Amedeo Modigliani – portrety, długie szyje i Montparnasse
Amedeo Modigliani malował twarze, których nikt nie przeoczy: długie szyje, owalne głowy, migdałowe oczy bez źrenic oraz postawę jednocześnie bezbronną i królewską. Jego sztuka jest dziś jedną z najczęściej reprodukowanych na świecie, a plakat z portretem Modiglianiego można rozpoznać z odległości kilku metrów nawet wtedy, gdy nigdy wcześniej nie słyszało się jego nazwiska. Mimo to za życia niemal niczego nie sprzedawał. Zmarł w wieku trzydziestu pięciu lat w paryskim szpitalu charytatywnym, bez pieniędzy, a jego jedyną wystawę indywidualną policja zamknęła po kilku godzinach.
Urodził się w Livorno 12 lipca 1884 roku, a zmarł w Paryżu 24 stycznia 1920 roku. Pomiędzy tymi datami przypada czternaście lat spędzonych w Montparnasse - okres skupiony wokół rzeźby, portretów i garstki aktów, które sto lat później osiągają ceny, do jakich niewiele dzieł w historii sztuki kiedykolwiek dorasta. Ta strona przedstawia jego życie, najważniejsze dzieła, technikę, dzięki której jego postacie są natychmiast rozpoznawalne, jego miejsce w szwedzkim i nordyckim świecie muzeów - oraz to, jak jego świat obrazów faktycznie sprawdza się na ścianie szwedzkiego domu.
Spis treści
↓ Z czego znany jest Modigliani?
↓ Z Livorno do Montparnasse - życie trwające trzydzieści pięć lat
↓ Najważniejsze dzieła Modiglianiego
↓ Technika, forma i sygnatura artystyczna
↓ Skandal, falsyfikaty i dziedzictwo
↓ Modigliani w Szwecji i krajach nordyckich
↓ Modigliani na ścianie - praktyczny przewodnik po aranżacji wnętrz
↓ Oś czasu życia Modiglianiego
↓ Powiązani artyści i kierunki
↓ Często zadawane pytania o Modiglianim
Z czego znany jest Modigliani?
Amedeo Modigliani jest znany z trzech rzeczy: portretów z wydłużonymi szyjami i pustymi migdałowymi oczami, leżących aktów z lat 1916-1917 oraz tego, że długo po śmierci stał się jednym z absolutnie najważniejszych nazwisk na rynku aukcyjnym. 9 listopada 2015 roku obraz Nu couché z lat 1917-1918 został sprzedany w domu Christie's w Nowym Jorku za 170 405 000 dolarów z prowizją. Wówczas była to druga najwyższa cena, jaką kiedykolwiek zapłacono za dzieło sztuki na aukcji, ustępująca jedynie obrazowi Picassa Les femmes d'Alger, sprzedanemu za 179 milionów dolarów w maju tego samego roku. Obraz znajdował się w tej samej prywatnej kolekcji przez około sześćdziesiąt lat.
Był w równym stopniu rzeźbiarzem co malarzem. Między około 1909 a 1914 rokiem niemal całkowicie porzucił malarstwo na rzecz bezpośredniego kucia w kamieniu, a na Salon d'Automne w Paryżu w 1912 roku wystawił grupę dwunastu kamiennych głów - smukłych, kolumnowych twarzy, w których nos biegnie jak prosta krawędź przez całą formę. To właśnie pył kamienny ostatecznie zmusił go do powrotu do płótna: jego płuca go nie tolerowały.
