Gustav Klimt – mistrz wiedeńskiej secesji, pocałunków i złotych figurek

Gustav Klimt jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych artystów w historii sztuki – człowiekiem, którego złocisty język wizualny przekształcił akademicką sztukę XIX wieku w coś zupełnie nowego. Dzięki połyskującym kompozycjom ze złotem płatkowym, śmiałym ornamentom i bezkompromisowej miłości do dekoracyjności tworzył dzieła, które wciąż poruszają, prowokują i fascynują ponad sto lat po jego śmierci. Nic dziwnego, że plakaty z Klimtem należą dziś do najpopularniejszych i najbardziej poszukiwanych reprodukcji artystycznych do szwedzkich domów.

Od przełomowego zerwania z wiedeńską instytucją artystyczną po słynny obraz Pocałunek – jedno z najczęściej reprodukowanych dzieł sztuki na świecie – dziedzictwo Klimta wciąż żyje w salach wystawowych, książkach o sztuce i na ścianach nowoczesnych domów. Ta strona opowiada wszystko, co musisz wiedzieć o Gustavie Klimcie: o jego życiu, technice, najważniejszych dziełach oraz o tym, jak wybrać odpowiedni plakat z Klimtem do własnego domu.

Spis treści

Kim był Gustav Klimt?
Secesja wiedeńska – przełom, który zmienił sztukę
Najważniejsze dzieło Klimta
Złoto, wzory i dekoracyjność – technika Klimta
Dziedzictwo Klimta i jego wpływ na sztukę nowoczesną
Plakaty Klimta w domu - motywy, pomieszczenia i rozmieszczenie
Oś czasu
Powiązani artyści
Najczęściej zadawane pytania dotyczące Gustava Klimta

Kim był Gustav Klimt?

Gustav Klimt urodził się 14 lipca 1862 roku w Baumgarten, na przedmieściach Wiednia, jako drugi z siedmiorga rodzeństwa w rodzinie robotniczej. Jego ojciec Ernst Klimt był złotnikiem i grawerem – zawód ten z dużym prawdopodobieństwem rozbudził w młodym Gustavie trwającą całe życie fascynację metalami szlachetnymi, powierzchniami i rzemieślniczym sposobem budowania obrazu. W wieku czternastu lat Klimt został przyjęty do Kunstgewerbeschule, wiedeńskiej szkoły rzemiosła artystycznego, gdzie kształcił się na malarza dekoracyjnego. Wraz z bratem Ernstem i przyjacielem Franzem Matschem założył odnoszącą sukcesy pracownię dekoratorską, która otrzymywała zlecenia na ozdabianie teatrów i pałaców w całej monarchii.

Było to życie w pełnym przemian Wiedniu. Miasto przechodziło gwałtowną modernizację: wytyczono Ringstrasse, rozebrano stare mury miejskie, a instytucje kultury wznoszono wspaniałych, nowych stylach. Klimt był częścią tego procesu, lecz wkrótce stał się tym, który zerwał z przeszłością. W latach 90. XIX wieku jego rozumienie sztuki pogłębiło się, a on sam zwrócił się ku symbolizmowi, mistycyzmowi i nowemu pojmowaniu tego, co obraz może osiągnąć poza czysto odtwórczym przedstawieniem.

Najważniejsze informacje: Gustav Klimt (1862–1918) · Austriacki artysta, symbolista i mistrz secesji · Założyciel Secesji Wiedeńskiej w 1897 roku · Najbardziej znany z obrazów Pocałunek (1907–08) i Adele Bloch-Bauer I (1907) · Złoty okres: ok. 1899–1910 · Pocałunek znajduje się w zbiorach Österreichische Galerie Belvedere w Wiedniu · Adele Bloch-Bauer I sprzedano w 2006 roku za 135 milionów dolarów – była to wówczas najwyższa cena zapłacona za dzieło sztuki · Inspirował się bizantyjskimi mozaikami w Rawennie

Klimt przez całe życie pozostał nieżonaty, ale miał kilka głębokich relacji, z których najbardziej znana była trwająca całe życie przyjaźń i prawdopodobnie związek miłosny z młodą projektantką mody Emilie Flöge. Zmarł 6 lutego 1918 roku na udar, niedługo po tym, jak I wojna światowa zakończyła znany mu świat. Miał 55 lat i pozostawił w swojej pracowni niedokończone dzieło Oblubienica.

