Japonizm - historia nurtu artystycznego, japońskie drzeworyty i spotkanie Zachodu z Japonią

Japonizm to nazwa kierunku artystycznego, który zmienił język obrazów Zachodu, gdy sztuka japońska dotarła do Europy po 1854 roku. W ciągu niespełna pięćdziesięciu lat japońskie drzeworyty przeszły drogę od egzotycznego papieru opakowaniowego w skrzyniach z importowanymi towarami do najważniejszego pojedynczego impulsu stojącego za impresjonizmem, postimpresjonizmem i secesją. Przycięta kompozycja, pusta przestrzeń, która może pozostać pusta, kontur budujący obraz bez cieni - niemal wszystko, co dziś uznajemy za nowoczesne w malarstwie, ma swoje korzenie w drukowanych odbitkach z okresu Edo.

Słowo japonisme wprowadził w 1872 roku francuski krytyk i kolekcjoner Philippe Burty, który potrzebował określenia dla zjawiska już w pełni obecnego w paryskich pracowniach. Claude Monet zgromadził w Giverny kolekcję 231 japońskich drzeworytów. Vincent van Gogh kupił 660 odbitek w ciągu jednej zimy. Edgar Degas, James McNeill Whistler, Mary Cassatt, Gustav Klimt i Henri de Toulouse-Lautrec wszyscy wykorzystywali rozwiązania zapożyczone od Hokusai, Hiroshigego i Utamaro. W Szwecji ta sama fala dotarła do kolonii artystycznej nad jeziorem Racken w Värmlandzie, a Carl Larsson napisał w 1919 roku zdanie, które być może najlepiej podsumowuje cały ruch: jako artysta uważał Japonię za swoją ojczyznę duchową.

Spis treści
↓ Czym jest japonizm?
↓ Tło historyczne: kiedy Japonia otworzyła swoje granice
↓ Najważniejsze dzieła i artyści japonizmu
↓ Technika i język obrazów: co Zachód faktycznie zapożyczył
↓ Japonizm w Szwecji
↓ Japonizm we własnym domu
↓ Oś czasu japonizmu
↓ Pokrewne kierunki artystyczne
↓ Najczęściej zadawane pytania o japonizm

Czym jest japonizm?

Japonizm to zbiorcza nazwa japońskich wpływów na sztukę zachodnią, rzemiosło artystyczne i wzornictwo w okresie mniej więcej od 1860 do 1920 roku. W odróżnieniu od większości kierunków artystycznych japonizm nie ma ani manifestu, ani założyciela, ani wystawy wyznaczającej jego początek. Jest raczej sposobem patrzenia, który rozprzestrzeniał się z pracowni do pracowni - z Paryża do Brukseli, Wiednia, Londynu, a dalej na północ, do Skandynawii.

Termin ukuł Philippe Burty w czasopiśmie „La Renaissance littéraire et artistique” w 1872 roku. Początkowo używano go do opisywania kolekcjonowania przedmiotów japońskich. Dość szybko słowo zaczęło oznaczać coś znacznie bardziej przełomowego: europejscy malarze zaczęli komponować obrazy według zasad japońskich, zamiast stosować tradycję perspektywy renesansowej, która dominowała od XV wieku. To różnica między japonaiserie - przedstawianiem japońskich przedmiotów - a japonizmem - myśleniem po japońsku.

Najważniejsze informacje: Japonizm rozwijał się około 1860-1920 roku, przede wszystkim we Francji, Belgii, Wielkiej Brytanii, Austrii i Skandynawii. Termin japonisme wprowadził w 1872 roku krytyk Philippe Burty. Wydarzeniem inicjującym było otwarcie Japonii na świat dzięki traktatowi z Kanagawy z 1854 roku, po ponad 215 latach izolacji. Przełom w Europie nastąpił podczas wystawy światowej w Paryżu w 1867 roku. Najważniejsze źródło materiałów stanowiły ukiyo-e, japońskie barwne drzeworyty z okresu Edo 1603-1868. Claude Monet posiadał w Giverny 231 japońskich drzeworytów, a Vincent van Gogh około 660 odbitek. Marszand Siegfried Bing wydawał czasopismo Le Japon artistique w 36 numerach w latach 1888-1891, w trzech językach. Ruch ten przeniknął później do secesji, a sklep Binga Maison de l'Art Nouveau (1895-1901) nadał całemu stylowi jego nazwę.

