Jackson Pollock – malarstwo gestu, malarstwo kapania i ekspresjonizm abstrakcyjny

Jackson Pollock to amerykański artysta, który bardziej niż ktokolwiek inny zmienił wyobrażenie o tym, czym może być obraz. Kiedy w 1947 roku rozłożył płótno na podłodze pracowni w Springs na Long Island i zaczął wylewać, kapać i rozpryskiwać na nim płynną farbę, porzucił sztalugę, pędzel i całą europejską tradycję malarską, w której wyrósł. Rezultatem była sztuka bez centrum, bez horyzontu i bez motywu w zwykłym znaczeniu - powierzchnia splecionych torów, na której farba rejestruje ruch ciała w przestrzeni. Dlatego jego dzieła tak wyjątkowo dobrze sprawdzają się jako plakaty: nie mają jednego określonego kierunku odczytu i można na nie patrzeć wielokrotnie.

Pollock żył zaledwie 44 lata, od 1912 do 1956 roku, a okres, w którym malował swoje słynne obrazy drippingowe, trwał niespełna cztery lata. Mimo to niewiele dorobków artystycznych doczekało się tak długiego echa. Jego dzieła wiszą dziś w Metropolitan Museum of Art, MoMA, National Gallery of Art w Waszyngtonie i National Gallery of Australia, a jeden z obrazów - Number 17A z 1948 roku - zmienił właściciela w 2015 roku za 200 milionów dolarów w prywatnej transakcji. W Szwecji Moderna Museet pokazuje jego prace od 1963 roku i posiada jedno z nielicznych dzieł, na których pozostawił figuratywny detal pośrodku kropli. Ta strona omawia jego życie, technikę stojącą za obrazami, najważniejsze dzieła oraz to, jak język form abstrakcyjnego ekspresjonizmu funkcjonuje jako sztuka w szwedzkim domu.

Spis treści
↓ Co charakteryzuje sztukę Jacksona Pollocka?
↓ Dzieciństwo, edukacja i droga do Nowego Jorku
↓ Najważniejsze dzieła
↓ Technika malarstwa drippingowego
↓ Lee Krasner i krąg abstrakcyjnego ekspresjonizmu
↓ Dziedzictwo, rynek i Pollock w Szwecji
↓ Abstrakcyjny ekspresjonizm jako sztuka w domu
↓ Kalendarium życia Jacksona Pollocka
↓ Powiązani artyści i kierunki
↓ Często zadawane pytania o Jacksonie Pollocku

Co charakteryzuje sztukę Jacksona Pollocka?

Jackson Pollocka’s monumentalne malarstwo opiera się na trzech decyzjach, które z osobna wydają się drobne, lecz razem zerwały z kilkusetletnią europejską tradycją sztuki. Przeniósł płótno ze sztalugi na podłogę, zamienił pędzel na patyki, utwardzone szczotki i strzykawki, a farbę olejną w tubie zastąpił płynną emalią przemysłową i domową marki Duco. Farba nigdy nie dociera więc do płótna za pośrednictwem narzędzia dociskanego do powierzchni - spada przez powietrze. Każda linia jest zapisem tego, jak szybko poruszała się ręka, jak wysoko nad płótnem się znajdowała i jak lepka była wówczas farba.

Historia sztuki nazywa ten rezultat kompozycją allover: obraz nie ma środka, pierwszego planu ani tła, lecz równomiernie rozłożoną gęstość aż po krawędzie. Krytyk Clement Greenberg używał tego określenia już w połowie lat 40. w odniesieniu do płócien Pollocka i właśnie w tym sensie jego malarstwo jest bardziej radykalne niż europejska abstrakcja, na przykład Wassilego Kandinsky'ego, w której kompozycja nadal organizuje się wokół punktów ciężkości. Druga często stosowana etykieta, action painting, została ukuta przez krytyka Harolda Rosenberga w eseju „The American Action Painters” opublikowanym w czasopiśmie ARTnews w grudniu 1952 roku: płótno nie jest tam opisywane jako powierzchnia, na której coś się przedstawia, lecz jako arena, na której się działa.

