Berthe Morisot – czołowa kobieta impresjonizmu, „Kołyska” i intymne malarstwo

Berthe Morisot to artystka, która pokazała, że obrazy impresjonistyczne można malować równie dobrze z wnętrza salonu, co z brzegu rzeki. Była jedyną kobietą, która wzięła udział w pierwszej wystawie impresjonistów w Paryżu 15 kwietnia 1874 roku, wystawiała na siedmiu z ośmiu wystaw tego nurtu i przez dwadzieścia lat tworzyła świat obrazów przedstawiających dzieci, siostry, lustra, okna i ogrody, który do dziś wygląda zaskakująco żywo. Jej obrazy są niewielkie, ale pełne bezpośredniości: pociągnięcia pędzla są lekkie jak szept, a niekiedy zostawiała fragmenty płótna zupełnie niezamalowane.

Ta strona prowadzi przez życie Morisot: od dorastania w zamożnej rodzinie, spokrewnionej z mistrzem rokoka Fragonardem, przez spotkanie z Édouardem Manetem w Luwrze w 1868 roku i ślub z jego bratem Eugènem w 1874 roku, po późne lata spędzone z córką Julie i szybkie, niemal rozmyte kompozycje z lat 80. XIX wieku. Omawiamy jej najważniejsze dzieła, technikę, niezwykłą relację z Manetem, miejsca, w których można oglądać jej prace w szwedzkich zbiorach, a także to, jak jej stonowana, jasna paleta sprawdza się we wnętrzu szwedzkiego domu. Na końcu znajduje się oś czasu i odpowiedzi na najczęściej zadawane pytania.

Spis treści
↓ Kim była Berthe Morisot?
↓ Od Bourges do Passy – życie i nauka
↓ Najważniejsze dzieła Morisot
↓ Technika, kolor i sygnatura artystyczna
↓ Morisot i Manet – wspólne malarstwo
↓ Krytycy, rynek i ponowne odkrycie
↓ Morisot w Szwecji i krajach nordyckich
↓ Świat obrazów Morisot w domu
↓ Oś czasu życia i pośmiertnej sławy
↓ Powiązani artyści i kierunki
↓ Często zadawane pytania o Berthe Morisot

Kim była Berthe Morisot?

Berthe Marie Pauline Morisot urodziła się 14 stycznia 1841 roku w Bourges, w środkowej Francji. Jej ojciec, Edmé Tiburce Morisot, był prefektem departamentu Cher; matka, Marie-Joséphine-Cornélie Thomas, była, według większości biografii, prawnuczką bratanicy Jeana-Honoré Fragonarda, jednego z najbardziej cenionych malarzy XVIII wieku. Rodzina była zamożna, kulturalna i konwencjonalna, co sprawiało, że wybór kariery przez Berthe stanowił cichy skandal. Kiedy jako trzydziestolatka wciąż była niezamężna i uparcie malowała, jej matka napisała, jak podaje Musée d'Orsay, że jest nieco rozczarowana, iż córka nie chce ułożyć sobie życia jak wszyscy inni.

Szybkie fakty: Urodzona 14 stycznia 1841 roku w Bourges, zmarła 2 marca 1895 roku w Paryżu (zapalenie płuc, w wieku 54 lat), pochowana na Cimetière de Passy. Zadebiutowała na Salonie Paryskim w 1864 roku. W 1874 roku poślubiła Eugène’a Maneta, brata Édouarda Maneta; ich córka Julie urodziła się 14 listopada 1878 roku. Była jedyną kobietą na pierwszej wystawie impresjonistów 15 kwietnia 1874 roku, na której pokazała dziesięć prac. Brała udział w siedmiu z ośmiu wystaw w latach 1874–1886. Rekord aukcyjny: Po obiedzie (1881) sprzedano za 10,9 miliona dolarów w domu aukcyjnym Christie's w lutym 2013 roku. Muzeum Narodowe w Sztokholmie posiada obraz W lasku Bulońskim (numer inwentarzowy NM 5525).