Tło historyczne: kiedy Japonia otworzyła swoje granice

Japonizm jest nie do pomyślenia bez konkretnego wydarzenia politycznego. W okresie polityki sakoku szogunatu Tokugawa Japonia od 1639 roku była w praktyce zamknięta na świat zewnętrzny, z wyjątkiem ściśle regulowanego handlu prowadzonego przez holenderską faktorię handlową Dejima u wybrzeży Nagasaki. Gdy amerykańska eskadra komandora Matthew Perry’ego wymusiła zawarcie traktatu z Kanagawy 31 marca 1854 roku, otwarto porty - a wraz z nimi popłynął strumień przedmiotów, jakich Europa nigdy wcześniej nie widziała.

Sakoku i 215 lat izolacji

W okresie izolacji japońska sztuka wizualna rozwijała się w zupełnie własnym kierunku. Ukiyo-e, „obrazy przepływającego świata”, wyłoniło się jako masowo produkowana i tania forma sztuki dla mieszczaństwa Edo. Przedstawiano aktorów, kurtyzany, krajobrazy, pory roku i sceny z codziennego życia. Technika - barwne drzeworyty z osobnymi klockami dla każdego koloru - dawała płaskie, wyraźnie odgraniczone pola barw, pozbawione modelowania. Nic w europejskiej tradycji artystycznej nie przypominało tego zjawiska. Jeśli chcesz dowiedzieć się więcej o samych początkach, przeczytaj opracowanie Bozetto o sztuce japońskiej i ukiyo-e.

Wystawy światowe jako motor rozpowszechniania

Często powtarzana anegdota o tym, że malarz Félix Bracquemond w 1856 roku znalazł zeszyt ze szkicami Hokusai jako papier pakowy wokół importowanej porcelany, jest trudna do szczegółowego potwierdzenia, ale oddaje coś prawdziwego: pierwsze odbitki trafiły do Europy jako materiał opakowaniowy. Zorganizowany przełom nastąpił później. Na Wystawie Światowej w Londynie w 1862 roku pokazano japońskie przedmioty z kolekcji brytyjskiego dyplomaty Rutherforda Alcocka, a podczas Exposition Universelle w Paryżu w 1867 roku Japonia po raz pierwszy miała własny oficjalny pawilon. Po 1867 roku japońskie druki, wachlarze, wyroby lakierowane i ceramika stały się częścią codziennego życia paryskiego świata sztuki.

Siegfried Bing i wydawnictwo japonizmu

Żadna pojedyncza osoba nie zrobiła więcej, by przekształcić modę w teorię sztuki, niż handlarz dziełami sztuki Siegfried Bing (1838–1905). Około 1881 roku sam podróżował do Japonii, stworzył w Paryżu magazyn grafik i wyrobów rzemiosła artystycznego, a w latach 1888–1891 wydawał kosztowny miesięcznik Le Japon artistique równolegle po francusku, angielsku i niemiecku – 36 numerów z kolorowymi planszami, które rozpowszechniły się w całej Europie. W 1895 roku Bing otworzył sklep Maison de l'Art Nouveau, działający do 1901 roku, który nadał nazwę secesji. To właśnie w lokalu Binga linia między japonizmem a secesją przebiega wprost.

Najważniejsze dzieła i artyści japonizmu

Japonizm nie ma własnych arcydzieł w tym sensie, że należałyby wyłącznie do tego ruchu. Zamiast tego jest obecny w kilku najsłynniejszych obrazach sztuki nowoczesnej. Oto cztery najważniejsze ślady.

Claude Monet: La Japonaise i staw z liliami wodnymi

W 1875 roku Monet namalował portret La Japonaise, na którym jego żona Camille ma na sobie wspaniałe czerwone kimono z wyhaftowaną postacią samuraja, otoczona japońskimi wachlarzami, a ponadto nosi blond perukę, aby podkreślić, że jest Europejką. Obraz pokazano na drugiej wystawie impresjonistów w 1876 roku i sprzedano w tym samym roku za 2 000 franków – kwotę niezwykłą jak na Moneta w tamtym czasie. Museum of Fine Arts w Bostonie nabyło dzieło w 1956 roku za 45 000 dolarów i do dziś obraz tam wisi.