Trzecią rzeczą, z której jest znany, jest biografia. Modigliani jest artystą, któremu bardziej niż komukolwiek innemu przypadła rola tragicznego geniusza Montparnasse'u, a ten wizerunek zarówno pomógł, jak i zaszkodził odbiorowi jego sztuki. Jeśli chcesz zobaczyć, jak jego pokolenie ma się do historii sztuki w ogólnym ujęciu, znajdziesz przegląd w naszym omówieniu modernizmu jako epoki
Najważniejsze informacje: Amedeo Clemente Modigliani, urodzony 12 lipca 1884 roku w Livorno w Toskanii, zmarł 24 stycznia 1920 roku w Paryżu, w wieku 35 lat. Włoski malarz i rzeźbiarz, działający w Paryżu od 1906 roku. Dorastał w sefardyjskiej rodzinie żydowskich kupców. W 1912 roku wystawił dwanaście kamiennych głów na Salonie Jesiennym. Za życia miał tylko jedną wystawę indywidualną, u Berthe Weill w grudniu 1917 roku - zamkniętą przez policję. Pozostawił około 350 obrazów i nieco ponad dwadzieścia rzeźb. Rekord aukcyjny: 170,4 miliona dolarów za Nu couché, Christie's New York, 9 listopada 2015 roku. Pochowany na cmentarzu Père Lachaise w Paryżu. Modigliani urodził się w sefardyjskiej rodzinie żydowskiej w portowym mieście Livorno, jednym z niewielu włoskich miast, w których Żydzi nigdy nie byli zmuszani do mieszkania w getcie. Ojciec był kupcem i zbankrutował mniej więcej w tym samym czasie, gdy urodził się jego syn; matka Eugénia Garsin utrzymywała rodzinę na powierzchni, prowadząc szkołę i tłumacząc. Prowadziła także dziennik dotyczący zdrowia syna i to dzięki jej zapiskom wiemy, że w wieku jedenastu lat zachorował na zapalenie opłucnej, a w wieku czternastu lat na tyfus. Choroby na stałe przerwały jego edukację i w 1898 roku zamiast tego rozpoczął naukę malarstwa u miejscowego malarza Guglielma Micheliego. W 1902 roku zapisał się do Scuola Libera di Nudo we Florencji, a rok później przeniósł się do Wenecji, gdzie pozostał do zimy 1906 roku. To właśnie w Wenecji po raz pierwszy z bliska zobaczył włoskich prymitywistów i sztukę ikon bizantyjskich - wrażenie, które miało pozostać widoczne w każdym wydłużonym owalu twarzy, jaki później namalował. W styczniu 1906 roku przeniósł się do Paryża, mając dwadzieścia jeden lat i utrzymując się dzięki finansowaniu matki. Pierwsze lata mieszkał na Montmartre, na obrzeżach kręgu skupionego wokół Picassa w Bateau-Lavoir. W 1908 roku pokazał sześć prac na Salonie Niezależnych, nie wzbudzając żadnego zainteresowania. Przełom nastąpił w 1909 roku, gdy poznał rumuńskiego rzeźbiarza Constantina Brâncușiego. Brâncuși przekonał go, że rzeźba jest właściwym powołaniem, a formę należy wykuwać bezpośrednio w materiale, a nie modelować w glinie i odlewać. Modigliani przeniósł się na Montparnasse, zdobył wapień - częściowo z miejskich placów budowy - i przez pięć lat zajmował się niemal wyłącznie głowami i kariatydami. Gdy w 1914 roku wybuchła I wojna światowa, Modigliani próbował zaciągnąć się do wojska, lecz odrzucono go z powodu choroby płuc. W tym samym roku porzucił rzeźbę. Od 1916 roku jego przedstawicielem był polski poeta i marszand Léopold Zborowski, który wypłacał mu skromną dzienną stawkę, wynajmował dla niego pracownię i zapewniał mu modeli. To Zborowski zamówił serię aktów, a w 1918 roku wysłał Modiglianiego na południe, do Nicei, razem z Jeanne Hébuterne - częściowo po to, by poprawił zdrowie, a częściowo dlatego, że przebywali tam zamożni kolekcjonerzy uciekający przed wojną. W ciągu nieco ponad roku spędzonego na Lazurowym Wybrzeżu namalował między innymi swoje jedyne znane pejzaże - kilka płócien, które odbiegają od wszystkiego innego w jego dorobku. Modigliani poznał studentkę sztuki Jeanne Hébuterne w 1917 roku. Miała dziewiętnaście lat, on trzydzieści dwa. Ich córka Jeanne urodziła się w Nicei w listopadzie 1918 roku. Portretował Hébuterne ponad dwadzieścia razy i niemal zawsze podkreślał jej ciężkie rudo-brązowe włosy oraz niebieskie oczy; obrazy te należą do jego najbardziej znanych. 