Sztuka uliczna i street art – historia ruchu artystycznego, techniki i cechy charakterystyczne

Sztuka uliczna to ruch artystyczny, który przeniósł sztukę z muzeów na fasady, ogrodzenia, skrzynki elektryczne i wagony metra - a stamtąd z powrotem do domów aukcyjnych, galerii i w końcu do mieszkań w postaci plakatów. Żaden inny nurt w historii sztuki nie przeszedł tak szybko od przestępstwa do dziedzictwa kulturowego. W ciągu niewiele ponad pięćdziesięciu lat ta forma przeszła drogę od podpisu dwunastoletniego chłopca na terenie placówki wychowawczej w Filadelfii do pociętego dzieła, które sprzedano na aukcji w Sotheby's za 18,6 miliona funtów.

Ta strona informacyjna wyjaśnia, czym właściwie jest sztuka uliczna, czym różni się od graffiti, jakie techniki są stosowane, którzy artyści ukształtowali ten ruch i jak wygląda on w Szwecji - od sztokholmskiej polityki zerowej tolerancji po muralowe fasady Malmö. Na koniec przyglądamy się temu, co najważniejsze dla osób, które chcą mieć ten styl na ścianie: jak język formalny sztuki ulicznej sprawdza się jako drukowana sztuka w domowym wnętrzu i jakie motywy najlepiej prezentują się w ramie.

Spis treści
↓ Czym jest sztuka uliczna?
↓ Historia sztuki ulicznej - od Filadelfii po cały świat
↓ Techniki i formy wyrazu
↓ Artyści, którzy ukształtowali ten ruch
↓ Sztuka uliczna w Szwecji
↓ Od fasady do domu aukcyjnego
↓ Sztuka uliczna jako drukowana sztuka w domu
↓ Oś czasu
↓ Powiązane ruchy artystyczne
↓ Często zadawane pytania o sztukę uliczną

Czym jest sztuka uliczna?

Sztuka uliczna to ogólne określenie sztuki wizualnej tworzonej w przestrzeni publicznej, najczęściej bez zleceniodawcy i zwykle z przechodniem jako jedynym odbiorcą. W języku angielskim termin ten brzmi street art, a w porządku pojęć Wikidanych definiuje się go jako sztukę, która ze swej natury jest publiczna i tymczasowa - w samej formie zawarta jest możliwość zamalowania, usunięcia lub zniszczenia dzieła przez działanie czynników atmosferycznych. Odróżnia to sztukę uliczną od zamówionego dzieła w przestrzeni publicznej, które ma pozostać na miejscu.

Najczęstszym nieporozumieniem jest przekonanie, że sztuka uliczna i graffiti to to samo. Są ze sobą historycznie powiązane, ale różnią się celem. Graffiti w klasycznej formie opiera się na nazwie: artysta pisze swój własny pseudonim, a jakość oceniają inni twórcy na podstawie prowadzenia linii, kolorystyki i ryzyka. Sztuka uliczna opiera się na obrazie i jest skierowana na zewnątrz - do ogółu odbiorców, często z przekazem, który można odczytać bez wcześniejszej wiedzy. Przejście od litery do obrazu nastąpiło w latach 80., gdy studenci sztuki w Nowym Jorku zaczęli pracować z tymi samymi materiałami co twórcy graffiti, ale przyświecały im zupełnie inne cele.

Szybkie fakty: Sztuka uliczna wyrosła z kultury graffiti w USA. Za pierwszego nazwanego twórcę graffiti uznaje się Cornbreada (Darryla McCraya) z Filadelfii, który zaczął tagować w 1965 roku. Przełom medialny nastąpił 21 lipca 1971 roku, gdy The New York Times opublikował artykuł o TAKI 183. Keith Haring wykonał w nowojorskim metrze ponad 5000 rysunków kredą w latach 1980-1985. Blek le Rat wprowadził technikę szablonową w Paryżu na początku lat 80. Wystawę Banksy'ego w Bristol Museum w 2009 roku odwiedziło ponad 300 000 osób w ciągu dwunastu tygodni. Najdroższym dziełem związanym ze sztuką uliczną sprzedanym na aukcji jest beztytułowy obraz Jean-Michela Basquiata z 1982 roku, sprzedany za 110,5 miliona dolarów w domu aukcyjnym Sotheby's w maju 2017 roku. Sztokholmska polityka zerowej tolerancji wobec graffiti obowiązywała w latach 2007-2014.