Jednak głębszy japonizm Moneta nie tkwił w kimonie. Tkwił w ogrodzie w Giverny, gdzie kazał zbudować japoński mostek nad stawem z liliami wodnymi, oraz w jego kolekcji 231 japońskich drzeworytów, które wciąż wiszą w domu – w tym 46 grafik Kitagawy Utamaro, 48 Utagawy Hiroshigego i 23 Katsushiki Hokusaia. Wysoki horyzont obrazów lilii wodnych, brak nieba oraz nacisk na powierzchnię zamiast przestrzeni są japonizmem w czystej postaci. Dowiedz się więcej o Monet i Giverny.

Vincent van Gogh: 660 drzeworytów i kopie według Hiroshige

Van Gogh po raz pierwszy zetknął się z ukiyo-e w Antwerpii w 1885 roku. Zimą 1886–87 w Paryżu on i jego brat Theo kupili u Siegfrieda Binga około 660 japońskich drzeworytów, częściowo z myślą o handlu nimi. Kolekcja zachowała się w większości w Muzeum Van Gogha w Amsterdamie. W marcu 1887 roku Vincent zorganizował własną wystawę plansz w kawiarni Le Tambourin, a w tym samym roku namalował trzy obrazy bezpośrednio na podstawie japońskich wzorów, wśród nich wersję tęczowego mostu Hiroshigego oraz kwitnącą śliwę, oprawione japońskimi znakami pisma, które skopiował, nie rozumiejąc ich. Czytaj dalej o życiu i malarstwie Van Gogha.

Edgar Degas i ucięte spojrzenie

U Degasa japonizm widoczny jest nie w motywie, lecz w kadrowaniu. Jego sceny baletowe i kąpiące się kobiety oglądane są z ukosa z góry, często z postacią uciętą przez krawędź obrazu oraz dużymi partiami podłogi lub ściany pozostawionymi bez treści. Ta zasada kompozycyjna pochodzi niemal dosłownie z miejskich widoków Hiroshigego, na których słup lub pień drzewa może przecinać pierwszy plan na wskroś. Tego samego zabiegu używa dziś każdy fotograf, który świadomie umieszcza główny motyw na krawędzi kadru.

Whistler, Klimt i dekoracyjne dziedzictwo

James McNeill Whistler należał do pierwszych osób w Londynie, które kolekcjonowały japońskie druki, a jego Nocturnes z lat 70. XIX wieku opierają się na tej samej idei obrazu jako barwnej powierzchni, a nie okna. W Wiedniu Gustav Klimt przejął japońskie zasady ornamentyki i włączył je do swojej złotej fazy: wzorzyste pola w Pocałunku z lat 1907–08 wykazują wyraźne pokrewieństwo z japońskimi tkaninami i wyrobami lakierowanymi. U Henriego de Toulouse-Lautreca ukiyo-e przekształciło się w sztukę plakatu, z dużymi płaskimi polami barwnymi, wyraźnym konturem i tekstem zintegrowanym z kompozycją.

„…jako artysta Japonia jest moją ojczyzną.” – Carl Larsson, 1919

Technika i język obrazu: co Zachód faktycznie zapożyczył

Łatwo pomyśleć, że japonizm dotyczył kwiatów wiśni i kimon. Rzeczywisty transfer miał charakter techniczny i strukturalny i można go opisać za pomocą trzech zasad, które wszystkie łamią europejską tradycję akademicką.

Ucięta kompozycja

W serii Hiroshigego Sto słynnych widoków Edo, wydanej w 118 planszach w latach 1856–1858, na pierwszym planie często umieszczano duży obiekt – mewę, gałąź, drabinę pożarową – ucięty przez krawędź obrazu, co tworzy dramatyczną głębię wobec małej, odległej sceny. Europejska tradycja malarska wymagała, by motyw był kompletny i wyśrodkowany. Japonizm upowszechnił przeciwieństwo tej zasady, a ucięty obraz stał się znakiem rozpoznawczym nowoczesnego widzenia. Omówienie przez Bozetto badań nad ruchami gałek ocznych pokazuje, dlaczego kadrowanie działa także dziś na ścianie.