24 stycznia 1920 roku zmarł na gruźlicze zapalenie opon mózgowych w Hôpital de la Charité w Paryżu. Hébuterne była wtedy w ósmym miesiącu ciąży. Dwa dni później odebrała sobie życie, wyskakując z okna rodzinnego mieszkania. Początkowo pochowano ją na cmentarzu w Bagneux, a dopiero w 1930 roku jej rodzina zgodziła się przenieść ją do grobu Modiglianiego na Père-Lachaise. "Kiedy poznam twoją duszę, namaluję twoje oczy." – Amedeo Modigliani, według często przytaczanej odpowiedzi udzielonej modelce, która zapytała, dlaczego pozostawił jej oczy puste Dorobek Modiglianiego jest niewielki i skoncentrowany. Badacze szacują, że obejmuje około 350 obrazów o pewnej atrybucji, nieco ponad dwadzieścia zachowanych rzeźb i kilka tysięcy rysunków, a wszystko to powstało w ciągu niespełna piętnastu lat. Niemal wszystko przedstawia postacie: portrety, półpostacie i akty. Nigdy nie malował scen religijnych ani malarstwa historycznego, a pejzaże można policzyć na palcach jednej ręki. Seria Têtes jest najbardziej radykalnym dziełem Modiglianiego. Głowy wyrzeźbiono w wapieniu, zwykle mają od 40 do 70 centymetrów wysokości, z grzbietem nosa wysuniętym niczym kolumna i ustami zredukowanymi do kreski. Język form został złożony jednocześnie z kilku źródeł: afrykańskich masek, które oglądał u Paula Guillaume’a i w zbiorach Trocadéro, cykladzkiej rzeźby marmurowej z brązowej epoki Grecji, khmerskich głów z Angkoru oraz egipskiej sztuki sepulkralnej z Luwru. Na Salonie Jesiennym w 1912 roku pokazano dwanaście z nich razem, ustawionych jako grupa i, według relacji współczesnych, oświetlonych światłem - sam opisywał je jako kompozycję świątynną. Czternaście lat później ten sam język form powrócił niemal w każdej twarzy, którą namalował. W ciągu nieco ponad roku Modigliani namalował na zamówienie Zborowskiego od trzydziestu do trzydziestu pięciu leżących i siedzących aktów. Zrywają one z całą tradycją akademicką: kobiety nie są mitologicznymi postaciami, patrzą prosto na widza, ciało wypełnia płótno od krawędzi do krawędzi, a owłosienie ciała jest widoczne. Nu couché z lat 1917-1918, obraz sprzedany w 2015 roku za 170,4 miliona dolarów, ma wymiary 60 na 92 centymetry. Największy w serii, Nu couché (sur le côté gauche) z 1917 roku, ma około 89 na 146 centymetrów i został sprzedany w domu aukcyjnym Sotheby's w Nowym Jorku w maju 2018 roku za 157,2 miliona dolarów. Od 1917 roku aż do śmierci Modigliani sportretował swoją partnerkę co najmniej dwadzieścia pięć razy. Obrazy podążają za określonym wzorem: szyja zostaje wydłużona, głowa lekko przechylona na bok, ramiona opadają, a tło ogranicza się do kilku pól barwnych. Jeanne Hébuterne z 1919 roku, znajdująca się w zbiorach Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, jest najczęściej przytaczanym przykładem. Na kilku z nich oczy są całkowicie puste - wypełnione jednym niebieskoszarym odcieniem, bez tęczówki i źrenicy - podczas gdy na innych spojrzenie jest w pełni namalowane. Różnica wydaje się zamierzona i jest jednym z najczęściej dyskutowanych szczegółów