Historia sztuki ulicznej - od Filadelfii po świat

Prehistoria ruchu jest tak stara jak ściana. Rytowane napisy w Pompejach, bazgroły w średniowiecznych kościołach i polityczne hasła na murach XIX-wiecznych fabryk należą do tego samego ludzkiego impulsu. Jednak ruch, który dziś nazywamy sztuką uliczną, ma możliwe do prześledzenia początki w powojennych amerykańskich miastach i rozwijał się w trzech wyraźnych fazach.

Cornbread i Filadelfia 1965-1967

Darryl McCray, znany jako Cornbread, wypisywał swój pseudonim na ścianach placówki resocjalizacyjnej dla młodzieży, w której przebywał, a po zwolnieniu w 1967 roku kontynuował to w swojej dzielnicy w północnej Filadelfii. Zwykle uznaje się go za pierwszego współczesnego twórcę graffiti - nie dlatego, że jako pierwszy pisał na ścianach, lecz dlatego, że jako pierwszy robił to systematycznie, posługując się konsekwentnie jednym pseudonimem i wyraźnie dążąc do tego, by być widocznym w całym mieście. Ta logika nadal napędza sztukę uliczną: powtarzalność tworzy rozpoznawalność, a rozpoznawalność tworzy obecność.

TAKI 183 i nowojorskie metro

W Nowym Jorku zjawisko nabrało rozpędu w latach 1969-1971. Młody posłaniec z Washington Heights, znany jako TAKI 183, wypisywał swój pseudonim na całej trasie swoich kursów. 21 lipca 1971 roku The New York Times opublikował artykuł „TAKI 183 Spawns Pen Pals” i trudno przecenić jego wpływ. Z dnia na dzień lokalne zjawisko przerodziło się w rywalizację: setki młodych ludzi zaczęły wypisywać swoje imiona, a metro stało się siecią ich rozpowszechniania. Pociąg pomalowany w Bronksie tego samego dnia był widoczny na Manhattanie. Po raz pierwszy sztuka zyskała system dystrybucji, któremu żadna galeria nie mogła dorównać.

Od litery do obrazu - przełom lat 80.

Około 1980 roku studenci School of Visual Arts w Nowym Jorku zaczęli poruszać się w tych samych środowiskach co grafficiarze. Zabrali ze sobą puszkę sprayu, ale porzucili logikę podpisu. Keith Haring zaczął rysować białą kredą na czarnych arkuszach papieru zakrywających niewynajęte powierzchnie reklamowe w metrze; w latach 1980-1985 powstało ponad 5 000 rysunków. Jean-Michel Basquiat przeszedł od kryptograficznych napisów SAMO na Lower East Side do płótna i galerii w ciągu zaledwie kilku lat. Równolegle Blek le Rat w Paryżu rozwinął technikę szablonu w odrębny język obrazów, tworząc naturalnej wielkości szczury. Pod koniec dekady po obu stronach Atlantyku ugruntował się postmodernistyczny ruch artystyczny, w którego centrum znalazł się obraz - nie podpis.

Techniki i formy wyrazu

Techniki sztuki ulicznej mają wspólne podstawowe warunki: muszą działać szybko, w dzień lub w nocy, często bez drabiny i zawsze bez możliwości powrotu i poprawienia pracy. Ukształtowało to język form o wysokim kontraście, wyraźnych konturach i ograniczonej palecie - te same cechy sprawiają, że motywy dobrze prezentują się w druku.

Szablon

Szablon wycina się w kartonie, plastiku lub blasze, a następnie nanosi farbę w sprayu przez jego otwory. Technika trafiła do sztuki ulicznej za sprawą Bleka le Rata w Paryżu na początku lat 80. XX wieku, a dzięki Banksy’emu stała się najbardziej znanym środkiem wyrazu tego ruchu. Jej zaletą jest szybkość: gotowy szablon pozwala stworzyć złożony motyw w kilka sekund. Pod względem estetycznym daje graficzny, niemal plakatowy rezultat z ostrymi krawędziami i wyraźnymi polami, spokrewniony z politycznymi drukami z początku XX wieku. To właśnie graficzna oszczędność sprawia, że motywy szablonowe najlepiej przekładają się na plakaty graficzne.

