Ekspresjonizm abstrakcyjny - historia ruchu artystycznego, Pollock, Rothko i przełom w malarstwie amerykańskim

Ekspresjonizm abstrakcyjny to kierunek artystyczny, który po II wojnie światowej przeniósł środek ciężkości sztuki nowoczesnej z Paryża do Nowego Jorku i po raz pierwszy uczynił malarstwo amerykańskie wiodącym na świecie. W latach 40. i 50. XX wieku grupa malarzy skupiona w Nowym Jorku zgromadziła się wokół nowej idei: obraz nie musiał niczego przedstawiać, aby być nasycony emocjami, dramatem i duchowością. Zamiast tego samo malowanie - gest, kolor i fizyczne działanie - miało nieść cały sens dzieła. Nazwiska takie jak Jackson Pollock, Mark Rothko i Willem de Kooning stały się symbolami sztuki, która była zarazem monumentalna i głęboko osobista.

Nurt ten zwykle dzieli się na dwa główne kierunki. Pierwszym jest malarstwo gestu, często nazywane action painting, w którym farba jest rozchlapywana, skraplana i rozprowadzana po płótnie, widocznie rejestrując ruch ciała. Drugim jest malarstwo barwnych pól, w którym wielkie, medytacyjne pola koloru unoszą się naprzeciw widza i dążą ku temu, co wzniosłe i nieskończone. Mimo różnic artystów łączyła wspólna ambicja: stworzyć nowoczesną, niemal mityczną sztukę dla epoki naznaczonej cieniem wojny i niepewnością ery atomowej. Ta strona przedstawia historię nurtu, jego najważniejsze dzieła i artystów, stojącą za nim technikę, pozostawione przez niego dziedzictwo oraz sposoby wykorzystania sztuki abstrakcyjnej we współczesnym domu.

Spis treści
↓ Czym jest ekspresjonizm abstrakcyjny?
↓ Powstanie nurtu i tło historyczne
↓ Najważniejsze dzieła i artyści
↓ Technika, styl i sygnatura artystyczna
↓ Wpływ kulturowy i dziedzictwo
↓ Ekspresjonizm abstrakcyjny w domu
↓ Oś czasu
↓ Pokrewne kierunki artystyczne
↓ Często zadawane pytania

Czym jest ekspresjonizm abstrakcyjny?

Ekspresjonizm abstrakcyjny to wspólna nazwa abstrakcyjnego malarstwa rozwijanego przez grupę amerykańskich artystów w Nowym Jorku pod koniec lat 40. i w latach 50. XX wieku. Określenia tego po raz pierwszy użył w odniesieniu do sztuki amerykańskiej krytyk Robert Coates w czasopiśmie The New Yorker w 1946 roku. Grupę artystów kojarzonych z tym nurtem często nazywa się szkołą nowojorską; należeli do niej między innymi Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Barnett Newman, Clyfford Still, Franz Kline, Arshile Gorky, Robert Motherwell i Lee Krasner.

Istotą tego nurtu jest postawienie ekspresji abstrakcyjnej przed przedstawieniem. Artyści czerpali inspirację z surrealistycznej idei, że sztuka powinna wyrastać z nieświadomości, lecz porzucili obrazy senne na rzecz czystej formy, koloru i gestu. Krytyk Harold Rosenberg ukuł pojęcie action painting w eseju „The American Action Painters” opublikowanym w czasopiśmie ARTnews w 1952 roku i opisał płótno jako arenę, na której artysta działa, zamiast przedstawiać. Równolegle Clement Greenberg sformułował obronę czystej abstrakcji i wskazał malarstwo barwnych pól jako logiczny kolejny etap rozwoju malarstwa. Museum of Modern Art w Nowym Jorku, z Alfredem Barrem i kuratorką Dorothy Miller na czele, stało się instytucją, która zdefiniowała i rozpowszechniła ten nurt na świecie.

