Kubizm – historia kierunku w sztuce, Picasso, Braque i cechy charakterystyczne

Kubizm to kierunek w sztuce, który bardziej niż jakikolwiek inny rozerwał pięćsetletnią tradycję europejskiej sztuki przedstawiania rzeczywistości tak, jak widzi ją oko. Gdy Pablo Picasso i Georges Braque zaczęli w Paryżu około 1907 roku rozbijać twarze, gitary i butelki na fasetowe płaszczyzny, stworzyli całkowicie nowy język obrazu – taki, w którym przedmiot można było oglądać jednocześnie z przodu, z profilu i od dołu. Dla miłośników sztuki kubizm nie jest jedynie historycznym epizodem, lecz punktem wyjścia całego malarstwa nowoczesnego, a geometryczne motywy do dziś pojawiają się na obrazach i plakatach w tysiącach szwedzkich domów.

Ta strona informacyjna ma stać się najbardziej kompletnym szwedzkim źródłem wiedzy o kubizmie: jego powstaniu, dwóch fazach, pionierach, dziełach, które zmieniły historię sztuki, oraz technikach, które to umożliwiły. Przyglądamy się także temu, jak ruch został przyjęty w Szwecji, ile kubistyczne dzieło kosztuje dziś na aukcji oraz jak można wprowadzić geometryczny język form tego ruchu do własnego domu za pomocą sztuki graficznej. Każda sekcja opiera się na weryfikowalnych faktach pochodzących z muzeów takich jak Moderna Museet i Museum of Modern Art.

Spis treści
↓ Czym jest kubizm?
↓ Narodziny i historia kubizmu
↓ Najważniejsze dzieła kubizmu
↓ Technika, styl i cechy charakterystyczne
↓ Dziedzictwo i wpływ kubizmu
↓ Kubizm w domu
↓ Oś czasu
↓ Pokrewne kierunki w sztuce
↓ Często zadawane pytania o kubizm

Czym jest kubizm?

Kubizm to kierunek w sztuce, który powstał w Paryżu około 1907 roku i rozkładał motywy na geometryczne, fasetowe formy, aby ukazywać je jednocześnie z wielu punktów widzenia. Zamiast odtwarzać przedmiot tak, jak pojawia się on oku w jednej chwili, kubiści budowali obraz z fragmentów opisujących obiekt z różnych stron. W ten sposób całkowicie rozpuszczona została jednolita przestrzeń obrazu renesansu, oparta na perspektywie centralnej – i właśnie to zerwanie sprawia, że historycy sztuki uznają kubizm za prawdziwy punkt zerowy sztuki nowoczesnej.

Najważniejsze fakty: Powstanie: Paryż, około 1907 roku. Założyciele: Pablo Picasso (1881–1973) i Georges Braque (1882–1963). Pierwsze dzieło: Les Demoiselles d'Avignon (1907), 243,9 × 233,7 cm, obecnie w Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Fazy: kubizm analityczny (około 1908–1912) i kubizm syntetyczny (od 1912 roku). Termin ukuty: przez krytyka Louisa Vauxcellesa w gazecie „Gil Blas” 14 listopada 1908 roku. Rekord aukcyjny: Femme assise Picassa (1909) sprzedano za 63,4 miliona dolarów w domu Sotheby's w 2016 roku – to najdroższy kubistyczny obraz w historii. Szwedzka kolekcja: Moderna Museet w Sztokholmie posiada dzieła Picassa, Braque'a i Fernanda Légera.

Nazwa ruchu była początkowo określeniem szyderczym. Gdy Braque wystawił pejzaże w Salonie Jesiennym w 1908 roku, krytyk Louis Vauxcelles opisał je w „Gil Blas” jako zredukowane do „geometrycznych form podstawowych, do sześcianów”. Określenie się przyjęło, a słowo „cubisme” było już powszechnie używane wśród malarzy i krytyków pod koniec 1909 roku. Ruch, który miał stać się jednym z najbardziej wpływowych kierunków XX wieku, otrzymał więc nazwę od recenzenta, który w rzeczywistości chciał go zdyskredytować.

Aby zrozumieć, jak radykalne było to podejście, warto przypomnieć, przeciw czemu wystąpił kubizm. Od czasów renesansu malarstwo europejskie opierało się na iluzji trójwymiarowej przestrzeni oglądanej przez okno, z jednym, stałym punktem widzenia obserwatora. Kubiści odrzucili tę pięćsetletnią konwencję. Zrozumieli, że obraz jest w istocie płaską powierzchnią, a artysta może zatem budować go zgodnie z logiką idei, a nie oka. To spostrzeżenie - że obraz jest autonomiczną konstrukcją, a nie oknem na rzeczywistość - jest być może najważniejszym wkładem kubizmu w historię sztuki i leży u podstaw niemal wszystkiego, co nazywamy sztuką nowoczesną.