Malarstwo muralowe

Mural jest przeciwieństwem sztuki ulicznej pod względem tempa: wielkoformatowy, czasochłonny i niemal zawsze tworzony za zgodą. Współczesna fala murali wyłoniła się z formatu festiwalowego w latach 2010. i nadała całym dzielnicom nowe fasady. Spotykają się tu sztuka uliczna i dziedzictwo meksykańskiego muralizmu, a pod względem technicznym praca zbliża się do klasycznego malarstwa ściennego - ze szkicami, siatkami i podnośnikiem.

Sztuka naklejek i plakatowanie

Wydrukowanie motywu z wyprzedzeniem i naklejenie go na miejscu to najszybsza metoda ze wszystkich. Shepard Fairey oparł całą swoją kampanię „Obey Giant” na naklejkach i plakatach od 1989 roku, a technika ta łączy sztukę uliczną bezpośrednio z tradycją plakatową Belle Époque. Ci, którzy chcą zrozumieć ten związek, mogą przeczytać naszą stronę informacyjną o Henrim de Toulouse-Lautrecu, który już w latach 90. XIX wieku tworzył litografie przeznaczone do oglądania z daleka w miejskiej przestrzeni.

Mozaika, dzierganie i inne materiały

Sztuka uliczna nie jest związana z farbą. Francuski artysta Invader od 1998 roku umieszcza w ponad 30 krajach mozaiki z kafelków przedstawiające postacie z gier arcade z lat 70. XX wieku. Dziane graffiti pokrywa poręcze i słupy przędzą. Pojawiają się także obrazy z koralików, ceramika i rzeźby z cementu. Wspólnym mianownikiem nie jest materiał, lecz miejsce: dzieło powstaje po to, by spotkać je przypadkiem.

Artyści, którzy ukształtowali ten ruch

Sztuka uliczna nie ma manifestu ani list członków, ale około dziesięciu nazwisk miało decydujące znaczenie dla tego, jak ruch wygląda dziś. Pięć z nich pojawia się w każdej poważnej prezentacji.

Keith Haring (1958–1990)

Haring najwyraźniej wyraził demokratyczne ambicje tego ruchu. Jego rysunki w metrze z lat 1980–1985 były bezpłatne, dostępne i celowo łatwe do odczytania: tańczące postacie, promieniujące niemowlęta, szczekające psy. W 1986 roku otworzył w SoHo Pop Shop, aby sprzedawać swoje motywy tanio na koszulkach i drukach - posunięcie krytykowane przez świat sztuki, ale oparte na konsekwentnej postawie. Sztuka miała docierać do większej liczby osób niż tylko tych, którzy chodzili na wernisaże.

Jean-Michel Basquiat (1960–1988)

Basquiat zaczynał jako połowa duetu SAMO, który pod koniec lat 70. XX wieku umieszczał na budynkach Manhattanu zagadkowe aforyzmy. Później przeniósł się na płótno i stał się najbardziej znanym młodym malarzem dekady, zanim zmarł w wieku 27 lat. Jego beztytułowy obraz z 1982 roku, przedstawiający czaszkopodobną postać wykonaną olejem, akrylem i farbą w sprayu, został kupiony w 1984 roku przez małżeństwo Spiegelów za 19 000 dolarów, a w maju 2017 roku sprzedany w Sotheby's japońskiemu kolekcjonerowi Yusaku Maezawie za 110,5 miliona dolarów. Licytacja trwała dziesięć minut.

Blek le Rat (ur. 1951)

Xavier Prou, działający jako Blek le Rat, zobaczył tagi TAKI 183 podczas podróży do Nowego Jorku i postanowił stworzyć coś własnego, zamiast kopiować. Rezultatem były szablony i naturalnej wielkości szczury na paryskich ulicach z 1981 roku. Zwykle nazywa się go ojcem europejskiej sztuki ulicznej, a jego twórczość jest bezpośrednim pierwowzorem znacznej części tego, co później zaczęto postrzegać jako typowo brytyjskie.