Najważniejsze fakty: Powstanie: Nowy Jork, około 1943–1965. Terminu tego po raz pierwszy użył w odniesieniu do sztuki amerykańskiej Robert Coates w „The New Yorker” w 1946 roku. Dwa główne nurty: action painting i malarstwo barwnych pól. Nazwę action painting nadał krytyk Harold Rosenberg w 1952 roku. Najważniejsi artyści: Pollock, Rothko, de Kooning, Newman, Still, Kline, Krasner. Technika drippingu Pollocka przebiła się w 1947 roku. „Interchange” Willema de Kooninga (1955) sprzedano prywatnie za około 300 milionów dolarów w 2015 roku - to jedno z najdroższych dzieł sztuki na świecie. Moderna Museet w Sztokholmie prezentowała wystawę „Explosion! Malarstwo jako działanie” od 2 czerwca do 9 września 2012 roku.

Powstanie ruchu i jego tło historyczne

Ekspresjonizm abstrakcyjny narodził się w szczególnej sytuacji historycznej. W latach 30. wielu amerykańskich artystów utrzymywało się dzięki państwowemu programowi wsparcia w ramach New Deal, który dał całemu pokoleniu możliwość pracy mimo kryzysu gospodarczego wywołanego wielkim kryzysem. Gdy wybuchła II wojna światowa, do Nowego Jorku uciekło ponadto wielu europejskich modernistów, wśród nich surrealiści André Breton i Max Ernst. Spotkanie amerykańskich doświadczeń z europejską tradycją awangardową okazało się decydujące. Nowy Jork stopniowo przejął rolę stolicy sztuki, którą wcześniej pełnił Paryż.

Od surrealizmu do abstrakcji

Młodzi nowojorscy malarze fascynowali się automatyzmem surrealistów - ideą pozwalającą dłoni poruszać się swobodnie, bez świadomej kontroli, aby dotrzeć do podświadomości. Arshile Gorky stał się pomostem między europejskim surrealizmem a nową amerykańską abstrakcją dzięki swoim płynnym, biomorficznym formom. Pollock, Rothko i pozostali poszli o krok dalej, całkowicie porzucając rozpoznawalne motywy. Pozostała sztuka, w której sam proces twórczy stał się tematem, a osobisty wyraz ważył więcej niż jakiekolwiek zasady kompozycji i perspektywy.

Wielu artystów czerpało również inspirację z mitów, pradawnych symboli i zbiorowej nieświadomości, pod wpływem idei psychologa Carla Junga. Na początku lat 40. Rothko i Gottlieb malowali dzieła o tytułach nawiązujących do mitologii greckiej, zanim stopniowo abstrahowali od wszelkich elementów figuratywnych. Ich ambicją było dotarcie do uniwersalnego, ponadczasowego świata obrazów, który przemawiałby bezpośrednio do najgłębszego wnętrza widza, ponad podziałami narodowymi, epokami i językami. To dążenie do tego, co ogólnoludzkie, odróżnia ekspresjonizm abstrakcyjny od czysto formalistycznej abstrakcji i wyjaśnia, dlaczego dzieła te często odbierane są jako pełne powagi i duchowości.

Zimna wojna i amerykański prestiż

Przełom tego nurtu zbiegł się z zimną wojną, a sztuka zyskała nieoczekiwany wymiar polityczny. Wolne, indywidualistyczne malarstwo amerykańskie przedstawiano jako przeciwwagę dla sterowanego przez państwo socrealizmu w Związku Radzieckim. Museum of Modern Art przyczyniło się do rozpowszechnienia tego nurtu dzięki międzynarodowym wystawom objazdowym w latach 50., a ekspresjonizm abstrakcyjny stał się kulturalną wizytówką powojennych Stanów Zjednoczonych. Fakt, że wcześniej prowincjonalna amerykańska scena artystyczna wyznaczała teraz kierunek malarstwu całego świata zachodniego, był historycznym punktem zwrotnym, który ugruntował się pod koniec dekady.

Najważniejsze dzieła i artyści

Ekspresjonizm abstrakcyjny obejmuje wiele bardzo różnych twórczości, ale niektóre dzieła i nazwiska stały się obliczem tego nurtu. Razem pokazują, jak szeroki był jego zakres – od wybuchowych płócien Pollocka po spokojne pola barwne Rothki. Wspólną cechą najwybitniejszych dzieł jest to, że rzadko można je odbierać w reprodukcji w taki sam sposób jak w rzeczywistości: rozmiar, powierzchnia i głębia koloru są częścią doświadczenia. Dlatego też często opisuje się je jako sztukę, przed którą trzeba stanąć, a nie tylko oglądać ją z dystansu.