jego twórczości. Modigliani sportretował niemal całe swoje otoczenie, a obrazy te są dziś galerią Montparnasse'u około 1915 roku. Malował Chaïma Soutine'a, Diega Riverę, Juana Grisa, Maxa Jacoba, Jeana Cocteau oraz swojego marszanda Léopolda Zborowskiego, często po kilka razy. Portret Cocteau z 1916 roku zupełnie nie spodobał się modelowi, który pozwolił, by obraz pozostał w pracowni. Ta grupa pokazuje również, jak szybko pracował Modigliani: według własnej relacji Cocteau pozował tylko raz. Więcej motywów portretowych z historii sztuki zebraliśmy wśród naszych klasycznych motywów sztuki. To, co sprawia, że dzieło Modiglianiego można natychmiast rozpoznać, nie jest techniką, lecz zestawem konsekwentnych deformacji. Tate poddała kilka studiów aktów badaniom rentgenowskim i reflektografii w podczerwieni, a analizy wykazały, że malował szybko, cienkimi warstwami i z niewielką liczbą zmian pod powierzchnią - kompozycja była ustalona od samego początku. Zgadza się to z jego sposobem pracy: rysował bez przerwy, często w kawiarniach, i przenosił na płótno wcześniej przemyślaną formę. Szyje, twarze, dłonie i górne partie ciała są wydłużone, zazwyczaj o dwadzieścia do czterdziestu procent w porównaniu z naturalnymi proporcjami. Wydłużenie nie jest stylizacją wymyśloną przez niego przy sztaludze, lecz bezpośrednim przeniesieniem formy kamiennych głów: kolumnowy kształt, który wykuwał w wapieniu w latach 1911-1913, po 1914 roku stał się środkiem malarskim. W rezultacie powstają postacie, które wydają się wyższe, niż właściwie pozwala na to płótno, co częściowo wyjaśnia, dlaczego motywy tak dobrze sprawdzają się w pionowym formacie plakatowym. Najbardziej komentowanym szczegółem w portretach Modiglianiego są niewidzące oczy. Być może w jednej trzeciej portretów gałki oczne wypełnia jeden ton, najczęściej niebieskoszary lub zielonkawy. Zabieg ten wywodzi się z rzeźby antycznej i bizantyjskiej, w której oko jest zaznaczone, ale nie zindywidualizowane, i nadaje twarzom raczej skupioną do wewnątrz obecność niż pustkę. Na portretach osób, z którymi był blisko, często stosował zmienny schemat: jedno oko malował, drugie pozostawiał puste. Paleta jest ciepła i ograniczona – obejmuje odcienie rdzawoczerwone, ochrę, umbry, przygaszony błękit i żółtawą biel. Kontur jest zawsze obecny: ciemna, wyrazista linia spajająca figurę, którą nakładał pędzlem, zamiast pozwalać, by plamy barw stykały się ze sobą. Tła są zredukowane do dwóch lub trzech planów, czasem z sugestią oparcia krzesła lub framugi drzwi, i całkowicie pozbawione perspektywy głębi. To właśnie płaskie tło sprawia, że jego portrety można zawiesić niemal w każdym wnętrzu, nie wchodząc w konflikt z otaczającą je przestrzenią – cecha, którą dzielą z minimalistycznymi motywami w naszym asortymencie. Pośmiertny wizerunek Modiglianiego ukształtowały dwa wydarzenia, z których oba dotyczą raczej tego, jak odbiera się sztukę, niż tego, jak się ją tworzy. Pierwsze wydarzyło się za jego życia, drugie sześćdziesiąt cztery lata po jego śmierci. 