Morisot często przedstawia się jako najwybitniejszą kobietę impresjonizmu, ale ta etykieta jest zarazem zbyt wąska i zbyt hojna. Zbyt wąska, bo nie była odosobnioną artystką dopuszczoną do grupy tylko dlatego, że była czyjąś szwagierką – krytyk z „Le Temps” już w 1877 roku nazwał ją jedyną prawdziwą impresjonistką w grupie. Zbyt hojna, bo sugeruje, że malowała tyle samo co jej koledzy i na ich warunkach. Tak nie było. Unikała targowisk, kawiarni i nadrzecznych bulwarów, gdzie kobieta z klasy średniej nie mogła przebywać sama, a zamiast tego uczyniła zamknięte wnętrze, ogrodową ławkę i okno pełnoprawnymi nowoczesnymi przestrzeniami obrazowymi. Była to inna forma nowoczesności niż studia światła Claude’a Moneta czy teatralna scenografia operowa Edgara Degasa, ale nie mniej nowoczesna.

Od Bourges do Passy – życie i nauka

Trzy siostry i nauczyciel rysunku

Berthe dorastała jako najmłodsza z trojga rodzeństwa: Yves (1838–1893), Edma (1839–1921) i Berthe; jej brat Tiburce urodził się w 1848 roku. Rodzina przeprowadziła się do Paryża, a w 1857 roku Berthe i Edma zaczęły pobierać prywatne lekcje u Geoffroya-Alphonse’a Chocarne’a, a później u Josepha Guicharda. Guichard szybko dostrzegł, że siostry mają talent, którego nie da się zamknąć w salonowej sztuce, jakiej ówczesne młode kobiety miały się poświęcać. Ostrzegł matkę, że lekcje nie będą rozrywką, lecz powołaniem – a w kręgu towarzyskim rodziny byłoby to w praktyce katastrofą.

Luwr, Corot i Barbizon

Kobiet nie wpuszczano do szkół Akademii Sztuk Pięknych, więc Morisot i jej siostra kopiowały arcydzieła w Luwrze, co było jednym z niewielu dozwolonych sposobów nauki. W 1861 roku poznała pejzażystę Jean-Baptiste-Camille’a Corota, który nauczył ją malować bezpośrednio w plenerze i myśleć kategoriami walorów, a nie konturów. W 1863 roku podążyła za przyjacielem Corota, Achille’em Oudinotem, ku tradycji barbizońskiej, a zimą 1863–64 pobierała lekcje rzeźby u Aimé Milleta – żadne z dzieł, które wtedy stworzyła, nie zachowało się. Już wtedy widać cechę, która stała się jej znakiem rozpoznawczym: próbowała wszystkiego, zachowywała to, co się sprawdzało, i nie zapisała się do żadnej szkoły artystycznej.

Salon 1864 i milczenie siostry

W 1864 roku Berthe i Edma zadebiutowały na Salonie Paryskim, każda z własnym obrazem. W latach 60. XIX wieku Morisot kilkakrotnie wystawiała później na Salonie, ale prawdziwy przełom przyniosły jej obrazy siostry. W 1869 roku Edma poślubiła oficera marynarki i wyprowadziła się z Paryża, przez co w praktyce przestała malować. Morisot kontynuowała pracę sama. Trudno przecenić, jak bardzo musiała być samotna: siostrzany dialog, który towarzyszył jej przez pierwszą dekadę pracy artystycznej, zniknął z dnia na dzień, a listy, które pisała do Edmy w kolejnych latach, są dziś jednym z najlepszych źródeł ukazujących, jak artystka w XIX-wiecznym Paryżu myślała o swojej pracy.

Małżeństwo, córka i ostatnie lata

W 1868 roku Morisot spotkała Édouarda Maneta w Luwrze, gdzie kopiowała obrazy. Sześć lat później, w 1874 roku, poślubiła jego młodszego brata Eugène'a, który sam był malarzem amatorem i przez całe małżeństwo zachęcał ją do pracy. 14 listopada 1878 roku urodziła się ich córka Julie, która stała się jej najważniejszą modelką i osobą, która przekazała jej spuściznę kolejnym pokoleniom. Eugène Manet zmarł w 1892 roku, a Berthe Morisot odeszła trzy lata później: zachorowała na zapalenie płuc po opiece nad Julie i zmarła 2 marca 1895 roku w wieku 54 lat. Dzień wcześniej napisała do córki list pożegnalny, który jest często cytowany: zapewniała ją, że kocha ją w chwili śmierci i będzie kochać także później.