Jackson Pollock i malarstwo drippingowe

Jackson Pollock jest najbardziej ikonicznym nazwiskiem tego nurtu. Przełom nastąpił w 1947 roku, gdy położył płótno na podłodze i zaczął z każdej strony kapać, wylewać i rozpryskiwać na nie przemysłową farbę. Rezultatem były gęste sploty linii bez centrum, w których oko nigdy nie może spocząć w jednym miejscu. „Autumn Rhythm (Number 30)” z 1950 roku uznaje się za jedno z jego najwybitniejszych dzieł; obecnie znajduje się ono w zbiorach Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Żona Pollocka, artystka Lee Krasner, odegrała kluczową rolę w kształtowaniu jego twórczości po tym, jak para pobrała się w 1945 roku i przeprowadziła do Springs na Long Island. Krytyk Clement Greenberg wcześnie okrzyknął Pollocka największym malarzem, jakiego wydał ten kraj.

Największe płótna Pollocka mają kilka metrów szerokości i powstały w przebudowanej stodole w Springs, gdzie mógł swobodnie poruszać się wokół materiału. Mimo spontanicznego wrażenia praca była starannie kontrolowana; Pollock sam mówił, że potrafił kierować przepływem farby i zaprzeczać przypadkowi. Jego kariera była krótka, lecz intensywna, a on sam zginął w wypadku samochodowym w 1956 roku, mając zaledwie 44 lata, co przyczyniło się do ugruntowania mitu amerykańskiego artysty jako niespokojnej, romantycznej postaci.

„Kiedy jestem pogrążony w malowaniu, nie jestem świadomy tego, co robię. Obraz ma własne życie. Staram się pozwolić mu się ujawnić”. – Jackson Pollock

Mark Rothko i cisza pól barwnych

Tam, gdzie Pollock był eksplozywny, Mark Rothko pozostawał medytacyjny. Jego dojrzałe dzieła składają się z dwóch lub trzech prostokątów koloru o miękkich krawędziach, unoszących się jeden nad drugim na dużym płótnie. Rothko chciał, aby widz stał blisko dzieł i niemal dał się przez nie otoczyć; mówił o malowaniu podstawowych ludzkich uczuć, takich jak tragizm, ekstaza i zagłada. Malarstwo barwnych pól, które rozwijał wspólnie z Barnettem Newmanem i Clyffordem Stillem, poszukiwało wzniosłości i nieskończoności, a nie gestu. Rynek potwierdził później jego pozycję: dzieło „Orange, Red, Yellow” (1961) sprzedano w domu aukcyjnym Christie's za 86,9 miliona dolarów w 2012 roku. Więcej możesz przeczytać na naszej stronie poświęconej Markowi Rothko i malarstwu barwnych pól: Mark Rothko i malarstwo barwnych pól.

Willem de Kooning, Newman i Kline

Willem de Kooning łączył abstrakcję ze śladami ludzkiej postaci, najwyraźniej w swojej budzącej kontrowersje serii „Woman” z początku lat 50. XX wieku. Jego malarstwo zawsze zachowywało fizyczny, niemal brutalny sposób prowadzenia pędzla. Pozycja de Kooninga na rynku sztuki jest oszałamiająca: obraz „Interchange” (1955) zmienił właściciela w prywatnej sprzedaży w 2015 roku za około 300 milionów dolarów, stając się wówczas jednym z najdroższych obrazów, jakie kiedykolwiek sprzedano. Barnett Newman wniósł swój „zip” - wąski, pionowy pas koloru, który dzieli wielkie pole i tworzy przestrzeń. Franz Kline zredukował natomiast swój język form do potężnych czarnych pociągnięć pędzla na białym tle, które powiększały kaligraficzne gesty. Razem pokazują, jak szeroki zakres obejmował ten ruch w ramach czystej abstrakcji.