3 grudnia 1917 roku Modigliani otworzył u marszandki Berthe Weill przy 50 Rue Taitbout w Paryżu swoją pierwszą i jedyną za życia wystawę indywidualną. Weill umieściła dwie studia aktów w witrynie wychodzącej na ulicę. Policja z komisariatu naprzeciwko zażądała ich zdjęcia, powołując się na przepisy dotyczące przyzwoitości; gdy Weill odmówiła, zabrano ją i tego samego dnia zamknięto wystawę. Mimo rozgłosu sprzedano zaledwie dwa rysunki, po trzydzieści franków każdy. Berthe Weill prowadziła galerię przez ponad trzydzieści lat i jako pierwsza sprzedawała we Francji obrazy Picassa, ale zmarła w biedzie w 1951 roku. Latem 1984 roku Livorno obchodziło setną rocznicę urodzin Modiglianiego. Odpowiedzialna za wystawę Vera Durbé poleciła przeszukać miejski kanał Fosso Reale w poszukiwaniu kamiennych głów, które według uporczywie powtarzanej legendy Modigliani miał wrzucić do wody w 1909 roku. Po tygodniu poszukiwań wydobyto trzy rzeźby. Kilku czołowych włoskich krytyków natychmiast uznało je za autentyczne. Wkrótce potem trzej studenci sztuki wystąpili w telewizji i pokazali, jak wykonali jedną z głów za pomocą wiertarki Black & Decker i dłuta; dwie pozostałe stworzył miejscowy artysta Angelo Froglia. Historyk sztuki Federico Zeri już wcześniej odrzucił je jako niedojrzałe. Historia stała się jednym z najsłynniejszych oszustw artystycznych XX wieku i ilustruje realny problem: Modigliani należy do najczęściej fałszowanych artystów na świecie, a spory o atrybucję wciąż trwają. Mimo to dziedzictwo artysty pozostaje trwałe. Jego język formy wpłynął między innymi na Chaïma Soutine'a i Jules'a Pascina, a wydłużona figura stała się jednym z najczęściej zapożyczanych motywów wizualnych XX wieku, zarówno w malarstwie, jak i w projektowaniu graficznym. Jego krąg artystyczny częściowo pokrywał się z kubistami, choć on sam nigdy do nich nie dołączył – stanowisko to staje się wyraźniejsze, gdy przeczyta się o kubizmie jako ruchu oraz o Pablo Picassie, z którym przyjaźnił się przez piętnaście lat. Modigliani jest skromnie reprezentowany w nordyckich kolekcjach publicznych, co czyni pojedyncze dzieła tym bardziej interesującymi. W Szwecji znajduje się obraz Femme assise à la robe bleue, datowany na lata 1917–1919, podarowany Muzeum Narodowemu w 1951 roku przez göteborskiego kolekcjonera Oscara Sterna, a następnie przekazany do kolekcji Moderna Museet, gdy w 1998 roku podzielono zakresy odpowiedzialności muzeów. Dzieło figuruje pod numerem 55 w katalogu kolekcji francuskiej sztuki współczesnej Oscara Sterna, wydanym przez Muzeum Sztuki w Göteborgu w 1944 roku. Największa nordycka prezentacja twórczości artysty odbyła się w Helsinkach. 28 października 2016 roku Muzeum Sztuki Ateneum otworzyło retrospektywę obejmującą łącznie 83 obrazy, rzeźby i prace na papierze, uzupełnioną dziełami przyjaciół, takich jak Picasso i Brâncuși, aby ukazać środowisko Montparnasse'u. Była to pierwsza kompleksowa wystawa Modiglianiego pokazana w krajach nordyckich. Zainteresowanie międzynarodowe trwa nadal: od 16 października 2025 do 25 stycznia 2026 Palazzo Zabarella w Padwie prezentuje wystawę Modigliani, Picasso e le voci della modernità z sześcioma obrazami Modiglianiego ze zbiorów muzeum LaM, a 2 października 2026 roku Brooklyn Museum w Nowym Jorku otworzy wystawę Cézanne to Modigliani z ponad pięćdziesięcioma europejskimi dziełami modernistycznymi ze zbiorów Pearlmana. Dla szwedzkiego odbiorcy interesujące jest porównanie z nordyckimi malarzami portretów, którzy pracowali równolegle. Tam, gdzie Anders Zorn ścigał światło i wirtuozerskie pociągnięcie pędzla, Modigliani poszukiwał formy zmierzającej w przeciwnym kierunku: od tego, co ulotne, ku masce. A tam, gdzie Nils Dardel poruszał się w tym samym Paryżu w tych samych latach, czerpał swój ton raczej z dekoracyjnej sztuki narracyjnej niż z rzeźby. Motywy Modiglianiego należą do najwdzięczniejszych portretów do powieszenia