Powierzchnia przed głębią

Japońskie druki nie wykorzystują perspektywy centralnej z jednym punktem zbiegu. Posługują się perspektywą równoległą i nakładającymi się planami obrazu, dzięki czemu obraz nigdy nie udaje okna. Właśnie tego spostrzeżenia potrzebowali Paul Gauguin, Maurice Denis i grupa nabistów, aby móc twierdzić, że obraz jest przede wszystkim płaską powierzchnią pokrytą kolorami w określonym porządku. Stąd prowadzi prosta linia do całej abstrakcji XX wieku.

Linia konturowa i płaski kolor

Ponieważ każdy kolor w drzeworycie jest drukowany z osobnego klocka, pola barwne są równe i wyraźnie odgraniczone, często spajane drukowaną linią konturową z klocka kluczowego. Estetykę tę przejęli jako cloisonnizm Émile Bernard i Gauguin w Pont-Aven, a następnie stała się ona standardem w sztuce plakatowej i ilustracyjnej. Należy tu również świadoma asymetria: kompozycja japońska unika osi środkowej i operuje zaburzeniem równowagi, które mimo to pozostaje spójne. Seria Katsushiki Hokusai Trzydzieści sześć widoków góry Fuji, opublikowana około 1830-1832 roku, była pojedynczą serią, która rozpowszechniła się najszerzej ze wszystkich i nadal definiuje to, co wielu ludzi rozumie przez japoński obraz.

Japonizm w Szwecji

Japonizm w Szwecji jest wyraźnie słabiej zbadany niż francuski, ale istnieje i jest dobrze udokumentowany. Szwedzcy artyści zazwyczaj zetknęli się ze sztuką japońską w Paryżu w latach 80. i 90. XIX wieku, a następnie przywieźli te wrażenia do domu, do kontekstu narodowego romantyzmu, gdzie połączyły się one z zainteresowaniem szwedzką naturą i szwedzkim rzemiosłem.

Artyści z Rackstad nad jeziorem Racken

Najwyraźniejszy przejaw japonizmu w Szwecji można znaleźć w kolonii artystów nad jeziorem Racken, niedaleko Arviki w Värmlandzie. Gustaf i Maja Fjæstad, Bror Lindh, Björn Ahlgrensson, ceramiczka Hilma Persson-Hjelm oraz artyści-kowale z tej grupy od lat 90. XIX wieku tworzyli asymetryczne kompozycje, podkreśloną płaszczyznę obrazu i pejzaże niemal pozbawione głębi - a także przyjmowali inspirowaną Japonią postawę, w której granica między sztuką a rzemiosłem była świadomie zatarta. Gustaf i Maja Fjæstad posiadali własne japońskie drzeworyty. Wystawa När Japan kom till Värmland, przygotowana przez Muzeum Värmland i prezentowana w Galerii Thiel od 17 lutego do 3 czerwca 2018 roku, była pierwszym całościowym opracowaniem tego tematu i odbywała się w ramach obchodów 150-lecia stosunków dyplomatycznych między Szwecją a Japonią, nawiązanych w 1868 roku.

Kolekcjonerzy: Ernest Thiel i Muzeum Azji Wschodniej

Mecenas sztuki Ernest Thiel podzielał zainteresowanie artystów. Cztery drzeworyty XVIII-wiecznego mistrza Kitagawy Utamaro z prywatnej kolekcji Thiela odkryto na nowo w magazynie Thielskiej Galerii przed wystawą w 2018 roku. Ślady tej inspiracji widać także u Bruna Liljeforsa, którego studia ptaków na pustym tle trudno wyjaśnić bez ukiyo-e, oraz u Julii Beck. Kolekcję instytucjonalną zaczęto tworzyć później: Muzeum Wschodnioazjatyckie w Sztokholmie założono w 1926 roku i obecnie przechowuje największy w Szwecji państwowy zbiór japońskiej grafiki i rzemiosła artystycznego. Związek między japonizmem a szwedzkim romantyzmem narodowym nie jest więc późniejszą interpretacją, lecz czymś, czego ówcześni byli w pełni świadomi.

