Francisco Goya – Czarne obrazy, Los Caprichos i narodziny sztuki nowoczesnej

Francisco Goya jest artystą, który bardziej niż ktokolwiek inny zawarł całe narodziny sztuki nowoczesnej w swoim dorobku. Karierę rozpoczął jako dekorator hiszpańskiego dworu, malując słoneczne sceny rodzajowe na tkane tapiserie w królewskich pałacach. Zakończył ją czternastoma mrocznymi, niemal nie do zniesienia obrazami namalowanymi bezpośrednio na ścianach własnego domu pod Madrytem — obrazami, których nikt nie zamówił i których nikt nie zobaczył aż do jego śmierci. Między tymi dwiema skrajnościami rozciąga się pół wieku wojen, choroby, głuchoty, dworskich intryg i nieugiętej woli, by widzieć rzeczywistość taką, jaka naprawdę była.

Dla osób zainteresowanych historią sztuki Goya jest punktem zwrotnym. Przed nim malarstwo służyło głównie Kościołowi, koronie i arystokracji. Po nim artysta mógł używać pędzla jako własnego świadectwa, oskarżenia, prywatnego koszmaru. Ta strona omawia życie Goi, jego najważniejsze dzieła, technikę malarską i graficzną, znaczenie dla późniejszych artystów oraz to, jak jego świat obrazów funkcjonuje dziś jako sztuka w szwedzkim domu. Przyglądamy się także temu, gdzie w Szwecji można zobaczyć oryginalne dzieła Goi.

Spis treści
↓ Kim był Francisco Goya?
↓ Od Fuendetodos do dworu w Madrycie
↓ Najważniejsze dzieła Goi
↓ Technika, kolor i sygnatura artystyczna
↓ Goya grafik – Kaprysy i okropności wojny
↓ Czarne obrazy i Quinta del Sordo
↓ Dziedzictwo i wpływ Goi
↓ Goya jako sztuka w domu
↓ Goya w Szwecji – kolekcja Muzeum Narodowego
↓ Oś czasu
↓ Pokrewni artyści
↓ Najczęściej zadawane pytania dotyczące Francisco Goi

Kim był Francisco Goya?

Francisco José de Goya y Lucientes urodził się 30 marca 1746 roku w Fuendetodos, małej wiosce w Aragonii, kilkadziesiąt kilometrów na południe od Saragossy, a zmarł 16 kwietnia 1828 roku w Bordeaux we Francji. Miał więc 82 lata, co jak na jego czasy było wyjątkowo późnym wiekiem, i pracował niemal do samego końca. Jego dorobek obejmuje około 700 obrazów, blisko 900 rysunków i około 280 grafik, co czyni go jednym z najbardziej płodnych artystów w dziejach sztuki europejskiej.

Goya był jednocześnie malarzem dworskim i krytykiem społecznym, co wydaje się pozycją niemożliwą. Portretował hiszpańską rodzinę królewską w szatach haftowanych złotem, a jednocześnie potajemnie wykonywał akwaforty przedstawiające chciwość duchowieństwa i głupotę arystokracji. Malował oficjalne zamówienia dla Kościoła i tworzył prywatne rysunki ofiar tortur. Ta dwoistość nie jest sprzecznością w jego twórczości, lecz jej istotą: Goya wcześnie zrozumiał, że istnieje rzeczywistość oficjalna i rzeczywistość prawdziwa, i odmówił wyboru między nimi.

Snabbfakta: Francisco de Goya föddes 30 mars 1746 i Fuendetodos, Aragonien, och dog 16 april 1828 i Bordeaux. Han utförde 63 tapetkartonger åt Kungliga tapetmanufakturen Santa Bárbara mellan 1775 och 1791. Han utnämndes till kunglig hovmålare 1789 under Karl IV och till förste hovmålare (primer pintor de cámara) 1799. En svår sjukdom 1792–1793 gjorde honom nästan helt döv resten av livet. Grafiksviten Los Caprichos består av 80 blad och publicerades i februari 1799. Sviten Krigets fasor omfattar 82 blad, skapade cirka 1810–1820. De fjorton Svarta målningarna målades direkt på väggarna i Quinta del Sordo omkring 1820–1823 och finns i dag på Museo del Prado i Madrid. Nationalmuseum i Stockholm äger fyra målningar av Goya, en teckning samt ett stort antal grafiska blad och album.