w typowym szwedzkim domu, a powód jest techniczny: tła są płaskie i niemal puste, paleta utrzymana w naturalnych tonach, a kontur wyraźny. Motyw odczytuje się z odległości bez potrzeby posiadania dużego pomieszczenia, a stonowane odcienie ochry i umbry dobrze komponują się zarówno z białym tynkiem, jak i jasną boazerią. Format powinien zasadniczo być pionowy. Ponieważ postacie są wydłużone w pionie, wiele tracą w poziomym kadrze; portret o wymiarach 50 na 70 centymetrów lub 70 na 100 centymetrów daje postaci przestrzeń, by się wyciągnęła. Wysokość zawieszenia powinna odpowiadać zwyczajowej zasadzie, zgodnie z którą środek motywu znajduje się około 145 centymetrów nad podłogą, co umieszcza twarz mniej więcej na wysokości oczu stojącego widza. W grupie sof możesz zawiesić obraz nieco niżej, aby dobrze wyglądał z pozycji siedzącej. Wybór ramy ma kluczowe znaczenie. Ciemna linia konturu w motywie dobrze komponuje się z wąską, ciemną ramą z dębu lub czarno lakierowanego drewna, podczas gdy szersze złote ramy szybko sprawiają, że obraz wygląda jak muzealna pastisz. Jeśli chcesz zgłębić temat wyboru ramy, przygotowaliśmy omówienie jak oprawiać sztukę, a dla osób rozważających spójną kompozycję mamy także nasz poradnik tworzenia galerii ściennej. W grupie portret Modiglianiego najlepiej sprawdza się jako kotwica, a nie jako jeden z kilku równorzędnych motywów. Przeznacz mu największą powierzchnię, umieść go na wysokości oczu, a otaczające obrazy niech będą spokojniejsze - motywy graficzne lub czarno-białe motywy podkreślą portret, zamiast z nim konkurować. Twarz, która spotyka spojrzenie widza, zawsze przyciąga uwagę i nie znosi sytuacji, w której kilka twarzy robi to jednocześnie na tej samej ścianie. Wskazówka: Jeśli wieszasz portret z pustymi oczami w sypialni lub gabinecie - umieść go na ścianie za sobą albo z boku, a nie bezpośrednio naprzeciwko łóżka czy biurka. Spojrzenie w portrecie Modiglianiego jest skierowane na widza, ale pozbawione źrenic, co wiele osób odbiera jako intensywne z bliska. Motyw zyskuje, gdy spotyka się go przelotnie i ogląda z odległości od trzech do czterech metrów. Najlepiej prezentuje się w przedpokoju, klatce schodowej lub korytarzu. 1884 – Amedeo Clemente Modigliani rodzi się 12 lipca w Livorno jako najmłodsze z czworga rodzeństwa w sefardyjskiej rodzinie żydowskiej. W tym samym roku rodzinny dom handlowy jego ojca bankrutuje. 1898 – Po tym, jak zapalenie opłucnej i tyfus przerywają jego naukę, zaczyna studiować malarstwo u Guglielma Micheliego w Livorno, ucznia toskańskiego malarza nurtu macchiaioli Giovanniego Fattoriego. 1902–1906 – Studia w Scuola Libera di Nudo we Florencji, a następnie w Wenecji, gdzie poznaje włoskie malarstwo prymitywistyczne i bizantyjską tradycję ikonograficzną. W styczniu 1906 roku przeprowadza się do Paryża i osiedla na Montmartrze. 1908 - Debiutuje publicznie sześcioma pracami na Salonie Niezależnych w Paryżu. Wystawa przechodzi bez echa, a on niczego nie sprzedaje. 1909 - Poznaje Constantina Brâncușiego, przenosi się na Montparnasse i przechodzi do rzeźby w bezpośrednio ciosanym wapieniu. W praktyce porzuca malarstwo na pięć lat. 1912 - Wystawia dwanaście kamiennych głów jako spójną grupę na Salonie Jesiennym w Paryżu. To jego najbardziej zauważalny występ przed wojną. 1914 - Zostaje odrzucony jako ochotnik do wojska z powodu choroby płuc, ostatecznie porzuca rzeźbę i wraca do malarstwa. Opiekę nad nim przejmuje marszand Paul Guillaume. 