Technika, styl i artystyczny podpis

Tym, co łączy ekspresjonizm abstrakcyjny, nie jest wspólny wygląd, lecz wspólna postawa: malarstwo ma być bezpośrednim, niczym niepośredniczonym działaniem. Mimo to można wyróżnić wyraźne cechy techniczne, które odróżniają od siebie dwie gałęzie tego ruchu. Powtarzającym się zabiegiem jest bardzo duże płótno, dzięki któremu dzieło otacza widza, zamiast wisieć na ścianie jak okno. Innym jest tak zwana kompozycja allover, w której powierzchnia obrazu jest traktowana równomiernie od krawędzi do krawędzi, bez wyraźnego centrum czy hierarchii. Wielu artystów porzuciło ponadto sztalugi i pracowało bezpośrednio na podłodze lub ścianie, zacierając granicę między malarstwem a fizycznym działaniem.

Malarstwo gestu i widoczny gest

W malarstwie gestu sam ruch fizyczny jest dziełem. Pollock pracował wokół leżącego na podłodze płótna i pozwalał, by farba spadała kroplami i tworzyła nitki, dzięki czemu całe ciało stawało się narzędziem malarskim. Franz Kline i wczesny de Kooning pracowali natomiast szerokimi, szybkimi pociągnięciami pędzla, w których każdy ruch pozostawał widoczny w ukończonym dziele. Wspólne jest to, że proces nigdy nie zostaje ukryty - widz dokładnie widzi, jak farba znalazła się w danym miejscu, i niemal może po fakcie prześledzić ruch ramienia artysty. Często ogromne rozmiary płócien wzmacniały wrażenie, że obcuje się raczej z działaniem niż z obrazem.

Malarstwo barwnych pól i wzniosłość

Malarstwo barwnych pól jest przeciwieństwem gestu. Pociągnięcia pędzla są tu celowo zacierane na rzecz wielkich, równych płaszczyzn, na których sama barwa staje się motywem. Rothko budował swoje powierzchnie z cienkich, półprzezroczystych warstw, dzięki czemu kolor zdaje się świecić od wewnątrz. Barnett Newman pozwalał, by pojedynczy pionowy pas przecinał jednobarwną płaszczyznę, podczas gdy Clyfford Still rozrywał swoje powierzchnie na poszarpane, przypominające mapy fragmenty. Rothko rzadko pokrywał swoje dzieła lakierem i unikał błyszczących powierzchni, właśnie po to, by kolor mógł oddychać i zdawać się wydobywać z wnętrza płótna, a nie leżeć na jego powierzchni. Nie chodziło o dramatyzm w sposobie prowadzenia pędzla, lecz o ciche, niemal pełne czci doświadczenie. Również tutaj rozmiar odgrywał decydującą rolę: pola miały być tak duże, by otaczały widza i tworzyły przestrzeń, do której można wejść.

Wpływ kulturowy i dziedzictwo

Ekspresjonizm abstrakcyjny zmienił nie tylko malarstwo, lecz także całe spojrzenie na to, czym może być sztuka. Czyniąc z samego działania i materiału treść dzieła, nurt ten utorował drogę wielu późniejszym kierunkom i na stałe przesunął środek ciężkości świata sztuki za Atlantyk. Idea, że osobisty gest artysty może stanowić całą treść dzieła, stała się siłą wyzwalającą dla kolejnych pokoleń, a przekonanie, że rozmiar i obecność same w sobie są środkami wyrazu, pozostaje żywe w sztuce współczesnej. Artyści tego nurtu pokazali również, że abstrakcyjny obraz może nieść tyle samo powagi i emocji co najbardziej dramatyczne malarstwo historyczne.

Droga do minimalizmu i późniejszej sztuki

Już w latach 60. młodsze pokolenie zaczęło reagować przeciwko gwałtownej, osobistej ekspresji. Wielkie, czyste płaszczyzny malarstwa barwnych pól wskazywały jednak bezpośrednio drogę ku minimalizmowi, który posunął redukcję jeszcze dalej. Jednocześnie idea action painting, czyli sztuki jako procesu, inspirowała pierwsze happeningi i sztukę performance. Krytyka podniosłego malarstwa abstrakcyjnego obecna także w pop-arcie była bezpośrednią reakcją na dominację ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Możesz prześledzić ten wątek dalej na naszej stronie o minimalizmie.