Från Fuendetodos till hovet i Madrid

Goyas far var förgyllare, ett hantverksyrke med anknytning till kyrkokonsten, och familjen tillhörde en blygsam medelklass i Aragonien. Vid fjorton års ålder började Francisco i lära hos målaren José Luzán y Martínez i Zaragoza, där han fick den traditionella skolningen: kopiera efter grafiska förlagor tills handen sitter. Han sökte sig sedan till Madrid och till Francisco Bayeu, en etablerad hovmålare vars syster Josefa Goya gifte sig med 1773. Det var ett äktenskap som var lika mycket en karriärstrategi som en kärlekshistoria, och det öppnade dörrarna till hovet.

Resan till Italien 1770–1771

Goya bekostade själv en studieresa till Rom omkring 1770. Här mötte han antiken, den romerska barocken och den framväxande nyklassicismen. Året därpå deltog han i en tävling utlyst av konstakademin i Parma och fick ett hedersomnämnande. Resan gav honom det internationella perspektiv som skilde honom från många spanska kollegor som aldrig lämnade halvön, och den gav honom ett förråd av kompositionsformler som han skulle bygga vidare på i decennier.

Tapetkartongerna 1775–1791

Mellan 1775 och 1791 producerade Goya 63 stora oljemålningar som fungerade som förlagor, så kallade kartonger, åt Kungliga tapetmanufakturen Santa Bárbara. Vävarna överförde motiven till gobelänger som hängdes i kungliga palats som El Pardo och El Escorial. Motiven skulle vara behagliga: picknickar, dans, lekande barn, marknadsscener. Just därför är de intressanta. Goya använde uppdraget till att studera ljus, färgackord och folkliv med en frihet som ett formellt porträtt aldrig hade tillåtit.

Najsłynniejszym z tych dzieł jest Parasol (El Quitasol) z 1777 roku, który dziś wisi w Museo del Prado. Młoda kobieta w jedwabnej sukni siedzi na kamiennym murze z małym psem na kolanach, podczas gdy majo, jeden z modnych młodzieńców madryckiej klasy robotniczej, stoi za nią i trzyma nad jej głową zielony jedwabny parasol. Zielone światło przesączające się przez parasol nadaje jej twarzy chłodny, niemal zielonkawy odcień na tle ciepłego żółtego tła. To studium światła wyprzedza swoją epokę o stulecie i wskazuje wprost na impresjonizm.

Malarz dworu i choroba w 1792 roku

W 1786 roku Goya został malarzem królewskim, w 1789 mianowano go nadwornym malarzem nowo wstępującego na tron Karola IV, a w 1799 roku osiągnął szczyt oficjalnej hierarchii jako pierwszy malarz dworu. Jednak między tymi nominacjami doszło do wydarzenia, które dzieli jego życie na dwie części. Zimą 1792–1793 roku podczas podróży do Andaluzji zachorował na ciężką chorobę objawiającą się zawrotami głowy, szumami usznymi, przejściową ślepotą i paraliżem. Przeżył, ale do końca życia pozostał niemal całkowicie głuchy. Diagnoza jest sporna; proponowano między innymi zatrucie ołowiem pochodzącym z pigmentów, infekcję wirusową i zespół Susaca.

Głuchota odcięła go od rozmów, które stanowiły walutę życia dworskiego, i wtrąciła w wewnętrzny świat. To po 1793 roku w jego twórczości zaczynają pojawiać się mroczne motywy: Dziedziniec szaleńców, sceny z bandytami i katastrofami morskimi, a wkrótce potem cykl grafik Kaprysy. Związek między jego izolacją a radykalizacją jako artysty jest jednym z najczęściej dyskutowanych tematów w historii sztuki.

Najważniejsze dzieła Goi

Najsłynniejsze dzieła Goi rozciągają się na sześć dekad i obejmują cztery zupełnie różne rejestry: dekoracyjny, oficjalny, polityczny i prywatny. Aby go zrozumieć, trzeba zobaczyć, jak te rejestry ze sobą rozmawiają.