Najważniejsze dzieła Morisot

Kołyska (1872)

Le Berceau (Kołyska), namalowana w 1872 roku, to najsłynniejsze dzieło Morisot, które wisi w Musée d'Orsay w Paryżu. Obraz przedstawia jej siostrę Edmę, spoglądającą do kołyski, w której śpi jej córka Blanche. Przezroczysta woalka spływa jak mgła nad twarzą dziecka, a ramię kobiety tworzy łagodną diagonalę prowadzącą w głąb obrazu. To nie sentymentalny wizerunek Madonny – spojrzenie Edmy jest uważne, niemal zmęczone – lecz portret cichego wysiłku, jakim jest czuwanie. Dzieło pokazano na pierwszej wystawie impresjonistów w 1874 roku i od tego czasu stało się jednym z najczęściej reprodukowanych wizerunków macierzyństwa w historii tego ruchu.

Siostra artystki przy oknie i siostry (1869)

Wczesny obraz The Artist's Sister at a Window (1869) znajduje się w National Gallery of Art w Waszyngtonie, podobnie jak The Mother and Sister of the Artist (1869–1870). Na retrospektywie Morisot w National Gallery of Art w 1987 roku – pierwszej dużej wystawie w amerykańskim muzeum poświęconej artystce – jako plakat wykorzystano obraz The Sisters (1869), przedstawiający dwie kobiety w białych sukniach w kropki, siedzące na pasiastej sofie. Na wystawie pokazano 60 obrazów olejnych, 23 akwarele, 13 pasteli i 8 rysunków. Przyciągnęła ona 215 363 zwiedzających, co pokazało, że zainteresowanie artystką było znacznie większe, niż dotąd sądził rynek.

Lustro Psyche (1876) i Letni dzień (1879)

The Psyche Mirror (1876), o wymiarach 65 × 54 cm i znajdujący się w muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie, przedstawia młodą kobietę, która przygląda się sobie w dużym stojącym lustrze, a odbicie i rzeczywistość zlewają się w białych pociągnięciach pędzla. Obraz jest jednym z najczytelniejszych przykładów zainteresowania Morisot tym, co niedokończone, i nawiązuje do długiej tradycji przedstawiania kobiet przy toaletce, którą artystka zarówno wykorzystywała, jak i podważała. Summer's Day (1879) w National Gallery w Londynie przedstawia dwie kobiety w łodzi wiosłowej na jeziorze w Lasku Bulońskim, namalowane w tak lekkim świetle, że postacie niemal rozpływają się w tafli wody.

Po obiedzie (1881) i późne płótna

After Lunch (1881) to obraz, który przyniósł Morisot rekord aukcyjny: sprzedano go w lutym 2013 roku w domu aukcyjnym Christie's za 10,9 miliona dolarów, czyli około trzykrotność górnej granicy szacunkowej ceny, i na pewien czas uczynił ją najlepiej opłacaną artystką na aukcjach. Wśród dzieł z połowy lat 80. XIX wieku znajdziemy In the Dining Room (1885–86) w National Gallery of Art w Waszyngtonie oraz The Bath (1885–86) w Art Institute of Chicago, w których stopniowo porzucała jasne plamy koloru na rzecz bardziej wyrazistych linii. Reclining Nude Shepherdess (1891) w muzeum Thyssen-Bornemisza to jej późna, żartobliwa odpowiedź na klasyczne malarstwo aktu, a Le Cerisier (1891) pokazuje jej zainteresowanie japońską kompozycją, w której drzewo umieszczone jest daleko przy krawędzi obrazu.

"Nie sądzę, by kiedykolwiek istniał mężczyzna, który traktował kobietę jak równą sobie, a tylko tego bym oczekiwała, bo wiem, że jestem tyle samo warta." – Berthe Morisot, notes, 1890

Technika, kolor i artystyczny podpis

Lekkie pociągnięcie pędzla

Sposób prowadzenia pędzla przez Morisot opisywano francuskim czasownikiem effleurer – muskać. Pozwalała pędzlowi poruszać się szybko, krótkimi, ukośnymi pociągnięciami, często pozostawiając fragmenty płótna pokryte cienką warstwą farby lub zupełnie niezamaskowane. Biel w jej obrazach rzadko jest czystą białą farbą; prześwituje przez nią jasne podłoże płótna. Około 1880 roku zaczęła ponadto malować na niezagruntowanych płótnach, czyli bez zwykłej warstwy podkładowej, co nadawało powierzchni matowy, niemal pastelowy charakter. Efekt sprawia, że obraz Morisot wygląda, jakby powstał w dziesięć minut, nawet jeśli jego przygotowanie zajęło miesiące.