Narodziny i historia kubizmu

Za główny okres kubizmu uznaje się lata 1907-1914, kiedy wybuch pierwszej wojny światowej przerwał rozwój ruchu. Jednak jego zalążki pojawiły się wcześniej. Decydujące były dwa impulsy: późne pejzaże Paula Cézanne’a, w których natura została uproszczona do „walca, kuli i stożka”, oraz zetknięcie ze sztuką afrykańską i iberyjską, której uproszczone, przypominające maski twarze Picasso studiował w Paryżu. Z tego skrzyżowania wyrosło malarstwo, które nie chciało już naśladować wrażeń wzrokowych, lecz analizować konstrukcję formy.

Dziedzictwo Cézanne’a i afrykańskie maski

Paul Cézanne zmarł w 1906 roku, a rok później w Paryżu odbyła się wielka wystawa pamiątkowa, która miała decydujące znaczenie dla młodego pokolenia. Sposób, w jaki Cézanne pozwalał, by płaszczyzny przenikały się nawzajem, oraz malowanie tego samego motywu z nieco przesuniętych punktów widzenia stały się bezpośrednim wzorem dla kubistycznej fragmentacji. Jednocześnie sztuka pozaeuropejska dała Picassowi język form wyzwolony z akademickiej wierności naturze - język form, który z pełną mocą ujawnia się w Pannach z Awinionu.

Picasso i Braque - współpraca bez precedensu

W latach 1909-1914 Picasso i Braque pracowali tak blisko siebie, że ich dzieła bywają okresowo trudne do odróżnienia. Braque sam opisywał tę relację jako „dwóch alpinistów przywiązanych do tej samej liny”. Codziennie odwiedzali swoje pracownie, analizowali nawzajem swoje płótna i wspólnie kierowali rozwojem od fragmentacji ku kolażowi. To radykalne współautorstwo jest jednym z najbardziej znanych kreatywnych partnerstw w historii sztuki i wyjaśnia, dlaczego kubizm mógł rozwijać się tak szybko w ciągu zaledwie kilku intensywnych lat.

Po 1912 roku pojawiły się kolejne nazwiska. Juan Gris udoskonalił kubizm syntetyczny za pomocą wyrazistych kolorów i rygorystycznej kompozycji, a Fernand Léger rozwinął własną, rurowatą odmianę, często nazywaną „tubizmem”. Wojna rozproszyła grupę w 1914 roku - Braque i Léger zostali powołani do wojska - ale do tego czasu ruch zdążył już rozprzestrzenić się daleko poza Paryż.

Obok Picassa i Braque'a istniał także szerszy krąg tak zwanych kubistów salonowych, którzy wspólnie wystawiali i spopularyzowali ruch. Artyści tacy jak Albert Gleizes i Jean Metzinger opublikowali w 1912 roku tekst Du cubisme, pierwsze teoretyczne opracowanie tego ruchu, a w tym samym roku wielu kubistów wzięło udział w głośnej wystawie Section d'Or w Paryżu. Podczas gdy sam Picasso i Braque rzadko wyjaśniali swoje zamiary słowami, to właśnie ci teoretycy nadali kubizmowi intelektualne ramy i rozpowszechnili jego idee wśród międzynarodowej publiczności.

Najważniejsze dzieła kubizmu

Nieliczne obrazy dźwigają na sobie całą historię tego ruchu. Oto dzieła, przez które musi przejść każdy opis kubizmu - od pierwszego szoku w 1907 roku po barwne kolaże z lat 1910. Razem wyznaczają mapę drogi, jaką ruch przebył od analizy do syntezy w ciągu niespełna dekady.

Les Demoiselles d'Avignon (1907)

Les Demoiselles d'Avignon Picassa jest powszechnie uznawany za pierwszy obraz kubistyczny i dzieło, które otworzyło drzwi całej sztuce nowoczesnej. Płótno ma wymiary 243,9 × 233,7 cm i przedstawia pięć kobiecych postaci, których ciała są rozbite na kanciaste płaszczyzny, a twarze częściowo przypominają maski. Museum of Modern Art w Nowym Jorku nabyło obraz w 1939 roku dzięki zapisowi testamentowemu Lillie P. Bliss; od tamtej pory dzieło wisi wśród największych skarbów kolekcji. Obraz wstrząsnął nawet najbliższymi przyjaciółmi Picassa, gdy został pokazany, a minęły lata, zanim w pełni zrozumiano jego znaczenie.