Secesja wiedeńska – przełom, który zmienił sztukę

3 kwietnia 1897 roku Secesję wiedeńską założyło około czterdziestu artystów, architektów i projektantów z Gustavem Klimtem na czele, którzy odmawiali podporządkowania się konserwatywnej instytucji artystycznej. Klimt został pierwszym przewodniczącym ruchu. Wśród pozostałych założycieli wyróżniali się projektant Koloman Moser, architekci Josef Hoffmann i Joseph Maria Olbrich – autor projektu budynku secesji z jego słynną złotą kopułą z liści laurowych – oraz rzeźbiarz Edmund von Hellmer. Wkrótce potem dołączył do nich architekt Otto Wagner. Pełne omówienie historii ruchu, budynku, wystaw i rozłamu znajduje się na stronie informacyjnej poświęconej Secesji wiedeńskiej.

Secesja miała wyraźny manifest programowy: Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit – „Czasowi jego sztukę, sztuce jej wolność”. Te słowa nadal widnieją na fasadzie budynku secesji w Wiedniu. Ruch czerpał inspirację z podobnych przełomów w Monachium i Berlinie i postrzegał sztukę jako spójny projekt życiowy, w którym malarstwo, architektura, rzemiosło i wzornictwo tworzyły całość. To podstawa tego, co zwykle nazywa się Gesamtkunstwerk – dziełem sztuki totalnej.

Secesja zorganizowała 23 wystawy w latach 1898–1905, przedstawiła wiedeńskiej publiczności międzynarodowych artystów, takich jak Auguste Rodin, Ferdinand Hodler i Jan Toorop, oraz wydawała czasopismo Ver Sacrum („Święta wiosna”), które stało się jednym z najważniejszych organów secesji. Jednak napięcia wewnątrz ruchu nigdy nie były daleko. W 1905 roku secesja rozpadła się w sporze o to, czy sztuka i rzemiosło powinny być integrowane, czy trzymane osobno. Klimt i grupa jego podobnie myślących współpracowników odeszli – i to między innymi jego grupa położyła podwaliny pod Wiener Werkstätte.

Secesja wiedeńska jest dziś jednym z najbardziej wpływowych przykładów w historii sztuki tego, jak artyści organizowali się, aby rzucić wyzwanie instytucjom, zdefiniować nową estetykę i otworzyć sztukę na świat. Dziedzictwo ruchu trwa w każdej galerii sztuki, która odmawia rozdzielania sztuki i wzornictwa.

Najważniejsze dzieło Klimta

Pocałunek (Der Kuss), 1907–08

Pocałunek to arcydzieło Gustava Klimta i jedno z najczęściej reprodukowanych dzieł sztuki na świecie. Obraz powstał w latach 1907–1908 i został wystawiony w nieukończonej formie na wystawie Kunstschau w Wiedniu w 1908 roku pod tytułem Liebespaar – „Kochankowie”. Państwo austriackie natychmiast kupiło dzieło za 25 000 koron, a obraz trafił do Österreichische Galerie Belvedere w Wiedniu, gdzie znajduje się do dziś. Austria uważa Pocałunek za skarb narodowy i nigdy nie zezwoliła na jego sprzedaż.