Akwarela, pastel i olej jednocześnie

Na początku swojej kariery artystycznej Morisot malowała akwarelami i pastelami, które łatwo zabrać w plener. Później równie biegle posługiwała się wszystkimi trzema technikami i pozwalała im wzajemnie na siebie oddziaływać: obrazy olejne zyskały przezroczystość akwareli i kredową fakturę pasteli, a jej akwarele osiągnęły ostrość charakterystyczną dla malarstwa olejnego. Ponieważ często tworzyła kilka wersji tego samego motywu w różnych technikach, jej dorobek daje wyjątkowo szerokie możliwości porównań. Osoby zainteresowane technicznym tłem znajdą szersze omówienie na naszej stronie poświęconej historii akwareli i jej mistrzom.

Siatka, papier i wzory

Za spontaniczną powierzchnią kryła się staranna metoda. Po 1885 roku Morisot coraz większą wagę przywiązywała do rysunku i eksperymentowała z węglem oraz kredkami, a do przenoszenia postaci ze szkiców na płótno używała siatki i kalki. Chętnie komponowała też obrazy z ukośnej perspektywy inspirowanej sztuką japońską, z przedmiotami uciętymi krawędzią obrazu — rozwiązania, które dzieliła ze wszystkimi najważniejszymi zachodnimi przedstawicielami japonizmu. Jej obrazy pozostały niewielkie: płótna mają zwykle zaledwie kilkadziesiąt centymetrów wysokości, co jest jednym z powodów, dla których tak dobrze sprawdzają się dziś jako wydruki średniej wielkości.

Morze Śródziemne i światło 1881–1889

Morisot spędziła dwie zimy nad Morzem Śródziemnym — w latach 1881–1882 i 1888–1889 — a obie wyraźnie wpłynęły na jej paletę. Wystawa Berthe Morisot à Nice. Escales impressionnistes w Musée des Beaux-Arts Jules Chéret w Nicei, trwająca od 7 czerwca do 29 września 2024 roku, zgromadziła około 60 dzieł z tych okresów i pokazała, jak w intensywnym nadmorskim świetle wykształciły się jaśniejsze barwy i swobodniejsze pociągnięcia pędzla. Wystawa sugerowała również, że część jej grafik przeznaczona była do albumu zatytułowanego Carnival z lat 1888–1889, podkreślając jej rolę jako graficzki.

Morisot i Manet – wspólne malarstwo

Od modelki do równorzędnej artystki

Édouard Manet i Berthe Morisot poznali się w 1868 roku i przez piętnaście lat pozostawali sobie bliscy, aż do jego śmierci w 1883 roku. Początkowo była jego modelką: pozowała do Balkonu (1868) oraz kilku intymnych portretów, w tym Berthe Morisot z bukietem fiołków z 1872 roku — niewielkiego obrazu olejnego przedstawiającego ją w czarnej sukni żałobnej, który w 1998 roku kupiło Musée d'Orsay dzięki międzynarodowemu finansowaniu. Szukała jego rad i uczyła się u niego w sposób niezwykle otwarty. Jednak już w połowie lat 70. XIX wieku role się odwróciły: według tekstu wystawy Legion of Honor Manet zaczął wtedy naśladować Morisot, czerpiąc z jej wyboru tematów, kolorów i rozedrganych pociągnięć pędzla.

Wystawa Manet & Morisot 2025–2026

Pierwszym większym projektem muzealnym, który badał wzajemne wpływy artystów, była wystawa Manet i Morisot w Legion of Honor w San Francisco, prezentowana w dniach 11 października 2025–1 marca 2026 roku, a następnie w Cleveland Museum of Art od 29 marca do 5 lipca 2026 roku. Wystawa, której kuratorką była Emily A. Beeny, zestawiała dzieła w pary i grupy, ponownie połączyła cztery obrazy przedstawiające eleganckie kobiety jako pory roku (obrazy Morisot Lato i Zima oraz Maneta Wiosna i Jesień) i pokazała prace z własnej kolekcji obrazów Maneta należącej do Morisot. Więcej informacji w komunikacie prasowym Legion of Honor. Nasze omówienie jego życia i twórczości znajdziesz na stronie poświęconej Édouardowi Manetowi.