„Za każdym razem, gdy myślę, że namalowałem coś oryginalnego, okazuje się, że Blek le Rat zrobił to dwadzieścia lat wcześniej”. – Banksy o swoim poprzedniku

Banksy (działający od lat 90. XX wieku)

Anonimowy artysta z Bristolu jest najbardziej znanym twórcą tego ruchu i tym, który najbardziej świadomie wykorzystywał mechanizmy świata sztuki jako tworzywo. Latem 2009 roku przejął Bristol Museum and Art Gallery na dwanaście tygodni; wystawa była bezpłatna i przyciągnęła ponad 300 000 odwiedzających. W 2015 roku wraz z 58 zaproszonymi artystami zbudował park rozrywki Dismaland w Weston-super-Mare, który w ciągu pięciu tygodni odwiedziło 150 000 osób. W marcu 2017 roku w Betlejem otwarto The Walled Off Hotel, z dziewięcioma pokojami urządzonymi przez artystów. Autentyczność jego dzieł potwierdza organizacja Pest Control, która jest jedyną instancją uprawnioną do potwierdzania ich autentyczności.

Shepard Fairey (ur. 1970)

Fairey rozpoczął w 1989 roku kampanię naklejkową, która stała się „Obey Giant”, i wypracował język form z ciężkimi czerwono-czarnymi polami oraz konstruktywistycznymi kątami. Jego portret Baracka Obamy z 2008 roku, z napisem HOPE poniżej, stał się najbardziej rozpowszechnionym obrazem amerykańskiej kampanii wyborczej i wzorcowym przykładem tego, jak grafika sztuki ulicznej może przeniknąć do debaty politycznej. Pokrewieństwo z rosyjską tradycją wizualną jest wyraźne, co omawiamy na stronie faktograficznej o konstruktywizmie.

Sztuka uliczna w Szwecji

Szwecja ma jedną z najbardziej dyskutowanych w Europie relacji ze sztuką uliczną, a szwedzka historia dotyczy w równym stopniu polityki, co estetyki.

Lata zerowej tolerancji 2007-2014

W 2007 roku, za rządów mieszczańskiego sojuszu, władze Sztokholmu przyjęły politykę dotyczącą graffiti, która stanowiła, że miasto nie będzie uczestniczyć w działalności ani wspierać przedsięwzięć, które nie odcinały się wyraźnie od graffiti. Polityka opierała się na teorii „wybitych szyb” i w praktyce oznaczała, że nielegalne malowidła miały być szybko usuwane, a gmina nie mogła angażować się w wydarzenia związane z tym nurtem. W międzynarodowej prasie określano ją jako najbardziej rygorystyczne stanowisko w Europie. W październiku 2014 roku czerwono-zielona większość zniosła politykę zerowej tolerancji, a kwestia legalnych ścian od tego czasu powraca w każdej kadencji.

Artscape i szwedzka fala murali

Równolegle z debatą sztokholmską w południowej Szwecji rozwijał się zupełnie inny ruch. Organizacja Artscape powstała w Malmö w 2014 roku, a w 2016 roku zorganizowała w Göteborgu wydarzenie opisywane jako największy festiwal sztuki ulicznej w Skandynawii, podczas którego artystom udostępniono 22 ściany w całym mieście. Od tego czasu Malmö zbudowało jedną z najgęstszych w krajach nordyckich kolekcji wielkoformatowych malowideł na fasadach, a kilka mniejszych gmin - od Torsby po Ale - poszło w jego ślady, tworząc własne programy murali. W Rågsved na południe od Sztokholmu teren przemysłowy Snösätra w latach 2014-2017 rozrósł się do jednego z największych legalnych miejsc do malowania w Europie, z tysiącami metrów kwadratowych fasad i corocznym przemalowywaniem pod koniec maja.