Rodzina Karola IV (1800–1801)

Ten wielki portret grupowy Karola IV i jego rodziny ma wymiary 280 × 336 centymetrów i wisi w Prado. Trzynaście osób stoi w szeregu w oficjalnym wnętrzu dworu, ubranych w jedwabie, aksamity i ordery. Sam Goya majaczy w cieniu po lewej stronie, przed dużym płótnem, składając bezpośredni hołd obrazowi Panny dworskie Velázqueza. Obraz zasłynął z pozornie bezlitosnej charakterystyki: królowa Maria Luisa w centrum, król z pustym spojrzeniem, całe towarzystwo sztywne i pozbawione blasku mimo złota. Historycy sztuki do dziś spierają się, czy Goya rzeczywiście zamierzał stworzyć satyrę, czy po prostu namalował to, co widział, z realizmem, do którego jego współcześni nie byli przyzwyczajeni.

Trzeci maja 1808 roku (1814)

To prawdopodobnie najbardziej wpływowy pojedynczy obraz Goi. Ukończono go w 1814 roku; przedstawia egzekucję członków hiszpańskiego ruchu oporu po powstaniu przeciwko napoleońskim wojskom okupacyjnym w Madrycie w nocy z 2 na 3 maja 1808 roku. Bezimienny mężczyzna w białej koszuli stoi z rozpostartymi ramionami przed anonimowym szeregiem luf karabinów, oświetlony kwadratową latarnią stojącą na ziemi. Żołnierze nie mają twarzy; są maszyną. Ziemia przed nimi jest już pokryta ciałami.

Obraz zrywa z całą heroiczną tradycją przedstawiania pola bitwy. Nie ma tu szlachetnego generała, sztandaru ani zwycięzcy. Manet niemal dosłownie zacytował kompozycję w swoich obrazach przedstawiających egzekucję cesarza Maksymiliana w latach 60. XIX wieku, a Picasso rozwinął ten motyw w Guernice w 1937 roku. Więcej o tej linii możesz przeczytać na naszych stronach poświęconych Édouardowi Manetowi i Pablowi Picassowi.

Maja ubrana i Maja naga (około 1797–1805)

Dwa niemal identyczne przedstawienia leżącej kobiety, jedno w ubraniu, a drugie nagie, pierwotnie należały do kolekcji pierwszego ministra Manuela Godoya. Maję naga uważa się za jeden z pierwszych znanych zachodnich obrazów nagiej kobiety bez mitologicznego uzasadnienia; nie jest Wenus, lecz osobą, i patrzy widzowi prosto w oczy. Dzieła doprowadziły Goyę przed inkwizycję w 1815 roku, a on odmówił ujawnienia, kto je zamówił. Oba obrazy wiszą dziś w Prado.

Autoportret z doktorem Arrietą (1820)

W 1819 roku, w wieku 73 lat, Goya zachorował na kolejną zagrażającą życiu chorobę. Rok później namalował siebie na wpół nieprzytomnego w łóżku, z lekarzem Eugenio Garcíą Arrietą za plecami, który podaje mu do ust szklankę lekarstwa. W tle majaczą trzy cieniste postacie. Napis u dołu dziękuje lekarzowi za uratowanie życia. Obraz znajduje się w Minneapolis Institute of Art w USA i uchodzi za jeden z najbardziej poruszających autoportretów w sztuce zachodniej, za obraz wotywny ex voto, na którym sam artysta jest osobą uzdrowioną.

"Fantazja, opuszczona przez rozum, rodzi niemożliwe potwory; zjednoczona z rozumem jest matką sztuk i źródłem ich cudów." – Francisco Goya, komentarz do planszy 43 w Los Caprichos, 1799

Technika, kolor i sygnatura artystyczna

Malarstwo Goi rozwija się od gładkiej, rozświetlonej palety rokoka ku coraz bardziej szorstkiemu, skondensowanemu malarstwu, w którym pędzel pozostawia widoczne ślady. Kto ogląda jego dzieła chronologicznie w Prado, widzi rękę, która stopniowo przestaje się ukrywać.