Kompozycja jest oszałamiająco prosta, a jednocześnie niewyobrażalnie złożona. Dwie postacie - para w ciasnym uścisku - klęczą na skraju usianej kwiatami skały. Mężczyzna pochyla się i całuje kobietę w policzek. Ciała pary skrywa wspólna kapa, spływająca złotem i ornamentami: szata mężczyzny jest obszyta czarnymi i białymi prostokątami, a szata kobiety - kwiecistymi, okrągłymi wzorami. Klimt nanosił prawdziwe złote płatki bezpośrednio na płótno - technikę tę zaczerpnął z bizantyjskich mozaik w Rawennie, którą odwiedził w 1903 roku.

"Pocałunek nie jest przedstawieniem chwili. To przedstawienie stanu - absolutnej bliskości i całkowitego zatarcia granic między dwojgiem ludzi."

Pocałunek jest jednym z najlepiej sprzedających się plakatów artystycznych na świecie. Jako plakat Klimta pasuje niemal do każdego pomieszczenia i stylu wnętrza dzięki swojej ciepłej złotej palecie i uniwersalnemu przedstawieniu miłości. Jeśli szukasz pięknego plakatu słynnego artysty, Pocałunek to pewny wybór.

Judith I, 1901

Judith I to jeden z najbardziej prowokacyjnych portretów w historii sztuki. Klimt przedstawił biblijną bohaterkę Judytę - która ocaliła swój lud, ścinając głowę asyryjskiemu wodzowi Holofernesowi - nie jako cnotliwą wojowniczkę, lecz jako zmysłową, częściowo rozebraną kobietę z wyrazem triumfu i upojnej rozkoszy. W dłoni trzyma odciętą głowę Holofernesa, ale niemal staje się ona pobocznym szczegółem. To spojrzenie Judyty dominuje.

Dzieło było skandaliczne jak na swoje czasy i oskarżano je o sprowadzenie biblijnej bohaterki do roli erotycznego obiektu. Klimt nigdy nie odpowiedział na krytykę. Dziś Judith I odczytuje się jako śmiałą próbę zbadania punktu styku władzy i pożądania, z kobietą ukazaną jako podmiot, a nie przedmiot. Dzieło należy do Österreichische Galerie Belvedere i jest jednym z najczęściej analizowanych dzieł Klimta w kontekście historii sztuki.

Adele Bloch-Bauer I, 1907

Portret Adele Bloch-Bauer jest najbardziej ambitnym dziełem z okresu złotego Klimta. Adele, żona zamożnego przemysłowca cukrowniczego Ferdinanda Blocha-Bauera, była najpotężniejszą mecenaską Klimta i prawdopodobnie jego kochanką. Klimt poświęcił portretowi niezwykle dużo czasu - prace trwały kilka lat i obejmowały setki studiów przygotowawczych - a rezultat jest oszałamiający: Adele wyłania się ze złotej burzy ornamentów, spiralnych wzorów i geometrycznych form, przez które trudno oddzielić postać od tła.

Obraz został skonfiskowany przez nazistowski reżim po Anschlussie w 1938 roku i trafił do Österreichische Galerie Belvedere. Wieloletnia batalia prawna zakończyła się w 2006 roku, gdy austriacki sąd orzekł, że pięć dzieł Klimta, w tym Adele Bloch-Bauer I, prawnie należało do spadkobierców Adeli. Maria Altmann, siostrzenica Adeli, natychmiast sprzedała dzieło Ronaldowi Lauderowi za 135 milionów dolarów – była to wówczas absolutnie rekordowa cena za dzieło sztuki. Obraz znajduje się dziś w Neue Galerie w Nowym Jorku.

Fryz Beethovena, 1902

Na wystawę Secesji w 1902 roku, poświęconą Ludwigowi van Beethovenowi, Klimt stworzył monumentalne malowidło ścienne: Fryz Beethovena. Dzieło o długości 34 metrów ciągnie się wzdłuż trzech ścian budynku Secesji i przedstawia dążenie ludzkości do szczęścia i wyzwolenia poprzez sztukę. Fryz zawiera alegoryczne postacie, potwory, a w końcu scenę bezpośrednio poprzedzającą Pocałunek – obejmującą się parę symbolizującą stan spełnienia.