Japonizm we własnym domu

Język obrazowy japonizmu wyjątkowo dobrze sprawdza się na współczesnej ścianie z prostego powodu: został stworzony z myślą o druku. Ukiyo-e nigdy nie powstawało jako unikatowe oryginały, lecz w nakładach, w standardowych formatach. Najpopularniejszy, ōban, miał około 39 × 26 centymetrów - czyli proporcje bardzo zbliżone do współczesnego formatu 30 × 40. Japoński motyw zazwyczaj nie wymaga więc przycinania ani powiększania, aby dobrze pasować do standardowej ramy.

Japandi: współczesny spadkobierca japonizmu

Kierunek stylistyczny nazywany w latach 2020. japandi jest w praktyce drugą falą japonizmu. Łączy japońską redukcję i nordycką funkcjonalność w tej samej stonowanej palecie: jasne drewno, niebarwiony len, niewiele przedmiotów i dużo pustej przestrzeni. To ta sama logika estetyczna, zgodnie z którą działali artyści z Rackstad sto dwadzieścia lat temu. Kolekcja japandi marki Bozetto gromadzi motywy w tej tradycji, a dla osób poszukujących autentycznej japońskiej grafiki dostępna jest także kolekcja Ohary Kosona, którego drzeworyty przedstawiające ptaki i kwiaty z początku XX wieku należą do najczęściej wyszukiwanych dzieł tego okresu. Ciekawi Cię, jak style wzajemnie się przenikają? Zobacz także, jak scanditalia łączy nordycką surowość z południowoeuropejskim ciepłem.

Umiejscowienie, rama i przestrzeń wokół motywu

Podstawowa zasada japonizmu mówi, że pusta przestrzeń jest częścią obrazu, a nie błędem. Oznacza to, że japoński motyw najlepiej prezentuje się z hojnym passe-partout oraz wąską, dyskretną ramą w kolorze czarnym, z jasnego drewna lub naturalną. Unikaj szerokich, dekoracyjnych listew ramowych - konkurują one z linią konturu. Jeśli wieszasz kilka grafik razem, najlepiej sprawdzą się takie same ramy i ten sam format, zawieszone w równych odstępach, ponieważ myślenie seriami leży w naturze ukiyo-e. Jeśli chcesz zrozumieć, dlaczego japońskie motywy są odbierane odmiennie przez różnych obserwatorów, zapoznaj się z omówieniem Bozetto dotyczącym badań nad kulturą i postrzeganiem sztuki.

Wskazówka: Umieść motyw japonistyczny tak, aby pusta część obrazu była skierowana ku otwartej stronie pomieszczenia, a nie ku meblowi. Kompozycja drzeworytów jest asymetryczna i zawsze ma punkt ciężkości oraz pustą przestrzeń – jeśli skierujesz pustą przestrzeń w stronę wnętrza, obraz zyska oddech, a punkt ciężkości może spotkać się z regałem lub oparciem sofy. Ta sama zasada sprawia, że jeden dobrze umieszczony liść często działa lepiej niż trzy motywy ustawione w rzędzie.

Oś czasu japonizmu

1639 – Szogunat Tokugawa wprowadza sakoku i zamyka Japonię na świat, z wyjątkiem holenderskiej placówki handlowej Dejima. 1830–1832 – Katsushika Hokusai publikuje Trzydzieści sześć widoków góry Fudżi, w tym Wielką falę w Kanagawie. 1854 – Traktat z Kanagawy zostaje podpisany 31 marca, a Japonia otwiera porty Shimoda i Hakodate. 1856–1858 – Utagawa Hiroshige wydaje Sto słynnych widoków Edo w 118 planszach, w serii, którą później kopiuje Van Gogh.

1862 – Japońskie przedmioty zostają zaprezentowane szerokiej europejskiej publiczności podczas wystawy światowej w Londynie. 1867 – Japonia ma własny pawilon na Exposition Universelle w Paryżu, co uznaje się za przełom w rozwoju japonizmu. 1868 – W Japonii rozpoczyna się restauracja Meiji, a w tym samym roku zostają nawiązane stosunki dyplomatyczne między Szwecją a Japonią. 1872 – Philippe Burty tworzy termin japonisme.