Od fasady do domu aukcyjnego

Żaden ruch artystyczny nie przeszedł szybszej zmiany statusu. 110,5 miliona dolarów uzyskane przez Basquiata w 2017 roku stanowiło wówczas najwyższą cenę zapłaconą za dzieło amerykańskiego artysty i szóstą najwyższą cenę za obraz w ogóle. Cztery lata później doszło do najbardziej teatralnego wydarzenia rynkowego w historii ruchu: Girl with Balloon Banksy'ego zostało sprzedane na aukcji w Sotheby's w październiku 2018 roku za nieco ponad milion funtów, po czym uruchomiła się ukryta w ramie niszczarka dokumentów i pocięła dolną połowę dzieła. Częściowo zniszczone dzieło przemianowano na Love is in the Bin i sprzedano w październiku 2021 roku za 18,6 miliona funtów - przy cenie wywoławczej od czterech do sześciu milionów. Dziewięciu licytujących walczyło przez dziesięć minut.

Rozwój ten stworzył zasadnicze napięcie, którego ruch wciąż nie rozwiązał. Sztukę uliczną definiuje to, że jest bezpłatna, tymczasowa i związana z konkretnym miejscem. Gdy dzieło zostaje wycięte z fasady i przeniesione do katalogu aukcyjnego, traci dwie z tych trzech cech. Wielu artystów odpowiedziało na to, świadomie tworząc edycje: sygnowane wydruki i sitodruki sprzedawane bezpośrednio publiczności po przystępnych cenach. To ta sama logika, na której Haring oparł Pop Shop w 1986 roku, i bezpośrednie wyjaśnienie, dlaczego motywy sztuki ulicznej stały się tak powszechne jako sztuka drukowana.

Sztuka uliczna jako sztuka drukowana w domu

Język form sztuki ulicznej został stworzony tak, aby można go było odczytać z odległości dziesięciu metrów przez osobę przechodzącą obok. Dzięki temu wyjątkowo dobrze sprawdza się w druku: motywy można przycinać, zachowują swoją siłę w małym formacie i nie wymagają znajomości historii sztuki, aby działać. Jednocześnie istnieją pułapki. Motyw, który na betonowym murze był prowokacyjny, może wydać się płaski na białej ścianie, jeśli zostanie niewłaściwie umieszczony.

Umiejscowienie i format

Sztuka uliczna najlepiej prezentuje się, gdy może dominować. Duży motyw umieszczony samodzielnie na ścianie lepiej odtwarza pierwotne doświadczenie niż sześć małych prac w jednym rzędzie. Zamiast zestawu wybierz raczej format 50×70 lub 70×100 centymetrów i powieś go nisko - najlepiej tak, aby środek motywu znajdował się na wysokości wzroku, około 145 centymetrów nad podłogą. W pomieszczeniu z wysokim sufitem lub widocznymi instalacjami wzajemne oddziaływanie staje się szczególnie wyraźne; nasz przewodnik po brutalizmie jako stylu wnętrzarskim wyjaśnia, jak surowy beton i graficzne motywy wzajemnie się wzmacniają.

Kolor, rama i kontekst

Czarno-białe motywy szablonowe z jednym akcentem kolorystycznym to najbardziej charakterystyczny wyraz tego nurtu, a zarazem rozwiązanie, które najlepiej zachowuje aktualność przez lata. Pasują praktycznie do każdego koloru ściany i dobrze komponują się z czarno-białymi plakatami. Jeśli zależy Ci na większej energii, kolorowe motywy muralowe lepiej zestawić z abstrakcyjnymi plakatami. Wybór ramy decyduje o charakterze aranżacji: czarna metalowa rama podkreśla miejski styl, natomiast jasny dąb łagodzi całość i sprawia, że motyw wygląda bardziej jak element wystroju niż surowa dekoracja. Na ciemnej ścianie potrzebna jest szczególna rozwaga, co wyjaśniamy w poradniku zakupu plakatów na ciemne ściany.

Wskazówka: Motywy sztuki ulicznej dobrze komponują się z typografią. Połącz graficzny motyw z obrazem z tekstem w takiej samej oprawie – odtworzysz uliczne połączenie obrazu i przekazu bez wprowadzania chaosu do wnętrza. Ogranicz się do dwóch rodzajów ram w jednej grupie ściennej i pozostaw co najmniej dziesięć centymetrów odstępu między ramami.