Warto również jasno powiedzieć, czym sztuka Pollocka nie jest. Nie jest przypadkowa. Fizyk Richard Taylor i jego współpracownicy opublikowali w 1999 roku w czasopiśmie Nature analizę wykazującą, że układ wzorów w obrazach tworzonych techniką drippingu ma charakter fraktalny, a wymiar fraktalny stopniowo wzrastał od około 1,1 we wczesnych płótnach z 1943 roku do około 1,7 w dziełach z 1952 roku. Innymi słowy: Pollock z roku na rok doskonalił swój język formy w sposób, który można zmierzyć.

Najważniejsze informacje: Paul Jackson Pollock, urodzony 28 stycznia 1912 roku w Cody w stanie Wyoming, zmarł 11 sierpnia 1956 roku w Springs w stanie Nowy Jork, w wieku 44 lat. Narodowość: amerykańska. Nurt: abstrakcyjny ekspresjonizm, często nazywany szkołą nowojorską. Główny okres malarstwa drippingowego: 1947-1950. Materiał: emalia domowa i przemysłowa na niegruntowanym płótnie. W 1945 roku poślubił artystkę Lee Krasner (1908-1984). Najważniejsze dzieła: Mural (1943), Number 17A (1948), Autumn Rhythm: Number 30 (1950), One: Number 31 (1950), Blue Poles (1952). Najwyższa odnotowana cena: 200 milionów dolarów za Number 17A w ramach prywatnej sprzedaży w 2015 roku.

Dorastanie, edukacja i droga do Nowego Jorku

Paul Jackson Pollock urodził się 28 stycznia 1912 roku w Cody w stanie Wyoming jako najmłodszy z pięciu braci. W dzieciństwie rodzina wielokrotnie przenosiła się między Arizoną a Kalifornią, a amerykański Zachód - jego rozległe przestrzenie, życie na ranczu i kultury rdzennych mieszkańców, z którymi się zetknął - stał się punktem odniesienia, do którego powracał przez całe życie. Opuścił Wyoming jako roczne dziecko, lecz wiele lat później opisywał siebie jako artystę ukształtowanego przez krajobraz, a nie przez muzea.

Manual Arts High School i pierwsze lata

Pollock uczęszczał do Manual Arts High School w Los Angeles, gdzie nauczyciel Frederick John de St. Vrain Schwankovsky zapoznał go z teozofią oraz wykładami Jiddu Krishnamurtiego. Zainteresowanie duchowością i podświadomością miało pozostać stałym elementem jego twórczości. Dwukrotnie wydalono go ze szkoły, po raz drugi w 1930 roku, i w tym samym roku podążył za starszym bratem Charlesem do Nowego Jorku.

Thomas Hart Benton i Art Students League

Od jesieni 1930 roku Pollock studiował w Art Students League of New York pod kierunkiem Thomasa Harta Bentona, regionalistycznego malarza muralisty, który wychwalał robotników i mity amerykańskiego interioru. Benton nauczył go budować kompozycję wokół rytmicznie skręconych, spiralnych ruchów przebiegających przez płaszczyznę obrazu – schematu, który Benton nazywał „the hollow and the bump”. Pollock później odrzucił świat motywów Bentona, ale przejęta od niego rytmika pozostała. Benton stał się również postacią ojca, a ich kontakt utrzymywał się długo po tym, jak uczeń poszedł własną drogą.

Warsztat Siqueirosa w 1936 roku i lata z WPA

O dalszym rozwoju zadecydowały dwie rzeczy. Pierwszą było uczestnictwo Pollocka w 1936 roku w eksperymentalnym warsztacie meksykańskiego muralisty Davida Alfaro Siqueirosa przy 14th Street w Nowym Jorku, gdzie artyści pracowali z użyciem pistoletu natryskowego, farby lakierowej, piasku i przypadkowości w przepływie farby. Tam po raz pierwszy zetknął się z ideą, że przemysłowa farba płynna jest pełnoprawnym materiałem artystycznym. Drugą było jego zatrudnienie w latach 1935–1942 w ramach Federal Art Project, podprogramu prezydenckiego programu zatrudnienia WPA, zainicjowanego przez Franklina D. Roosevelta, który zapewniał mu przyzwoitą miesięczną pensję i czas na malowanie. W tym samym okresie poddawał się psychoterapii jungowskiej, co doprowadziło go do rozpoczęcia rysowania w celu dotarcia do materiału obrazowego z podświadomości – metody pokrewnej automatyzmowi surrealistów.