Fryz pierwotnie uznawano za dzieło tymczasowe i pozostawiono go po zakończeniu wystawy. Ostatecznie został zakupiony przez państwo austriackie i przez dziesięciolecia poddawany restauracji. Dziś zwiedzający mogą oglądać go in situ w podziemiach budynku Secesji – to jedno z najbardziej niezwykłych doświadczeń artystycznych w Wiedniu. Fryz jest znakomitym przykładem zdolności Klimta do pracy na dużą skalę oraz łączenia symbolizmu, secesji i dekoracyjnego rzemiosła w spójną narrację.

Złoto, wzory i dekoracyjność – technika Klimta

To właśnie złoto sprawia, że sztuka Klimta jest natychmiast rozpoznawalna. Nie chodzi jednak wyłącznie o upodobanie estetyczne – była to przemyślana strategia artystyczna o głębokich korzeniach historycznych. Inspiracją był częściowo jego ojciec, który był złotnikiem, a częściowo bizantyjskie mozaiki oglądane przez Klimta w Rawennie w 1903 roku. Złote obrazy w San Vitale i Sant'Apollinare Nuovo pokazały, że złoto nie było biżuterią, lecz językiem obrazu: sposobem na stworzenie innej rzeczywistości, wykraczającej poza to, co ziemskie i narracyjne.

W swoim złotym okresie (około 1899–1910) Klimt stosował złote płatki nakładane bezpośrednio na płótno. Technika ta wymaga precyzji i cierpliwości: płatek jest niezwykle cienki i delikatny, a trzeba go układać w idealnie równych pasach. Klimt łączył warstwy na bazie oleju ze złotem, tworząc głębokie, wielowarstwowe powierzchnie, które zmieniają charakter w zależności od światła. Jednocześnie wypełniał je ornamentami – okręgami, spiralami, prostokątami, motywami kwiatowymi – wywodzącymi się z wielu tradycji: japońskiego rzemiosła, sztuki egipskiej, mykeńskich wyrobów ze złota oraz ornamentyki secesyjnej, którą otaczał się w Wiedniu.

Istotną cechą kompozycji Klimta jest kontrast między dekoracyjnością a żywą formą. Twarze i dłonie – części ciała, które niosą emocje i opowieść – są zawsze malowane z wielkim naturalizmem i miękkością. Ciała i tła rozpływają się natomiast w ornamentach i wzorach. Tworzy to napięcie: to, co ludzkie, i to, co abstrakcyjne, spotykają się w każdym obrazie. To właśnie ten kontrast sprawia, że Pocałunek jest tak potężny – nagie dłonie i odsłonięta twarz na tle złotego płaszcza, który rozpuszcza formy.

Klimt wykonał również ogromną liczbę szkiców przygotowawczych. Do obrazu Adele Bloch-Bauer I istnieją setki studiów kredą i węglem, przedstawiających detale, ornamenty stroju i wyraz twarzy. Jego metoda pracy była staranna, niemal obsesyjna, i stała w osobliwym kontraście do jego reputacji spontanicznego i zmysłowego artysty. Był zdyscyplinowany, metodyczny i głęboko profesjonalny.

Dziedzictwo Klimta, jego wpływ na sztukę nowoczesną oraz aktualne wystawy

Wpływu Gustava Klimta na kolejne pokolenia artystów nie sposób przecenić. Jego uczeń Egon Schiele poprowadził ekspresyjną linię w zupełnie innym kierunku – bardziej surowym, bardziej przekraczającym granice, lecz wychodzącym, podobnie jak u Klimta, od podkreślenia ludzkiego ciała. Oskar Kokoschka, jeden z młodych artystów obracających się w kręgu Klimta, odnalazł w jego twórczości wyzwalający wzór dla ekspresjonistycznych poszukiwań życia wewnętrznego.