Paleta i czarne podłoże

Od lat 90. XVIII wieku Goya w coraz większym stopniu pracuje na ciemnych tonach podkładu. Nakłada światło cienką warstwą na głębokie brunatnoczarne tło, mniej więcej tak jak Caravaggio robił to dwa stulecia wcześniej, lecz bez jego ostrych konturów. Światło Goi jest mgliste i niepewne. W obrazie Trzeci maja 1808 roku całe światło pochodzi z jednej latarni na ziemi; rozwiązanie techniczne jest zarazem dramaturgiczne: jedynym widocznym człowiekiem jest ten, który ma umrzeć.

Pociągnięcia pędzla i niedokończenie

W późnych dziełach Goya pracuje szpachelką, szmatą, a nawet kciukiem. Farbę nakłada grubymi, nieregularnymi płatami, miejscami pozostawiając widoczne podłoże. Przez długi czas uważano to za niedbałość, przez co jego późna twórczość była niedoceniana przez większą część XIX wieku. Dziś te same pociągnięcia pędzla postrzega się jako bezpośredni zwiastun ekspresjonizmu oraz całej idei, że powierzchnia obrazu może sama w sobie nieść emocje.

Portret jako psychologia

Jako portrecista Goya miał wyjątkową zdolność sprawiania, że strój stawał się wspaniały, a spojrzenie nagie. Jego portrety księżnej Alby, pisarza Leandra Fernándeza de Moratína i hrabiny Chinchón ukazują osoby uchwycone w samym środku myśli, a nie pozujące. Technicznie osiąga ten efekt, malując twarz znacznie większą liczbą cieńszych warstw niż resztę płótna, dzięki czemu skóra zyskuje wewnętrzny blask, podczas gdy tkanina jest traktowana szybko i pobieżnie.

Goya jako grafik – Los Caprichos i groza wojny

Goya jest jednym z najwybitniejszych grafików w historii sztuki, porównywalnym z Rembrandtem van Rijnem. Pracował głównie w technice akwaforty połączonej z akwatintą, która za pomocą żywicy i kwasu tworzy spójne szarości zamiast samych linii. Rezultatem jest świat obrazów zbudowany z mgły, cienia i nagłych pól światła.

Los Caprichos (1799)

Los Caprichos składa się z 80 rycin wykonanych techniką akwaforty i akwatinty w latach 1797–1798, a wydanych jako album w lutym 1799 roku. Cykl jest systematyczną satyrą na hiszpańskie społeczeństwo końca XVIII wieku: aranżowane małżeństwa, prostytucję, chciwość duchowieństwa, kazirodcze małżeństwa arystokracji, ludową wiarę w czarownice i duchy. Najsłynniejsza jest rycina numer 43, El sueño de la razón produce monstruos, przedstawiająca śpiącego mężczyznę przy biurku, otoczonego przez sowy i nietoperze.

Publikacja okazała się katastrofą biznesową i ryzykiem politycznym. Już czternaście dni po wystawieniu albumu na sprzedaż Goya wycofał pozostałe egzemplarze z obawy przed inkwizycją, gdy jego protektor Manuel Godoy stracił władzę. W 1803 roku przekazał miedziane płyty i niesprzedane albumy koronie w zamian za dożywotnią rentę dla syna Javiera.

Groza wojny (około 1810–1820)

Los Desastres de la Guerra obejmuje 82 plansze i przedstawia hiszpańską wojnę o niepodległość przeciw Napoleonowi, głód w Madrycie w latach 1811-1812 oraz późniejszą reakcję polityczną. Plansze ukazują okaleczenia, egzekucje, gwałty i masowe groby, bez jakiejkolwiek upiększającej oprawy. Podpisy są krótkie i gorzkie: „Nie można patrzeć”, „To widziałem”, „Dlaczego?”. Cykl nigdy nie został opublikowany za życia Goi; po raz pierwszy wydano go w 1863 roku, 35 lat po jego śmierci, nakładem Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Nationalmuseum w Sztokholmie ma w swoich zbiorach plansze z tego cyklu.