Po śmierci Maneta w 1883 roku

Po śmierci Édouarda Maneta w 1883 roku Morisot, z pomocą Claude’a Moneta, Émile’a Zoli i innych przyjaciół, zorganizowała wystawę upamiętniającą malarza. Tym samym stała się jedną z osób, które kształtowały jego pośmiertny wizerunek, a już wcześniej była centralną postacią jego kręgu. W latach 80. i 90. XIX wieku sama gromadziła również dzieła Maneta, Moneta, Renoira i Degasa; jej dom przy rue de Villejust stał się miejscem spotkań, które regularnie odwiedzał także poeta Stéphane Mallarmé, jej bliski przyjaciel.

Krytycy, rynek i ponowne odkrycie

Odbiór jej twórczości przez długi czas był niejednoznaczny. Podczas pierwszej wystawy impresjonistów w 1874 roku krytyk Albert Wolff z „Le Figaro” odrzucił całą grupę, nazywając ją bandą szaleńców, wśród których znalazła się jedna kobieta. Trzy lata później, w 1877 roku, recenzent „Le Temps” nazwał ją jedyną prawdziwą impresjonistką w tym gronie, a w 1880 roku Wolff i inni zmienili zdanie i zaliczali ją do najlepszych. W 1894 roku krytyk Gustave Geffroy okrzyknął ją, Marie Bracquemond i Mary Cassatt trzema wielkimi damami impresjonizmu.

Rynek reagował z opóźnieniem. Na aukcji w Hôtel Drouot w 1875 roku jej najlepsze prace – Wnętrze (Młoda kobieta z lustrem) i pastel Na trawniku – osiągnęły ceny odpowiednio 480 i 320 franków. Morisot sama obstawała przy bezpośredniej sprzedaży kolekcjonerom, co zapewniało jej niezależność finansową, ale oznaczało też mniejszą liczbę zleceniodawców o dużym znaczeniu. Pierwsza wystawa indywidualna odbyła się w dniach 25 maja–18 czerwca 1892 roku w galerii Boussod, Valadon & Cie, a pierwsza retrospektywa została otwarta 5 marca 1896 roku w galerii Durand-Ruel, rok po jej śmierci. Julie Manet, która później poślubiła malarza Ernesta Rouarta, poświęciła życie zachowaniu dorobku matki i prowadziła dziennik, który dziś należy do najczęściej czytanych źródeł na temat codzienności impresjonistów.

Odkryto ją na nowo pod koniec XX wieku: retrospektywa z 1987 roku w National Gallery of Art w Waszyngtonie prezentowała 60 obrazów olejnych i przyciągnęła 215 363 zwiedzających. W 2019 roku Musée d'Orsay poświęciło jej pierwszą monograficzną wystawę, ponad 120 lat po jej śmierci. Więcej o wystawie i jej życiu można przeczytać w tekście samego muzeum Orsay. Wystawa Impression, Morisot w Palazzo Ducale w Genui (12 października 2024–23 lutego 2025), której kuratorką była Marianne Mathieu, prezentowała ponad 80 dzieł i była pierwszą dużą retrospektywą Morisot we Włoszech.

Morisot w Szwecji i krajach nordyckich

Nationalmuseum i W lasku Boulogne

Ci, którzy chcą zobaczyć oryginał Morisot w Szwecji, znajdą go w Nationalmuseum w Sztokholmie. Obraz W lasku Boulogne (znany także jako Au Jardin lub Dames cueillant des fleurs) został namalowany olejem na płótnie, ma wymiary 61 × 73,5 cm i numer inwentarzowy NM 5525. W 1960 roku podarował go muzeum inżynier C. B. Nathorst za pośrednictwem Nationalmusei Vänner. Obraz przedstawia dwie kobiety w Lasku Bulońskim, parku w zachodniej części Paryża, gdzie spacerowała wyższa klasa średnia. Nationalmuseum opisuje go jako przykład śmiałego, szkicowego stylu Morisot i jej zainteresowania bliskością między kobietami. O dziele można przeczytać w bazie zbiorów Nationalmuseum.