Poza austriackim środowiskiem artystycznym wpływ Klimta można dostrzec we wszystkim: od geometrycznych dekoracji ruchu art déco po współczesny trend wnętrzarski wykorzystujący złoto i organiczne wzory. Ornamentacyjny światopogląd Klimta – przekonanie, że sztuka i wzornictwo są tym samym, a piękno nie jest luksusem, lecz koniecznością – pozostaje jednym z najtrwalszych antidotów nowoczesności na czysto funkcjonalne podejście.

Dziś Klimt jest bardziej popularny niż kiedykolwiek. Jego dzieła przyciągają ogromną publiczność i biją rekordy na aukcjach sztuki. W latach 2025 i 2026 trwa lub jest planowanych kilka dużych wystaw Klimta:

Belweder, Wiedeń (czynna do września 2025): Wystawa „Gustav Klimt – Pigment i piksel” w Österreichische Galerie Belvedere wykorzystywała zaawansowane metody analizy, aby odkryć nowe warstwy procesu twórczego Klimta – sposób, w jaki budował swoje kompozycje, jak używał złota oraz jak z czasem zmieniała się jego technika.

Ateneum, Helsinki (wrzesień 2025 – luty 2026): Wystawa „Gallen-Kallela, Klimt i Wiedeń” ukazuje Klimta w nordyckim kontekście i przedstawia jego związki z fińskimi artystami, których spotykał i z którymi wymieniał się inspiracjami podczas secesji. To nietypowe ujęcie zainteresuje skandynawską publiczność artystyczną.

Doświadczenia immersyjne: W Budapeszcie, Nowym Jorku i Tokio w latach 2025-2026 odbywają się duże immersyjne wystawy Klimta, na których dzieła są wyświetlane w monumentalnej skali przy akompaniamencie muzyki i choreografii ruchu. Hall des Lumières na Manhattanie jest jednym z najczęściej opisywanych miejsc.

Dzieła Klimta są reprezentowane w najważniejszych muzeach na całym świecie. Oprócz Belwederu w Wiedniu ważne części jego dorobku posiadają Leopold Museum i Kunsthistorisches Museum w Wiedniu, natomiast Neue Galerie w Nowym Jorku ma w swoich zbiorach obraz Adele Bloch-Bauer I. Zobacz oficjalną stronę Belwederu poświęconą Klimtowi, aby uzyskać aktualne informacje o wystawach.

Plakaty Klimta w domu - motywy, pomieszczenia i rozmieszczenie

Sztuka Klimta została stworzona z myślą o dekoracyjności. Uważał, że sztuka i otoczenie stanowią całość, a jego dzieła mają niezwykłą zdolność ożywiania wnętrza, której dorównać może niewielu innym artystom. Złote tony ocieplają wnętrze, ornamentyka tworzy głębię, a dobrze znane motywy zapewniają natychmiastową rozpoznawalność i rezonans.

Pocałunek sprawdza się niemal w każdym wnętrzu: w sypialni (para w objęciach to oczywisty motyw), w salonie (jako samodzielna dekoracja ścienna lub część kompozycji z innymi dziełami Klimta) i w przedpokoju (jako przyciągający wzrok akcent powitalny). Wybierz plakat z neutralną ramą o białym, czarnym lub złotym profilu - złota rama podkreśli własne tony dzieła.

Judith I najlepiej pasuje do pomieszczeń, w których chcesz uzyskać silniejszy, bardziej dramatyczny efekt. Naturalnym miejscem są gabinet, biblioteka i jadalnia. Kontrasty motywu - czarne tło, złote ornamenty i bezpośredni kontakt wzrokowy - najlepiej prezentują się przy dobrym oświetleniu.

Adele Bloch-Bauer I zachwyca bogactwem detali, które najlepiej prezentują się na papierze o wyższej gramaturze i w większym formacie. Wybierz A2 lub większy format, jeśli wieszasz ją samotnie na ścianie. Ciepłe, muśkowitowe tony motywu doskonale pasują do pomieszczeń w ziemistych odcieniach - terakoty, piasku i głębokiej zieleni.