Nurt w krajach nordyckich i Szwecji

Ekspresjonizm abstrakcyjny dotarł również do krajów nordyckich. W Szwecji istnieje wyraźny związek z Moderna Museet w Sztokholmie, które w 2012 roku zaprezentowało głośną wystawę „Explosion! Malarstwo jako działanie” z udziałem około pięćdziesięciu artystów, w tym Jacksona Pollocka i japońskiej grupy Gutai. Muzeum posiada ponadto dzieła szwedzkiej ekspresjonistki abstrakcyjnej Britty Ringvall, co łączy ten nurt ze szwedzką historią sztuki. Gestyczne, spontaniczne malarstwo znalazło również szwedzkich kontynuatorów w ramach tego, co czasem nazywa się sztuką informel, a idee tego nurtu do dziś wpływają na sposób postrzegania sztuki abstrakcyjnej w skandynawskich kolekcjach i domach.

Związek z Północą można również zrozumieć poprzez skandynawskie zamiłowanie do czystości, światła i oszczędnej formy. Stonowane, medytacyjne powierzchnie malarstwa barwnych pól dobrze współgrają z dążeniem nordyckiej estetyki do spokoju i równowagi, co może wyjaśniać, dlaczego właśnie twórczość Rothki tak przypadła do gustu w szwedzkich domach. Współczesna szwedzka scena artystyczna nadal rozwija abstrakcyjne dziedzictwo, a nacisk tego nurtu na materiał i gest można rozpoznać w wielu dziełach malarskich prezentowanych dziś w galeriach i muzeach w całym kraju.

Ekspresjonizm abstrakcyjny w domu

Niewiele kierunków w sztuce pasuje do ściany w nowoczesnym domu tak dobrze jak ekspresjonizm abstrakcyjny. Właśnie dlatego, że dzieła nie przedstawiają niczego konkretnego, sprawdzają się we wnętrzach o różnych stylach, a jeden duży abstrakcyjny obraz może nadać całemu pomieszczeniu wyraźny artystyczny charakter. Plakat inspirowany malarstwem barwnych pól, ze spokojnymi płaszczyznami w stonowanych odcieniach, tworzy kojące wrażenie w sypialni i salonie, podczas gdy bardziej gestyczny motyw z widocznymi pociągnięciami pędzla dodaje energii przedpokojowi lub gabinetowi.

Ważną zaletą sztuki abstrakcyjnej jest to, że pozwala odpocząć oczom i dać myślom swobodnie płynąć. W przeciwieństwie do wyraźnie figuratywnego motywu dzieło abstrakcyjne nie narzuca odbiorcy jednej, określonej historii, lecz zachęca do własnych interpretacji, które z czasem mogą się zmieniać. Dzięki temu twórczość tego nurtu szczególnie dobrze sprawdza się w pomieszczeniach, w których spędzamy dużo czasu, takich jak salon czy sypialnia. Stonowana kompozycja w szarościach, ochrze i głębokiej czerwieni zapewnia ponadczasową elegancję, podczas gdy dzieło o wyrazistych, nasyconych barwach może stać się detalem, który ożywi wnętrze urządzone w neutralnych kolorach. Warto połączyć je z naturalnymi materiałami, takimi jak drewno, len i ceramika, aby zrównoważyć abstrakcyjny charakter czymś bliskim naturze i przyjemnym w dotyku.

Pomyśl o skali. Ekspresjonizm abstrakcyjny opierał się na wielkości i ta sama zasada obowiązuje w domu: duży plakat w formacie 50x70 lub 70x100 centymetrów lepiej oddaje charakter dzieła niż kilka małych motywów. Jeśli chcesz pracować z kolorem, możesz wybrać jeden z odcieni dzieła i pozwolić, by tekstylia lub detale nawiązywały do tej barwy. U nas znajdziesz duży wybór abstrakcyjnych plakatów, kolorowe motywy w naszej kolekcji färgbomb oraz spokojniejsze kompozycje wśród naszych minimalistycznych plakatów. Dla osób, które chcą wyraźnie nawiązać do tego nurtu, mamy również specjalną kolekcję z motywami Marka Rothki.

Wskazówka: Zawieś duży abstrakcyjny plakat samotnie na pustej ścianie, zamiast tłoczyć go w galerii obrazów. Dzieła tego nurtu zostały stworzone, by otaczać odbiorcę, i najlepiej prezentują się z dużą ilością wolnej przestrzeni wokół. Wybierz prostą drewnianą ramę dębową lub wąską czarną ramę, aby kolor i gest mogły przemawiać same za siebie.