Najważniejsze dzieła

Twórczość Pollocka często dzieli się na trzy fazy: naznaczone mitologią, półfiguratywne płótna z lat 1938–1946, obrazy malowane przez kapanie z lat 1947–1950 oraz mroczniejsze, częściowo powracające do figuracji dzieła z lat 1951–1955. Poniżej przedstawiono obrazy najczęściej uznawane za punkty zwrotne, wraz z informacją o ich obecnym miejscu przechowywania.

Mural (1943) – zamówienie, które zmieniło wszystko

Kolekcjonerka sztuki Peggy Guggenheim podpisała z Pollockiem umowę w 1943 roku i w listopadzie tego samego roku zorganizowała jego pierwszą wystawę indywidualną w galerii Art of This Century w Nowym Jorku. Zamówiła również obraz do holu swojej rezydencji na Manhattanie: Mural, o wymiarach około 2,4 × 6 metrów, największe płótno, jakie kiedykolwiek namalował. Dzieło nie ma ani centralnego punktu, ani motywu, lecz składa się z nieprzerwanego falistego ruchu żółtych, niebieskich i czarnych form. Peggy Guggenheim podarowała je w 1948 roku University of Iowa; od tamtej pory znajduje się ono w Stanley Museum of Art w Iowa City. Obraz przeszedł czteroletnią konserwację w Getty Conservation Institute w Los Angeles i został tam pokazany w 2014 roku.

Numer 17A (1948) i przełom w prasie

Number 17A z 1948 roku to płótno, które uczyniło Pollocka osobą publiczną. Znalazło się w czterostronicowym reportażu opublikowanym przez czasopismo Life w sierpniu 1949 roku pod tytułem "Is he the greatest living painter in the United States?" – publikacja ta w ciągu kilku tygodni uczyniła 37-letniego artystę krajową gwiazdą. Obraz przez długi czas należał do Davida Geffena, a w 2015 roku został prywatnie sprzedany inwestorowi Kennethowi C. Griffinowi za 200 milionów dolarów, co w tamtym czasie było najwyższą ceną zapłaconą za jakikolwiek obraz.

Autumn Rhythm, One i Lavender Mist (1950)

Rok 1950 był punktem kulminacyjnym. W ciągu kilku miesięcy Pollock namalował trzy ze swoich największych płócien: Autumn Rhythm: Number 30, znajdujące się dziś w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, One: Number 31, należące do kolekcji Museum of Modern Art, oraz Lavender Mist: Number 1, które od 1976 roku należy do National Gallery of Art w Waszyngtonie. To właśnie w tych trzech dziełach nakładanie warstw jest najbardziej rozwinięte: czarna emalia tworzy strukturę bazową, na niej układają się biel i srebrzysta szarość, a cienkie, rozpryskiwane linie w brązie, zieleni lub różu spajają powierzchnię. Tytuły z numerami były świadomym wyborem – Lee Krasner opowiadała, że para przeszła na numery właśnie po to, by opisowa nazwa nie skłaniała widza do szukania czegoś przedstawiającego.

Blue Poles (1952) i australijska transakcja

Blue Poles, o wymiarach około 2 × 5 metrów i namalowany w 1952 roku, jest późnym arcydziełem. Osiem pochylonych niebieskich słupów przecina gęstą tkaninę pomarańczu, żółci i srebra, nadając obrazowi pionowy rytm, którego brakuje obrazom drippingowym z 1950 roku. W sierpniu 1973 roku National Gallery of Australia kupiła dzieło za 2 miliony dolarów, co odpowiadało około 1,3 miliona dolarów australijskich i stanowiło wówczas najwyższą kwotę zapłaconą za amerykański obraz. Zakup wywołał skandal polityczny w Australii i był przedmiotem debaty w parlamencie. W 2022 roku wartość Blue Poles oszacowano na około 500 milionów dolarów australijskich; jest to najcenniejsze dzieło w muzeum.

"Obraz ma własne życie. Staram się pozwolić mu się ujawnić. Tylko kiedy tracę kontakt z obrazem, rezultat staje się chaosem." – Jackson Pollock, wypowiedź opublikowana w czasopiśmie Possibilities zimą 1947–1948 roku

Technika malarstwa drippingowego

Pracownia mieściła się w przebudowanej stodole za domem przy Fireplace Road w Springs, dokąd Pollock i Lee Krasner przeprowadzili się w listopadzie 1945 roku po pożyczeniu od Peggy Guggenheim 2 000 dolarów na zadatek. Stodoła miała niespełna 6 × 7 metrów, co w praktyce wyznaczało granicę wielkości płócien, nad którymi mógł pracować. Podłoga zachowała się i dziś jest najczęściej oglądaną częścią Pollock-Krasner House and Study Center, prowadzonego przez Stony Brook University i otwartego dla zwiedzających w miesiącach letnich.