Czarne obrazy i Quinta del Sordo

W 1819 roku Goya kupił piętrowy dom pod Madrytem, nad rzeką Manzanares. Dom już wcześniej nazywano Quintą del Sordo, czyli Domem Głuchego, od nazwiska poprzedniego właściciela, ale nazwa równie dobrze pasowała do nowego właściciela. Tutaj, najprawdopodobniej między 1820 a 1823 rokiem, liczący już ponad siedemdziesiąt lat Goya namalował czternaście obrazów bezpośrednio na tynku ścian, w dwóch pomieszczeniach, bez zleceniodawcy i bez zamiaru ich pokazywania.

Co przedstawiają?

Motywy nie tworzą spójnego programu. Saturn pożerający swojego syna przedstawia boga w chwili, gdy pożera ciało, z szeroko otwartymi oczami. Pies pokazuje małą głowę zwierzęcia, która ledwie wystaje z ochrowej masy, podczas gdy reszta obrazu pozostaje pusta. Pielgrzymka do San Isidro ukazuje mozolący się tłum o wykrzywionych twarzach, podążający przez mroczny krajobraz. Dwaj starcy jedzący zupę, sabaty czarownic, kobieta przy kracie. Tytuły nie pochodzą od Goi, lecz zostały nadane później.

Od ściany do płótna

Obrazy odkryto dopiero po śmierci Goi w 1828 roku i przez dziesięciolecia pozostawały na ścianach. W latach 70. XIX wieku ówczesny właściciel, baron Frédéric Émile d'Erlanger, polecił przenieść je z tynku na płótno; była to brutalna ingerencja techniczna, która uszkodziła powierzchnie i sprawiła, że kolory stały się ciemniejsze, niż były pierwotnie. Dzieła pokazano na wystawie światowej w Paryżu w 1878 roku, ale nie znalazły nabywcy, i w 1881 roku przekazano je w darze państwu hiszpańskiemu. Od tamtej pory wszystkie czternaście znajdują się w Museo del Prado w Madrycie, gdzie zajmują osobny, spójny zespół sal.

W 2025 roku Prado rozpoczęło zakrojone na szeroką skalę przemieszczanie dzieł w salach poświęconych XVIII wiekowi i Goi; proces ten, którego ostatnim etapem są tak zwane sale Goi 32-38 na pierwszym piętrze, będzie kontynuowany w 2026 roku. Celem jest wyraźniejsze ukazanie zwiedzającym chronologii i powiązań w kolekcji.

Dziedzictwo i wpływ Goi

Historia oddziaływania Goi jest wyjątkowo długa. W drugiej połowie XIX wieku stał się kluczową postacią dla francuskich realistów i Maneta, który widział w nim prekursora malarstwa pozbawionego retoryki. Baudelaire pisał o nim już w 1857 roku i podkreślał właśnie to zespolenie rzeczywistości i fantastyki. W XX wieku Goya stał się niezbędny dla surrealizmu, który dostrzegał w Los Caprichos wczesną eksplorację snu i nieświadomości.

Guernica Picassa z 1937 roku jest nie do pomyślenia bez Trzeciego maja 1808: ten sam format zbiorowego cierpienia, ta sama odmowa ukazywania przemocy jako pięknej. W okresie powojennym Goya stał się punktem odniesienia dla artystów zajmujących się wojną i przemocą polityczną - od Roberta Motherwella po braci Chapmanów, którzy w 1999 roku kupili oryginalne wydanie Okropności wojny i poddali je artystycznej reinterpretacji.

Zainteresowanie wystawiennicze nie osłabło. Fondation Beyeler w Bazylei prezentowała od 10 października 2021 do 23 stycznia 2022 jedną z największych wystaw Goi, jakie kiedykolwiek zorganizowano poza Hiszpanią, obejmującą 181 dzieł: 77 obrazów, 53 grafiki i 51 rysunków, przygotowaną we współpracy z Prado. Na rynku aukcyjnym jego dzieła są rzadkością; w styczniu 2023 roku Christie's w Nowym Jorku odnotował rekordowe ceny za dwa portrety Goi, w ramach łącznych obrotów domu aukcyjnego Old Masters wynoszących 62,7 miliona dolarów, a trzy odnalezione szkice Goi, zaginione przez 130 lat, przyniosły około 8 milionów dolarów.