1916 - Léopold Zborowski zostaje jego agentem, wynajmuje pracownię, wypłaca mu dzienną pensję i zamawia serię aktów, która ma stać się jego najbardziej znanym cyklem dzieł. 1917 - Poznaje Jeanne Hébuterne. 3 grudnia otwiera swoją jedyną wystawę indywidualną u Berthe Weill przy 50 Rue Taitbout, która tego samego dnia zostaje zamknięta przez policję. 1918–1919 - Przebywa w Nicei i Cagnes-sur-Mer z inicjatywy Zborowskiego. W listopadzie 1918 roku rodzi się jego córka Jeanne. To tutaj maluje swoje jedyne znane pejzaże. 1920 - Umiera 24 stycznia na gruźlicze zapalenie opon mózgowych w wieku 35 lat. Jeanne Hébuterne odbiera sobie życie dwa dni później, będąc w ósmym miesiącu ciąży. 1984 - Trzy fałszywe kamienne głowy zostają wydobyte z kanału w Livorno i uznane za autentyczne przez kilku krytyków, zanim oszustwo zostaje ujawnione we włoskiej telewizji. 2015 - Nu couché zostaje sprzedany 9 listopada w domu aukcyjnym Christie's w Nowym Jorku za 170,4 miliona dolarów, co w tamtym momencie stanowiło drugą najwyższą cenę aukcyjną w historii za dzieło sztuki. Modigliani znalazł się w samym centrum paryskiego modernizmu, nie należąc jednak do żadnego z jego ugrupowań. Najbliżej mu było do Pabla Picassa, z którym spotykał się od 1906 roku i który rozwijał to samo zainteresowanie sztuką afrykańską w zupełnie innym kierunku. Jeśli chcesz zrozumieć ten kierunek, zajrzyj do naszego omówienia kubizmu. Artystą, który jest temperamentem najbliższy Modiglianiemu, jest Egon Schiele z Wiednia: te same wydłużone ciała, tak samo krótkie życie, w praktyce ten sam rok śmierci - Schiele zmarł w 1918 roku, Modigliani w 1920. Poetycko spokrewniony jest z nim Marc Chagall, który przybył do tej samej dzielnicy Paryża z Białorusi i dzielił z Modiglianim pozycję imigranckiego artysty w École de Paris. W szerszym kontekście pomocny będzie nasz przegląd modernizmu oraz zbiorczy punkt dostępu do wszystkich naszych stron z faktami w Bazie wiedzy. Linia prowadzi wstecz do Paula Cézanne’a, którego portrety Modigliani uważnie studiował i którego sposób budowania postaci za pomocą płaszczyzn, a nie światła, pozostaje obecny w każdej głowie Modiglianiego. Krótkie wprowadzenie do tego, jak wybierać sztukę, kierując się tego rodzaju motywami, znajdziesz w naszym artykule o tym, jak wybrać odpowiednią sztukę do domu. Sztuka Modiglianiego przetrwała stulecie mitów, fałszerstw i rekordowych cen, nie tracąc tego, co od początku czyniło ją wyjątkową: formy, która mówi wszystko za pomocą bardzo niewielu środków. Jeśli chcesz wprowadzić do domu coś z tego spokojnego, wyprostowanego stylu, cały nasz wybór motywów artystycznych znajdziesz wśród znanych artystów. Szersze tło dotyczące jego pokolenia znajdziesz w Tate, a zwięzłą biografię w szwedzkiej Wikipedii.Z Livorno na Montparnasse - życie trwające trzydzieści pięć lat
Montmartre, Montparnasse i Brancusi
Wojna, Zborowski i Nicea
Jeanne Hébuterne i koniec
Najważniejsze dzieła Modiglianiego
Kamienne głowy (1911–1913)
Seria aktów (1916–1917)
Portrety Jeanne Hébuterne
Portrety przyjaciół artystów
Technika, forma i artystyczny podpis
Wydłużenie
Oczy bez źrenic
Kolor, kontur i tło
Skandal, fałszerstwa i dziedzictwo
Berthe Weill i nalot policji w 1917 roku
Afera w Livorno z 1984 roku i kwestia autentyczności
Modigliani w Szwecji i krajach nordyckich
Modigliani na ścianie – praktyczny przewodnik po aranżacji wnętrz
Oś czasu życia Modiglianiego
Powiązani artyści i kierunki
Najczęściej zadawane pytania o Modiglianiego