Płótno na podłodze

Rozkładając na podłodze niegruntowane płótno, Pollock mógł obchodzić dzieło i pracować ze wszystkich czterech stron. Sam opisywał tę zaletę, mówiąc, że czuł się bliżej obrazu, niemal jak jego część. W praktyce oznaczało to, że grawitacja stawała się narzędziem: farba spływała z patyka lub puszki, a grubość linii zależała od odległości i szybkości, a nie od szerokości pędzla. Dopiero po ukończeniu płótna naciągano je na krosno i przycinano; w tym momencie Krasner często uczestniczyła w ustalaniu przebiegu krawędzi.

Emalia, patyki i spryskiwacze

Pollock nie używał farb artystycznych, lecz domowych i samochodowych emalii na bazie alkidów, przede wszystkim produktów Duco oraz Devoe & Raynolds, czasami rozcieńczonych tak, aby swobodnie spływały. Narzędziami były utwardzone pędzle, patyki malarskie, kielnie i przybory kuchenne, takie jak spryskiwacze do faszerowania. Konserwatorzy znaleźli później w warstwach farby niedopałki papierosów, zapałki, monety, gwoździe i klucze – ślady pracowni, w której wszystko, co leżało na podłodze, mogło trafić do obrazu. Wybór materiałów jest również powodem, dla którego dzieła są trudne w konserwacji: emalia alkidowa starzeje się inaczej niż farba olejna i może pękać w innym tempie niż leżące pod nią płótno.

Rytm, kontrola i fraktale

To, co z zewnątrz wygląda jak chaos, jest rezultatem fizycznej techniki, którą Pollock wyćwiczył. Filmowiec i fotograf Hans Namuth dokumentował jego pracę jesienią 1950 roku, zarówno na zdjęciach, jak i na filmie, a materiały ukazują artystę, który porusza się powoli i równie często zatrzymuje się, co rozpryskuje farbę. Analiza Richarda Taylora opublikowana w „Nature” w 1999 roku wskazywała ten sam kierunek: wzory mają strukturę fraktalną, powtarzającą się w kilku skalach, co trudno osiągnąć przypadkiem. Szybkość ruchu nadgarstka, lepkość farby i odległość od płótna współtworzą linię, której nie da się naśladować pędzlem.

Lee Krasner i krąg abstrakcyjnego ekspresjonizmu

Pollock nie pracował w próżni. Amerykańska sztuka powojenna rozwijała się dzięki ścisłemu kręgowi artystów, galerzystów i krytyków w Nowym Jorku, a przełom, który stanowiły obrazy Pollocka malowane metodą kapania, nie nastąpiłby ani nie zostałby dostrzeżony bez ich udziału. Ruch jako całość został szerzej opisany na stronie poświęconej abstrakcyjnemu ekspresjonizmowi.

Lee Krasner – artystka, nie tylko żona

Lee Krasner (1908–1984) była uznaną artystką z gruntownym wykształceniem zdobytym w National Academy of Design, gdy poznała Pollocka w 1941 roku. Kształciła się u Hansa Hofmanna i miała wiedzę o europejskim modernizmie, której Pollockowi brakowało. Po ślubie w 1945 roku pracowali w tym samym domu, ale w różnych pomieszczeniach, a ona malowała przez całe życie – jej seria kolaży z lat 50. jest dziś uznawana za jedną z najmocniejszych w dorobku tego okresu. Krasner zarządzała także spuścizną po śmierci Pollocka i położyła podwaliny pod Pollock-Krasner Foundation, która od 1985 roku przyznaje artystom stypendia. Metropolitan Museum of Art prezentuje wystawę "Krasner and Pollock: Past Continuous" od 4 października 2026 do 31 stycznia 2027 roku, z ponad 120 dziełami od przeszło 80 pożyczkodawców – to pierwsza od ponad dwudziestu lat duża nowojorska prezentacja któregokolwiek z nich.