Goya jako sztuka w domu

Goya nie jest oczywistym artystą, z którym łatwo żyć, i właśnie dlatego tak dobrze się sprawdza. Podczas gdy plakat znanego artysty często wybiera się ze względu na jego urodę, Goi wybiera się ze względu na jego emocjonalny ładunek. To stawia wymagania miejscu ekspozycji.

Wybierz właściwe oblicze Goi

Dorobek Goi obejmuje dwa skrajne bieguny, które wymagają różnych wnętrz. Jasne sceny rodzajowe z kartonów do tapiserii, z żółtymi, jasnozielonymi i różowymi akordami, pasują do stref wypoczynkowych i jadalni; mają tę samą słoneczną lekkość co świat rokoka. Grafiki z cyklu Los Caprichos, z czarno-białą skalą szarości, pasują do gabinetu, przedpokoju lub klatki schodowej, gdzie przechodzimy i zatrzymujemy się na chwilę. Spójne zestawienie czarno-białych plakatów z grafikami daje uporządkowany, niemal muzealny efekt.

Oprawianie i odległość

Grafiki Goi są niewielkie w oryginale, często mają około 20 × 15 centymetrów, dlatego dobrze znoszą hojnie wymierzone passe-partout. Szeroka biała lub kremowa tektura o szerokości od czterech do sześciu centymetrów zapewnia odbitce oddech i sygnalizuje, że jest to dzieło graficzne, a nie dekoracja. W przypadku malarstwa obowiązuje zasada przeciwna: ciemne płótna zyskują dzięki wąskiej, ciemnej ramie z czarno bejcowanego lub ciemnobrązowego drewna, która pozwala obrazowi wychodzić dalej w przestrzeń. Przeczytaj nasz przewodnik po tym, jak oprawiać dzieła sztuki, aby poznać informacje dotyczące wymiarów i wyboru materiałów.

Wskazówki: Nigdy nie wieszaj ciemnej pracy Goi naprzeciw okna, w miejscu bezpośrednio oświetlonym światłem wpadającym z tyłu. Czarne partie pochłaniają światło i obraz staje się lustrzany. Umieść dzieło na ścianie prostopadłej do źródła światła albo na ścianie z oknem i uzupełnij o kierunkowe oświetlenie obrazu o temperaturze około 2700 kelwinów. Ciepłe światło znacznie wierniej oddaje ochrowożółte i rdzawobrązowe tony Goi niż chłodne białe oświetlenie.

Połącz Goyę z inną sztuką

Goya dobrze komponuje się z inną klasyczną sztuką baroku i romantyzmu, ale najciekawszy efekt powstaje w kontraście. Grafika z cyklu Los Caprichos umieszczona obok czysto geometrycznego motywu tworzy napięcie między rozumem a wyobraźnią, o którym pisał sam Goya. W spójnej aranżacji Goya powinien być punktem centralnym: mieć największy format i największą wagę wizualną, znajdować się na wysokości oczu, a pozostałe motywy powinny być rozmieszczone wokół niego. Nasz przewodnik po ścianie obrazów omawia najważniejsze zasady, a w przewodniku po salonie znajdziesz konkretne propozycje wymiarów. Jeśli nie masz pewności, który motyw pasuje do Twojego wnętrza, przeczytaj, jak wybrać odpowiednią sztukę.

Goya w Szwecji – kolekcja Nationalmuseum

Szwecja ma zaskakująco bogatą kolekcję dzieł Goi. Nationalmuseum w Sztokholmie posiada cztery obrazy, jeden rysunek oraz dużą liczbę pojedynczych grafik i oprawionych albumów. Kolekcja obejmuje tym samym różne role Goi: portrecisty, alegorysty, rysownika i grafika.

Dwa z obrazów to wielkie alegorie zamówione przez pierwszego ministra Manuela Godoya na początku XIX wieku: Poezja i Prawda, Czas i Historia. Ten drugi obraz olejny, datowany zwykle na około 1812–1814 rok, należy do Nationalmuseum od 1961 roku i jest jednym z najważniejszych zagranicznych nabytków muzeum w okresie powojennym. Motyw przedstawia uskrzydlony Czas wydobywający nagą Prawdę, podczas gdy Historia robi notatki. To program oświeceniowy przedstawiony w formie obrazu, namalowany w samym środku wojny, która utrudniała podtrzymanie optymizmu Oświecenia.