Nationalmuseum, plaża i sztuka w plenerze

Nationalmuseum pokazało także, jak bliskie sobie motywy – życie na plaży, spacery i sceny wypoczynku – stały się jednym z głównych nurtów nowoczesności XIX wieku, o czym pisaliśmy w naszym artykule o wystawie Nad morze! w Nationalmuseum. Kobiety Morisot na łodziach i w ogrodach należą do tej samej tradycji obrazowania, choć sama rzadko malowała plażę. To, że jej dzieła znalazły się również wśród plakatów i reprodukcji oferowanych przez Nationalmuseum, pokazuje, jak szeroko muzeum promuje dziś artystki ze swoich zbiorów.

Morisot i nordycka publiczność

Jej intymny, jasny język obrazów często porównywano z językiem nordyckich malarzy wnętrz, a pokrewieństwo ze sztuką nordycką najwyraźniej widać w twórczości fińskiej modernistki Helene Schjerfbeck, która podobnie jak Morisot pracowała z uproszczonymi płaszczyznami i cichymi chwilami życia domowego. Różni je ton: Morisot jest lekka i zwiewna, Schjerfbeck poważna i odwrócona. Obie stały się ważnymi punktami odniesienia dla dzisiejszego zainteresowania artystkami, a ich prace dobrze prezentują się w tym samym pomieszczeniu.

Świat obrazów Morisot w domu

Paleta barw Morisot jest jedną z najbardziej praktycznych w całym impresjonizmie dla osób urządzających wnętrza. Artystka używała bieli, srebrzystej szarości, bladej zieleni, różu i stonowanych odcieni błękitu, często malując na niezagruntowanym płótnie. Jasne podłoże sprawia, że jej obrazy nigdy nie są przytłaczające. To paleta, która sprawdza się w północnym świetle, w małych pomieszczeniach i w połączeniu z jasnym drewnem, farbą wapienną oraz lnem. Morisot jest ponadto jedną z niewielu artystek, których motywy niemal zawsze są osobiste: kobieta przy lustrze, dziecko w ogrodzie, siostra z filiżanką. Dzięki temu łatwo zawiesić je w sypialni, przedpokoju i salonie, nie przytłaczając wnętrza.

W formacie 30 × 40 lub 50 × 70 cm kameralne motywy zachowują swoją intymność, a większe formaty odsłaniają swobodniejsze, niemal akwarelowe płaszczyzny. Obrazy figuralne – Kołyska, Lustro Psyche i różne wersje kobiet przy toaletce – najlepiej prezentują się z odpowiednią ilością wolnej przestrzeni wokół i warto wieszać je na wysokości oczu, czyli tak, by środek obrazu znajdował się około 145 cm nad podłogą. Motywy ogrodów i jezior można natomiast wieszać bliżej siebie w grupach po trzy lub cztery. Dobrym punktem wyjścia jest nasz poradnik zakupowy formatu 30 × 40, w którym omawiamy wymiary i odstępy.

Wskazówka: Jasne tony Morisot znikają na tle chłodnej, białej ściany i czarnej ramy. Zamiast tego wybierz ciepłą ramę z jasnego dębu lub jesionu oraz passe-partout w kolorze złamanej bieli o szerokości co najmniej 5 cm – dzięki temu białe pociągnięcia pędzla będą miały przestrzeń, a barwy pozostaną spójne. Więcej informacji o wymiarach i jakości znajdziesz w naszym poradniku zakupowym passe-partout. Jeśli wieszasz razem kilka motywów Morisot, wybierz ramy w tym samym kolorze, ale w różnych rozmiarach – w ten sposób uzyskasz spokojny rytm zamiast szeregu jednakowych prac.

Jej motywy szczególnie dobrze komponują się z pracami innych impresjonistów utrzymanymi w jasnej, stonowanej palecie. W połączeniu z kilkoma botanicznymi liśćmi lub prostym plakatem z motywem kwiatowym tworzą spójną galerię. U nas znajdziesz prace w podobnym stylu wśród dzieł znanych artystów, plakatów z motywami kwiatowymi, różowych plakatów i beżowych plakatów. Jeśli chcesz poznać bliżej Moneta i innych impresjonistów, znajdziesz ich wśród obrazów i plakatów Claude’a Moneta.