1875–1876 – Monet maluje La Japonaise, obraz prezentowany na drugiej wystawie impresjonistów i sprzedany za 2 000 franków. 1886–1887 – Van Gogh nabywa w Paryżu około 660 japońskich drzeworytów i wystawia je w Le Tambourin. 1888–1891 – Siegfried Bing wydaje Le Japon artistique w 36 numerach i w trzech językach. 1890 – Wielka wystawa grafiki japońskiej w École des Beaux-Arts w Paryżu dociera do nowego pokolenia, w tym do Mary Cassatt i Toulouse-Lautreca.

1895 – Bing otwiera Maison de l'Art Nouveau, a japonizm przechodzi w secesję. 1899–1910 – Artyści z Rackstad w Värmland rozwijają inspirowaną Japonią syntezę malarstwa i rzemiosła. 1907–1908 – Gustav Klimt maluje Pocałunek, w którym japońskie dziedzictwo ornamentyki osiąga swoją najbardziej znaną formę. 1919 – Carl Larsson formułuje swoje wyznanie dotyczące Japonii. 1926 – W Sztokholmie powstaje Muzeum Azji Wschodniej. 2018 – Thielska Galleriet prezentuje wystawę När Japan kom till Värmland, pierwszą kompleksową szwedzką wystawę poświęconą temu tematowi. 2025–2026 – Philbrook Museum of Art w Tulsie prezentuje wystawę Japonisme: New Perspectives from the Land of the Rising Sun od 12 marca 2025 do 29 marca 2026 roku, a Hunter Museum of American Art wystawę Japonisme and America od 28 sierpnia 2025 do 13 lipca 2026 roku, co potwierdza, że temat jest niezwykle aktualny w międzynarodowym świecie muzeów.

Powiązane kierunki artystyczne

Japonizm jest raczej skrzyżowaniem niż ślepą uliczką i dotyczy niemal każdego nurtu powstałego między 1860 a 1920 rokiem. Najbliżej mu do impresjonizmu, który kształtował się dokładnie w tych samych latach, a jego jasna paleta, sceny z życia codziennego i świeże kadrowanie są niemal niemożliwe do wyjaśnienia bez japońskich drzeworytów. Następnie pojawia się postimpresjonizm, w którym zarówno płaskie pola barw Gauguina, jak i kontury Van Gogha są bezpośrednimi zapożyczeniami. W kierunku dekoracyjnym ślad prowadzi do art nouveau i secesji, które odziedziczyły organiczną linię oraz zasadę, że przedmioty użytkowe powinny mieć artystyczną formę.

Warto znać także wcześniejszy nurt równoległy: chinoiserie, czyli XVIII-wieczne europejskie marzenie o Chinach, oparte na tej samej mieszance fascynacji i nieporozumień. Różnica ma zasadnicze znaczenie – chinoiserie kopiowało motywy, a japonizm zapożyczał metodę. Bozetto ma osobne opracowanie na temat chinoiserie i jej drogi do szwedzkich wnętrz. Cały przegląd kierunków w historii sztuki i ich przedstawicieli zebrano w bazie wiedzy Bozetto.

Najczęściej zadawane pytania o japonizm

Wprowadź do domu język wizualny japonizmu

Japonizm to nurt artystyczny, który nauczył Zachód, że obraz może być asymetryczny, kadrowany i płaski – i właśnie dlatego 150 lat później nadal wygląda nowocześnie na ścianie. Jeśli chcesz od czegoś zacząć, drzeworyty z ptakami autorstwa Ohary Kosona są najbardziej bezpośrednim wprowadzeniem, podczas gdy minimalistyczne plakaty przejmują pałeczkę tam, gdzie kończy się japonizm, a zaczyna nordycka redukcja. Zobacz cały wybór dzieł sztuki znanych artystów w Bozetto, wydrukowanych na papierze o gramaturze 200 g/m² i jakości muzealnej, z dostawą na terenie całej Skandynawii.