Zainteresowanie kolekcją wciąż jest żywe. 6 marca 2026 roku odbył się wykład „Goya w zbiorach Nationalmuseum” z udziałem hiszpańskiego historyka sztuki José Ignacia Calvo Ruaty, który omówił dzieła Goi znajdujące się w muzeum, dzieło po dziele. Osoby, które chcą zobaczyć oryginały, mogą zazwyczaj skorzystać z wizyty studyjnej w muzeum, natomiast obrazy są prezentowane w stałych zbiorach. Więcej informacji można znaleźć w artykule Wikipedii o Goi lub w bazie zbiorów Museo del Prado.

Oś czasu

1746 – Francisco José de Goya y Lucientes rodzi się 30 marca w Fuendetodos w Aragonii, jako syn złotnika.

1760 – W wieku czternastu lat rozpoczyna naukę u malarza Joségo Luzána y Martíneza w Saragossie.

1770–1771 – Odbywa podróż studyjną do Rzymu na własny koszt; w 1771 roku otrzymuje wyróżnienie w konkursie akademii sztuk pięknych w Parmie.

1773 – Poślubia JoseFę Bayeu, siostrę malarza nadwornego Francisco Bayeu, co otwiera mu drogę na dwór.

1775–1791 – Wykonuje 63 kartony do tapiserii dla Królewskiej Manufaktury Tapiserii Santa Bárbara, w tym Parasolkę w 1777 roku.

1789 – Zostaje mianowany malarzem nadwornym świeżo koronowanego Karola IV.

1792–1793 – Zapada na ciężką chorobę w Andaluzji i do końca życia pozostaje niemal całkowicie głuchy.

1799 – W lutym publikuje Los Caprichos i w tym samym roku zostaje mianowany pierwszym malarzem nadwornym. Album zostaje wycofany po czternastu dniach.

1800–1801 – Maluje wielki portret grupowy Rodzina Karola IV, 280 × 336 centymetrów.

1808–1814 – Hiszpańska wojna o niepodległość. Goya pracuje nad Okropnościami wojny i maluje w 1814 roku Drugiego maja 1808 oraz Trzeciego maja 1808.

1819 – Kupuje Quinta del Sordo pod Madrytem; zapada na drugą zagrażającą życiu chorobę.

1820 – Maluje Autoportret z doktorem Arrietą, znajdujący się obecnie w Minneapolis Institute of Art.

1820–1823 – Wykonuje czternaście Czarnych obrazów bezpośrednio na ścianach Quinta del Sordo.

1824 – Opuszcza Hiszpanię z powodów politycznych i osiedla się w Bordeaux.

1828 – Umiera 16 kwietnia w Bordeaux, w wieku 82 lat.

1863 – Okropności wojny zostają opublikowane po raz pierwszy, 35 lat po śmierci Goi.

1881 – Czarne obrazy zostają podarowane państwu hiszpańskiemu i przewiezione do Museo del Prado.

Powiązani artyści i kierunki

Goya stoi jedną nogą w baroku, a drugą w romantyzmie, a jednocześnie w praktyce wynajduje wiele z tego, co później nazwano malarstwem nowoczesnym. Jego pokrewieństwo techniczne z Rembrandtem dotyczy przede wszystkim grafiki, podczas gdy jego operowanie światłem wywodzi się od Caravaggia. Linie prowadzą dalej, ku Manetowi, ekspresjonizmowi i Picassowi.

Jeśli chcesz umieścić Goyę w szerszym kontekście, na stronie poświęconej historii sztuki znajdziesz cały nasz przegląd epok. Pełną listę naszych stron informacyjnych o artystach i kierunkach znajdziesz w Bazie wiedzy.

Najczęściej zadawane pytania dotyczące Francisca Goi

Jeśli chcesz mieć w domu coś ze świata obrazów hiszpańskiego mistrza, cały nasz wybór motywów z historii sztuki znajdziesz wśród plakatów znanych artystów. Wszystkie motywy drukujemy na papierze z certyfikatem FSC w Szwecji, a przy zamówieniu możesz od razu uzupełnić je o ramę dębową, czarną lub białą.