Jeśli chcesz dowiedzieć się więcej o tym, jak abstrakcyjna sztuka prezentuje się na ścianie, przeczytaj nasz przewodnik po abstrakcyjnych plakatach, nasz przewodnik po minimalistycznych plakatach oraz nasz tekst o sztuce na ścianie.

Oś czasu

Abstrakcyjny ekspresjonizm rozwijał się przez około dwie dekady. Ta chronologia przedstawia najważniejsze punkty - od korzeni nurtu po jego późniejsze następstwa.

1935-1943: Amerykańscy artyści utrzymują się dzięki programom artystycznym New Deal, a europejscy surrealiści uciekają do Nowego Jorku podczas wojny. Kładzione są fundamenty nowej amerykańskiej abstrakcji.
1943: Arshile Gorky rozwija swój biomorficzny, półabstrakcyjny język form i staje się pomostem między europejskim surrealizmem a amerykańską abstrakcją.
1946: Krytyk Robert Coates używa określenia abstrakcyjny ekspresjonizm w odniesieniu do amerykańskiej sztuki w „The New Yorker”.
1947: Jackson Pollock zdobywa rozgłos dzięki technice kapania i wylewania farby, malując na płótnie rozłożonym na podłodze.
1950: Pollock maluje „Autumn Rhythm (Number 30)”, które dziś znajduje się w Metropolitan Museum of Art.
1952: Harold Rosenberg ukuwa termin action painting w czasopiśmie ARTnews.
1955: Willem de Kooning maluje „Interchange”, które w 2015 roku zostaje prywatnie sprzedane za około 300 milionów dolarów.
1958-1959: Museum of Modern Art rozpowszechnia ten nurt dzięki międzynarodowym wystawom objazdowym w okresie zimnej wojny.
Lata 60.: Minimalizm i pop-art reagują przeciwko temu nurtowi, podczas gdy malarstwo barwnych pól nadal się rozwija.
2012: Moderna Museet w Sztokholmie prezentuje „Explosion! Malarstwo jako działanie” z dziełami Pollocka i grupy Gutai.

Powiązane kierunki artystyczne

Ekspresjonizm abstrakcyjny pozostaje w ścisłym dialogu z kilkoma innymi kierunkami. Ruch ten wyrósł z wczesnej sztuki abstrakcyjnej, której pionierzy, Wassily Kandinsky i Hilma af Klint, już dziesięciolecia wcześniej wyzwolili malarstwo z obowiązku przedstawiania motywów. Dowiedz się więcej o Wassilym Kandinskim i Hilma af Klint, uznawanej za jedną z prawdziwych prekursorek abstrakcji. Osobne pogłębione omówienie najsłynniejszej postaci tego kierunku znajdziesz na stronie poświęconej Jacksonowi Pollockowi i malarstwu drippingowemu. Równoległym europejskim głosem w tych samych powojennych latach był ruch Cobra - duńsko-belgijsko-holenderska grupa, która w latach 1948-1951 rozwijała równie spontaniczne i gestyczne malarstwo co jej amerykańscy współcześni.

Metoda tego kierunku rozwijała idee surrealizmu dotyczące nieświadomości, a jego wielkie, czyste płaszczyzny barw wskazywały drogę ku minimalizmowi. Kompleksowy przegląd wszystkich kierunków artystycznych i artystów znajdziesz w naszej Bazie wiedzy, gdzie ekspresjonizm abstrakcyjny zostaje przedstawiony w szerszym kontekście. Aby głębiej zrozumieć kontekst historyczny, możesz również sięgnąć do artykułu Wikipedii o ekspresjonizmie abstrakcyjnym oraz eseju Metropolitan Museum of Art o tym kierunku.

Najczęściej zadawane pytania dotyczące ekspresjonizmu abstrakcyjnego

Chcesz przenieść do domu energię ruchu? Odkryj całą naszą kolekcję abstrakcyjnych plakatów i znajdź motyw, który nada Twojej ścianie tę samą energię i spokój, do których niegdyś dążyli mistrzowie.