Wskazówki: Złote tony Klimta naturalnie współgrają z miedzianymi, mosiężnymi i terakotowymi barwami we wnętrzu. Połącz plakat „Pocałunek” z prostym czarno-białym botanicznym printem, aby zrównoważyć dekoracyjność - zyskasz głębię, nie przytłaczając podłogi. Nasze ramy ze złotym profilem są szyte na miarę do motywów Klimta. Zobacz także nasz przewodnik po ścianach z obrazami, aby znaleźć więcej pomysłów.

Chcesz stworzyć inspirowaną Klimtem kompozycję obrazów? Wybierz centralny motyw Klimta - najlepiej Pocałunek lub Adele - i uzupełnij go 1-2 abstrakcyjnymi złotymi grafikami albo motywami botanicznymi. Zachowaj spójne rozmiary ram i rozłóż kompozycję na podłodze, zanim ją powiesisz. Dowiedz się więcej w naszym przewodniku po obrazach Klimta w domu lub przeczytaj nasz artykuł o symbolizmie w sztuce.

Zobacz cały nasz asortyment plakatów Klimta i wydruków znanych artystów.

Oś czasu

Gustav Klimt rodzi się 14 lipca 1862 roku w Baumgarten pod Wiedniem jako syn złotnika z Czech i Austriaczki. W wieku czternastu lat, w 1876 roku, zostaje przyjęty do Wiedeńskiej Szkoły Rzemiosła Artystycznego, Kunstgewerbeschule, gdzie studiuje malarstwo dekoracyjne i poznaje swojego dozgonnego przyjaciela oraz współpracownika Franza Matscha. Wraz z bratem Ernstem Klimtem zakładają w 1879 roku Künstler-Compagnie, firmę dekoratorską, która szybko zdobywa zlecenia na ozdabianie teatrów w Reichenbergu, Karlsbadzie i Fiume.

W latach 80. XIX wieku firma przeżywa rozkwit, a w 1886 roku Klimt otrzymuje prestiżowe zlecenie ozdobienia klatek schodowych nowo wybudowanego Burgtheateru w Wiedniu; w 1890 roku zostaje odznaczony Cesarskim Medalem Złotym. Jednak w 1892 roku jego życie się zmienia: brat Ernst umiera na chorobę serca, a partner Franz Matsch podąża własną drogą. Klimt wkracza w długi okres wahań i pogłębionej refleksji.

W 1897 roku zakłada Secesję Wiedeńską i zostaje wybrany pierwszym przewodniczącym tego ruchu. Jego sztuka zwraca się teraz ku symbolizmowi i secesji. W latach 1900-1907 tworzy swoje dziś najbardziej kontrowersyjne dzieło: trzy malowidła ścienne do auli Uniwersytetu Wiedeńskiego - Filozofię, Medycynę i Jurysprudencję - które wywołują ogromne protesty z powodu nagich postaci i nihilistycznego języka obrazów. Uniwersytet odmawia ich przyjęcia. Klimt odkupuje obrazy za własne środki; w 1945 roku zostają zniszczone w pożarze.

W 1899 roku rozpoczyna okres złoty, który ma przynieść mu sławę. W 1903 roku podróżuje do Rawenny i studiuje bizantyjskie mozaiki. W 1907 roku kończy portret Adele Bloch-Bauer I i rozpoczyna pracę nad Pocałunkiem. W latach 1905-1909 tworzy ponadto fryz Stoclet dla pałacu Stoclet w Brukseli - jedno z absolutnych arcydzieł secesji.

Po złotym okresie Klimt zwraca się ku swobodniejszemu, bardziej ekspresyjnemu językowi formy i intensywniejszym kolorom. Podróżuje do Paryża, poznaje dzieła Henriego Matisse'a i impresjonistów, pozwalając, by te impulsy wzbogaciły jego późny styl. Intensywnie pracuje aż do udaru w styczniu 1918 roku. 6 lutego 1918 roku, w wieku 55 lat, Gustav Klimt umiera. W pracowni pozostawia niedokończone dzieło - Oblubienicę - które świadczy o tym, że do samego końca szukał nowych dróg.