Kalendarium życia i pośmiertnej sławy

1841 – Rodzi się 14 stycznia w Bourges we Francji.
1857 – Zaczyna pobierać prywatne lekcje wraz z siostrą Edmą.
1861 – Poznaje Corota, który uczy ją malować bezpośrednio w plenerze.
1864 – Debiutuje na Salonie Paryskim wraz z Edmą.
1868 – Spotyka Édouarda Maneta w Luwrze i pozuje do obrazu Balkon.
1872 – Maluje Kołyskę, dziś znajdującą się w Musée d'Orsay; Manet maluje ją z bukietem fiołków.
1874 – 15 kwietnia jako jedyna kobieta bierze udział w pierwszej wystawie impresjonistów; poślubia Eugène’a Maneta.
1875 – Jej najlepsze prace zostają sprzedane za 480 i 320 franków w Hôtel Drouot.
1878 – 14 listopada rodzi się jej córka Julie.
1881 – Maluje Po lunchu i spędza zimę 1881–82 nad Morzem Śródziemnym.
1883 – Umiera Édouard Manet; pomaga zorganizować jego wystawę pośmiertną.
1886 – Bierze udział w ósmej i ostatniej wystawie impresjonistów.
1892 – Pierwsza wystawa indywidualna w galerii Boussod, Valadon & Cie; umiera Eugène Manet.
1895 – Umiera 2 marca w Paryżu, w wieku 54 lat.
1896 – Retrospektywa w galerii Durand-Ruel otwiera się 5 marca.
1960 – Nationalmuseum otrzymuje w darze W lasku Boulogne.
1987 – Retrospektywa w National Gallery of Art w Waszyngtonie przyciąga 215 363 zwiedzających.
2013 – Po lunchu zostaje sprzedany za 10,9 miliona dolarów w domu aukcyjnym Christie's.
2019 – Musée d'Orsay organizuje swoją pierwszą monograficzną wystawę Morisot.
2024–2026 – Wystawy w Nicei, Genui, San Francisco i Cleveland ponownie stawiają ją w centrum uwagi.

Powiązani artyści i nurty

Trudno zrozumieć Morisot bez jej kręgu. Najbliżej niej byli Édouard Manet, jej szwagier, model i artystyczny równorzędny partner, oraz Claude Monet, z którym łączyła ją bliska relacja przez całe lata 80. XIX wieku. Pierre-Auguste Renoir podzielał jej zamiłowanie do jasnych barw, a Camille Pissarro był starszym kolegą, który zawsze wspierał projekty wystawiennicze. Podczas gdy Morisot malowała zamknięte wnętrza, Gustave Caillebotte kierował wzrok ku nowym paryskim bulwarom i mokrym od deszczu placom – jego twórczość stanowi uzupełnienie dla tych, którzy chcą poznać miejskie oblicze impresjonizmu. Całą historię ruchu i jego cechy omawiamy na stronie o impresjonizmie.

Inne kobiety z tego samego kręgu i pokolenia, takie jak Mary Cassatt i Marie Bracquemond, Geffroy wymienia obok Morisot w 1894 roku. Wątek szwedzki prowadzi dalej do Helene Schjerfbeck i Sigrid Hjertén. Jeśli chcesz dowiedzieć się więcej o artystkach, które musiały omijać zamknięte drzwi Akademii Sztuk Pięknych, dobrym kolejnym krokiem będzie nasz artykuł o Rosie Bonheur. Całościowe opracowanie Bozetto poświęcone artystom, epokom i nurtom znajdziesz w naszej bazie wiedzy.

Często zadawane pytania o Berthe Morisot

Jeśli chcesz wnieść do własnego domu jasną i intymną stronę impresjonizmu, wśród naszych plakatów znanych artystów znajdziesz współczesnych Morisot i jej naśladowców. Wszystkie prace drukujemy na papierze wysokiej jakości i wysyłamy zabezpieczone w tubie. Jeśli chcesz dowiedzieć się więcej, biografię artystki znajdziesz w szwedzkiej Wikipedii.