Peggy Guggenheim i Betty Parsons

Peggy Guggenheim podpisała z Pollockiem jego pierwszy kontrakt w 1943 roku, gwarantując mu miesięczne wynagrodzenie, co w praktyce uwolniło go od pracy zarobkowej. Gdy w 1947 roku przeniosła się do Wenecji, jej miejsce zajęła galerzystka Betty Parsons, u której obrazy tworzone techniką kapania zostały po raz pierwszy pokazane w styczniu 1948 roku. Wystawa sprzedała się słabo, ale odniosła przełomowy sukces krytyczny. Clement Greenberg pisał o Pollocku już w 1943 roku, a w ciągu następnych dziesięciu lat zbudował całą teorię rozwoju nowoczesnego malarstwa, w której właśnie płaskość i alloverowa powierzchnia Pollocka stanowiły punkt kulminacyjny.

Rothko, de Kooning i szkoła nowojorska

Około 1950 roku amerykański powojenny modernizm skupiał artystów o bardzo różnorodnych sposobach wyrazu pod wspólną etykietą. Willem de Kooning pracował gestualnie, ale zachował figurę, podczas gdy Mark Rothko poszedł w przeciwnym kierunku i budował wielkie, unoszące się pola barw, pozbawione śladów ruchu. To, że mimo wszystko są ze sobą powiązani, wynika ze wspólnej ambicji: uczynienia z malarstwa bezpośredniego doświadczenia, a nie odwzorowania. Korzenie tego nurtu tkwią w europejskim surrealizmie i jego automatyzmie, który zadomowił się w Nowym Jorku, gdy artyści tacy jak André Breton, Max Ernst i Roberto Matta uciekli przed wojną i osiedlili się w mieście.

Dziedzictwo, rynek i Pollock w Szwecji

Pollock zjechał z drogi i zginął w pobliżu swojego domu w Springs 11 sierpnia 1956 roku, będąc pod wpływem alkoholu. Miał 44 lata. Museum of Modern Art już wcześniej planowało niewielką wystawę przekrojową i przekształciło ją w wystawę pośmiertną, która została otwarta w grudniu tego samego roku. Po śmierci jego pozycja szybko rosła, częściowo z powodów polityki kulturalnej: amerykański modernizm powojenny objeżdżał Europę jako dowód istnienia wolnego życia artystycznego, a Pollock stał się jego najczęściej cytowanym nazwiskiem.

Hans Namuth i obraz artysty

Fotografie i filmy Hansa Namutha z jesieni 1950 roku ukształtowały obraz Pollocka w równym stopniu co same obrazy. Sekwencja, w której maluje na szkle, sfilmowana od dołu, stała się jednym z najczęściej reprodukowanych przedstawień artysty w sztuce XX wieku. Ceną za to było zamknięcie go w jednej roli. Po zakończeniu zdjęć przerwał trwającą od kilku lat abstynencję, a jego produkcja gwałtownie spadła: z około pięćdziesięciu obrazów w 1950 roku do zaledwie kilku rocznie w ostatnich latach.

Ceny i rynek kolekcjonerski

Rynek dzieł Pollocka jest niezwykle ograniczony, ponieważ niemal wszystkie większe prace znajdują się w kolekcjach muzealnych. Dwa najwyższe wyniki to transakcje prywatne: Number 17A sprzedano za 200 milionów dolarów w 2015 roku, a Number 5, 1948 za około 140 milionów dolarów w 2006 roku. Najwyższa publiczna cena aukcyjna jest znacznie niższa - Number 19, 1948 osiągnął cenę 58,4 miliona dolarów w domu aukcyjnym Christie's w Nowym Jorku w maju 2013 roku. Różnica ta mówi coś o tym, jak niewiele dzieł faktycznie trafia do obrotu.

Pollock w Szwecji

Szwecja wcześnie dostrzegła jego znaczenie. Moderna Museet w Sztokholmie zorganizowało wystawę indywidualną malarstwa Pollocka od 27 lutego do 15 kwietnia 1963 roku, za kadencji dyrektora muzeum Pontusa Hulténa - zaledwie siedem lat po śmierci artysty i na długo przed tym, jak uczyniło to kilka większych muzeów europejskich. Muzeum posiada ponadto The Wooden Horse: Number 10 A z 1948 roku, niezwykłe dzieło, w którym drewniana głowa zabawkowego konia jest przymocowana pośrodku kapiącej powierzchni - jeden z nielicznych przypadków, gdy Pollock pozwolił, by rozpoznawalny przedmiot pozostał w obrazie. W 2012 roku na wystawie Explosion! Malarstwo jako działanie pokazano cztery jego obrazy z lat 1947-1949. Informacje o dziełach są dostępne w otwartej bazie zbiorów muzeum prowadzonej przez Moderna Museet, a przegląd twórczości artysty w kontekście muzealnym przedstawia Museum of Modern Art.