Powiązani artyści

Gustav Klimt tworzył w czasach i Europie, które tętniły artystycznymi przełomami i ruchami. Zrozumienie jego sztuki wymaga również poznania jego współczesnych oraz nurtów, do których się odnosił.

Secesja wiedeńska to ruch, który Klimt sam założył i któremu przewodził jako przewodniczący aż do rozłamu w 1905 roku. Strona informacyjna omawia budynek Secesji z jego złotą kopułą, czasopismo Ver Sacrum, wystawę Beethovena z 1902 roku oraz dziedzictwo ruchu w Wiener Werkstätte. Dowiedz się więcej na stronie informacyjnej Bozetto o secesji wiedeńskiej.

Art Nouveau (jugendstil) to nurt artystyczny, do którego Klimt sam należał poprzez secesję wiedeńską. Falista ornamentyka, złoto oraz połączenie sztuki i rzemiosła, które charakteryzują Pocałunek, są typowymi cechami jugendstilu. Dowiedz się więcej na stronie informacyjnej Bozetto o Art Nouveau i jugendstilu.

Henri Matisse był najbliższym Klimtowi współczesnym pod względem zainteresowania dekoracyjnością i ornamentyką. Matisse szukał wolności w kolorze, Klimt - w złocie i wzorze, lecz obaj postrzegali powierzchnię obrazu jako przestrzeń do wypełnienia wzorami i formami, a nie jako lustro skierowane ku rzeczywistości. Klimt spotkał Matisse'a podczas podróży do Paryża i bez wątpienia znał jego dzieła. Zobacz stronę informacyjną Bozetto o Henrim Matisse'ie, aby dowiedzieć się więcej o życiu i twórczości fowisty.

Vincent van Gogh reprezentuje inną stronę rewolucji artystycznej XIX wieku: ekspresyjną linię i czyste wyrażanie emocji. Van Gogh zmarł w 1890 roku, właśnie gdy Klimt wkraczał w dojrzały okres twórczości, lecz jego wpływ na całe pokolenie symbolistów był ogromny. Dowiedz się więcej na stronie Bozetto poświęconej Van Goghowi.

Claude Monet i impresjoniści stanowią ważny punkt odniesienia dla późnej twórczości Klimta. Podczas swoich podróży do Paryża przyswoił wpływy impresjonistycznego ujęcia światła i atmosfery, choć nigdy nie przyłączył się do tego ruchu. Zobacz stronę informacyjną Bozetto o impresjonizmie.

Hilma af Klint to interesujący przypadek równoległy: europejska artystka, która dokładnie w tym samym czasie co Klimt badała w sztuce to, co okultystyczne, symboliczne i duchowe, lecz z nordyckiej i radykalnie abstrakcyjnej perspektywy. Klimt i Klint nigdy się nie spotkali, ale łączyło ich poszukiwanie wykraczające poza to, co widzialne. Dowiedz się więcej o Hilmie af Klint na stronie Bozetto.

Uczeń Klimta, Egon Schiele, kontynuował nurt ekspresyjny i należy do tej samej wiedeńskiej tradycji. Zobacz także Gustava Klimta w Google Arts & Culture oraz Wikipedię o Gustavie Klimcie, aby uzyskać więcej informacji biograficznych i materiałów wizualnych. Zobacz całość. Zobacz także naszą stronę o Alfonsie Musze. Baza wiedzy Bozetto zawiera zebrany przegląd artystów, ruchów artystycznych i poradników dotyczących wystroju wnętrz. Klimt jest często zaliczany do symbolizmu i jego marzenia o tym, co duchowe i mitologiczne.

Najczęściej zadawane pytania dotyczące Gustava Klimta

Odkryj plakaty Klimta w Bozetto – starannie wyselekcjonowane wydruki wysokiej jakości z szybką dostawą do Szwecji i krajów nordyckich.