerię z dziełami znanych mistrzów, znajdziesz Hiroshigego i jego współczesnych w naszej kolekcji dzieł znanych artystów, gdzie możesz połączyć sztukę japońską z europejską, nie tworząc chaotycznej kompozycji – wspólnym mianownikiem jest jakość motywów. Jeśli ciekawi Cię równoległy świat Hokusaia, przygotowaliśmy też obszerniejszy tekst o Hokusaiu i Wielkiej fali.
Najczęściej zadawane pytania o Hiroshigego i japońską sztukę drzeworytniczą
Utagawa Hiroshige nauczył nas dostrzegać piękno w tym, co przemija – w deszczu, śniegu, promie we mgle. Dzięki wystawom w 2026 roku jego twórczość jest bardziej aktualna niż od dawna. Jeśli chcesz przenieść tę atmosferę do swojego domu, znajdziesz japońskie motywy i dzieła mistrzów w naszej kolekcji japandi oraz wśród naszych motywów natury – wybierz grafikę, która doda wnętrzu oddechu, pozwól, by otaczające je naturalne materiały wniosły ten sam spokój, i rozpocznij wędrówkę na własnej ścianie.
Więcej o wystawach w British Museum i Art Institute of Chicago.