Ekspresjonizm abstrakcyjny jako sztuka w domu

Oryginalne dzieła Pollocka znajdują się w zbiorach muzealnych i ze względów praw autorskich nie są swobodnie dostępne jako reprodukcje, jednak język form, którego był twórcą - gestyczna linia, równomiernie wypełniona powierzchnia, kolor traktowany jako materia, a nie opis - stanowi jeden z najbardziej użytecznych punktów wyjścia przy wyborze sztuki do mieszkania. Powód łatwo sformułować: obraz bez motywu nie konkuruje z pozostałymi elementami wnętrza. Dodaje koloru i ruchu, nie opowiadając historii, którą trzeba odczytywać za każdym razem, gdy się obok niego przechodzi. W ofercie abstrakcyjnych plakatów Bozetto znajdziesz tego typu motywy w kilku rozmiarach.

Rozmiar decyduje o efekcie

Najczęstszym błędem przy abstrakcji gestycznej jest wybór zbyt małego formatu. Płótna Pollocka z 1950 roku mają od dwóch do pięciu metrów szerokości nie bez powodu: gęsta, wypełniająca całą powierzchnię kompozycja potrzebuje przestrzeni, aby linie mogły ułożyć się w rytm zamiast w plątaninę. W domu oznacza to, że abstrakcyjna kompozycja przeznaczona do powieszenia samodzielnie rzadko powinna być mniejsza niż 50 × 70 centymetrów, a format 70 × 100 centymetrów często robi większe wrażenie nad sofą lub łóżkiem niż trzy mniejsze motywy zawieszone obok siebie. Przyjmij, że dzieło powinno zajmować około dwóch trzecich szerokości mebla.

Temperatura barwowa i światło

Farba emaliowa używana przez Pollocka dawała błyszczącą, częściowo metaliczną powierzchnię, która zmienia się pod wpływem światła. W mieszkaniu odpowiednikiem tego efektu są abstrakcyjne motywy w ciepłych odcieniach ziemi, brązu, ochry i cegły, które dobrze sprawdzają się w pomieszczeniach z ograniczonym dostępem światła dziennego, podczas gdy chłodniejsze kompozycje w odcieniach niebieskiego i szarości potrzebują więcej światła, aby nie wydawały się ciężkie. Plakat w czerni i bieli to najbezpieczniejszy wybór, jeśli w pomieszczeniu jest już dużo kolorów w tekstyliach i meblach. Jeśli natomiast chcesz, aby sztuka była najmocniejszym akcentem kolorystycznym wnętrza, wyrazista kolorowa kompozycja najlepiej sprawdzi się na spokojnym tle.

Połącz gestykę z grafiką

Abstrakcyjny ekspresjonizm często najlepiej prezentuje się w towarzystwie czegoś bardziej uporządkowanego. Połączenie gestycznego motywu i dwóch czysto graficznych plakatów tworzy spójną, ale nie monotonną kompozycję - na tej samej zasadzie, według której muzea wieszają Pollocka w pobliżu abstrakcji geometrycznej. Praktyczne wskazówki dotyczące tworzenia takiej kompozycji znajdziesz w poradniku o tym, jak stworzyć galerię ścienną, a pogłębione informacje na temat tego rodzaju motywów w poradniku dotyczącym abstrakcyjnych plakatów.

Ramy i passe-partout

Gestyczne motywy dobrze prezentują się w wąskiej ramie, która nie konkuruje z liniami. Wystarczy czarny dąb lub dąb bielony o szerokości nie większej niż trzy centymetry, a passe-partout o szerokości od czterech do pięciu centymetrów zapewni obrazowi przestrzeń, nie pomniejszając go optycznie. Unikaj szerokich złotych ram – tworzą muzealną oprawę, która przypisuje motyw do epoki, do której on nie należy. Więcej o tym wyważeniu przeczytasz w artykułach o oprawianiu dzieł sztuki i o wyborze odpowiedniej sztuki do domu.