Oś czasu

1965 – Darryl McCray, Cornbread, zaczyna podpisywać się swoim pseudonimem w Filadelfii i zostaje uznany za pierwszego współczesnego writer'a graffiti.

1971 – The New York Times publikuje 21 lipca artykuł o TAKI 183. Graffiti zyskuje ogólnokrajową uwagę i gwałtownie rozprzestrzenia się w Nowym Jorku.

1980 – Keith Haring zaczyna rysować kredą na pustych miejscach reklamowych w nowojorskim metrze. Do 1985 roku powstaje ponad 5 000 prac.

1981 – Blek le Rat maluje sprayem swoje pierwsze szczury-szablony w Paryżu i wprowadza tę technikę do europejskiej sztuki ulicznej.

1986 – Haring otwiera Pop Shop w SoHo i udostępnia swoje motywy w postaci niedrogich grafik i tkanin.

1989 – Shepard Fairey rozpoczyna kampanię naklejkową, która przeradza się w Obey Giant.

1998 – Invader umieszcza swoje pierwsze mozaiki z płytek w Paryżu; projekt rozrasta się później do ponad 30 krajów.

2007 – Władze Sztokholmu przyjmują politykę graffiti zakładającą zerową tolerancję wobec graffiti.

2009 – Banksy przejmuje Bristol Museum and Art Gallery na dwanaście tygodni i przyciąga ponad 300 000 odwiedzających.

2014 – Artscape powstaje w Malmö. W tym samym roku Sztokholm znosi politykę zerowej tolerancji, a teren przemysłowy Snösätra zaczyna być wykorzystywany jako legalna przestrzeń do malowania.

2016 – Artscape organizuje w Göteborgu największy festiwal sztuki ulicznej w Skandynawii, obejmujący 22 ściany.

2017 – Beztytułowy obraz Basquiata z 1982 roku zostaje sprzedany za 110,5 miliona dolarów. The Walled Off Hotel Banksy'ego zostaje otwarty w marcu w Betlejem.

2021 – Love is in the Bin zostaje sprzedane w Sotheby's za 18,6 miliona funtów, co stanowi dotychczas najwyższą cenę dzieła Banksy'ego w historii tego nurtu.

Powiązane nurty artystyczne

Sztuka uliczna nie powstała w próżni. Dziedziczy trzy wyraźne tradycje. Z dadaizmu pochodzi chęć prowokowania instytucji oraz wykorzystywania codziennych materiałów jako sztuki. Z pop-artu wywodzą się estetyka masowej produkcji, nakład i świadome przekraczanie granicy w stronę reklamy – dziedzictwo szczególnie widoczne u Andy’ego Warhola, którego sitodruki uczyniły powtarzalność metodą artystyczną. Ze sztuki plakatowej i konstruktywizmu pochodzą graficzna surowość oraz przekonanie, że obraz powinien oddziaływać w przestrzeni publicznej, a nie w salonie.

Z szerszej perspektywy sztuka uliczna jest jedną z kilku odpowiedzi na to samo pytanie, które napędzało cały modernizm: kto ma prawo decydować o tym, co jest sztuką? Szersze omówienie epok znajduje się na naszej stronie poświęconej historii sztuki, a wszystkie strony faktograficzne zebrano w Bazie wiedzy. Angielskojęzyczną definicję pojęcia zawiera słownik Tate, a szwedzkojęzyczny artykuł Wikipedii o sztuce ulicznej przedstawia przegląd wraz z odniesieniami do źródeł.

Często zadawane pytania dotyczące sztuki ulicznej

Jeśli chcesz przenieść język formalny sztuki ulicznej do swojego domu, najłatwiej zacząć od wielkoformatowego motywu graficznego. Odkryj nasze graficzne plakaty, aby poznać oszczędne formy inspirowane szablonami, lub przeczytaj artykuł o Andym Warholu i linii stojącej za obrazem, jeśli chcesz zrozumieć, jak powtarzalność stała się sztuką na długo przed pojawieniem się sprayu.