Wskazówka: Zawieś gestyczny abstrakcyjny motyw w miejscu, obok którego przechodzisz pod kątem, a nie na wprost – w holu, wzdłuż schodów lub z boku zestawu wypoczynkowego. Płótna Pollocka były przeznaczone do oglądania w ruchu, a kompozycja bez centralnego punktu zyskuje, gdy można na nią spojrzeć mimochodem. Umieść środek obrazu około 145 centymetrów nad podłogą, co odpowiada normalnej wysokości oczu stojącej osoby dorosłej.

Kalendarium życia Jacksona Pollocka

1912 – Paul Jackson Pollock rodzi się 28 stycznia w Cody w stanie Wyoming jako najmłodszy z pięciu synów.

1930 – Przeprowadza się do Nowego Jorku i zaczyna studiować u Thomasa Harta Bentona w Art Students League.

1935 – Zostaje zatrudniony w ramach Federal Art Project, części WPA, i do 1942 roku otrzymuje stałe miesięczne wynagrodzenie.

1936 – Uczestniczy w eksperymentalnych warsztatach Davida Alfaro Siqueirosa w Nowym Jorku i poznaje płynną farbę przemysłową.

1943 – Peggy Guggenheim podpisuje z nim kontrakt, organizuje jego pierwszą wystawę indywidualną w Art of This Century w listopadzie i zleca mu wykonanie Mural.

1945 – W październiku poślubia Lee Krasner, a w listopadzie przeprowadza się do Springs na Long Island.

1947 – Zaczyna systematycznie pracować nad płótnem ułożonym na podłodze, używając rozlewanej farby; przełom w malarstwie kropelkowym.

1949 – W sierpniu czasopismo Life publikuje czterostronicowy reportaż, który przynosi mu ogólnokrajową sławę.

1950 – Maluje Autumn Rhythm, One: Number 31 i Lavender Mist; Hans Namuth dokumentuje pracę na filmie i fotografiach.

1952 – Maluje Blue Poles; Harold Rosenberg publikuje w grudniu w ARTnews esej o malarstwie akcji.

1956 – Ginie 11 sierpnia w wypadku samochodowym w Springs w wieku 44 lat. MoMA otwiera w grudniu wystawę pośmiertną.

1963 – Moderna Museet w Sztokholmie prezentuje wystawę indywidualną od 27 lutego do 15 kwietnia pod kierownictwem Pontusa Hulténa.

1973 – National Gallery of Australia kupuje Blue Poles za 2 miliony dolarów, co było wówczas rekordem za amerykański obraz.

2015 – Number 17A zmienia właściciela za 200 milionów dolarów w prywatnej transakcji.

2026 – Metropolitan Museum of Art otwiera 4 października wystawę „Krasner and Pollock: Past Continuous”.

Powiązani artyści i kierunki

Jackson Pollock znajduje się w centrum sieci artystycznych powiązań, które można śledzić zarówno wstecz, jak i do przodu. Wstecz prowadzą one do pionierów sztuki abstrakcyjnej z lat 1910., wśród których Wassily Kandinsky i Hilma af Klint jako pierwsi całkowicie porzucili motyw, oraz do automatycznego rysunku surrealistów, z którym Pollock zetknął się w Nowym Jorku w latach wojny. Naprzód prowadzą one do pól barwnych Marka Rothki i do minimalizmu lat 60., który sprzeciwiał się właśnie gestycznemu charakterowi pisma. Umieszczając go w szerszym kontekście, należy uznać go za przedstawiciela modernizmu, który kształtował cały XX wiek. Podstawowy przegląd biograficzny można znaleźć również na Wikipedii. Więcej pogłębionych materiałów o artystach i kierunkach artystycznych zebraliśmy w bazie wiedzy Bozetto.

Najczęściej zadawane pytania dotyczące Jacksona Pollocka

Jeśli chcesz rozwijać język form abstrakcyjnego ekspresjonizmu, wśród naszych abstrakcyjnych plakatów znajdziesz ekspresyjne i pełne kolorów motywy, a w kolekcji znanych artystów - pogłębione informacje o poszczególnych mistrzach. Zacznij od dużego motywu na powierzchni, obok której przechodzisz najczęściej - właśnie tam kompozycja bez centralnego punktu sprawdzi się najlepiej.