Femme assise i faza analityczna

Femme assise Picassa z 1909 roku przedstawia modelkę i ówczesną partnerkę artysty, Fernande Olivier, namalowaną podczas lata spędzonego w hiszpańskiej wiosce Horta de Ebro. Dzieło jest podręcznikowym przykładem kubizmu analitycznego: twarz i ciało są rozbite na drobne, stonowane płaszczyzny w odcieniach brązu, szarości i ochry. Fakt, że właśnie ten obraz został w 2016 roku sprzedany w londyńskim Sotheby's za 43,2 miliona funtów - równowartość 63,4 miliona dolarów - i tym samym stał się najdroższym kubistycznym obrazem, jaki kiedykolwiek sprzedano na aukcji, mówi wiele o tym, jak wysoko rynek wycenia dziś wczesne lata tego ruchu.

Kolaże Braque'a i zwrot ku syntezie

W 1912 roku Georges Braque jako pierwszy przykleił wycięte kawałki papieru bezpośrednio na płótno - zastosował technikę papier collé. Dzięki dziełom zbudowanym z fragmentów tapety, gazet i imitacji usłojenia drewna kubizm przeszedł od analizowania form do ich ponownego składania. Kolory stały się jaśniejsze, a litery, nuty i przedmioty codziennego użytku stały się częścią obrazu. Rekord aukcyjny Braque'a wynosi 10,1 miliona funtów za Paysage à La Ciotat (1907), uzyskane w Christie's w 2010 roku - przypomnienie, że choć Braque był równie ważny jak Picasso, przez długi czas pozostawał na rynku w cieniu swojego towarzysza.

„Maluję przedmioty tak, jak je sobie wyobrażam, a nie tak, jak je widzę”. – Pablo Picasso, cytowany w standardowym dziele Johna Goldinga Cubism (1959)

Technika, styl i cechy charakterystyczne

Co zatem sprawia, że obraz jest kubistyczny? Ruch ma kilka rozpoznawalnych cech, które wyraźnie różnią się między fazą analityczną a syntetyczną. Poniżej omawiamy najważniejsze zabiegi, z których wszystkie były już ugruntowane w okresie 1908–1914.

Kilka punktów widzenia jednocześnie

Najbardziej podstawowym zabiegiem kubistycznym jest ukazanie przedmiotu z kilku punktów widzenia na jednym obrazie. Butelka może być przedstawiona jednocześnie z góry i z boku, a twarz zarówno z profilu, jak i en face. Widz musi sam połączyć części w całość, co czyni go aktywnym współtwórcą, a nie biernym odbiorcą. Zasadę tę Picasso sformułował w swoim słynnym stwierdzeniu, że maluje przedmioty tak, jak je sobie wyobraża.

Kubizm analityczny i stonowana paleta

W fazie analitycznej, trwającej mniej więcej od 1908 do 1912 roku, motywy rozbijano na coraz większą liczbę coraz mniejszych płaszczyzn, aż stawały się niemal nierozpoznawalne. Paletę barw celowo ograniczono do brązów, szarości i ochry, niemal monochromatycznych, ponieważ intensywne kolory zakłócałyby odczytywanie przez oko skomplikowanych form. Dlatego obrazy mogą przy pierwszym spojrzeniu wydawać się trudne do odczytania – wymagają zatrzymania wzroku i powolnego wyłonienia z układu faset gitary, gazety lub twarzy.

Kubizm syntetyczny, papier collé i kolaż

Od 1912 roku ruch zwrócił się ku kubizmowi syntetycznemu. Obraz budowano teraz z gotowych, uproszczonych form, a na płótno naklejano prawdziwe materiały: wycinki z gazet, tapetę i imitację słojów drewna. Papier collé – naklejane kawałki papieru – stał się zupełnie nową techniką i bezpośrednim poprzednikiem całej sztuki kolażu XX wieku. Kolory stały się jaśniejsze, a kompozycje klarowniejsze; po raz pierwszy sztuka zbliżyła się do abstrakcji, nie porzucając całkowicie przedstawieniowości.

Motywy codziennego użytku i powierzchnia graficzna

Kubistów nie pociągały tematy dramatyczne ani podniosłe. Przeciwnie, malowali gitary, butelki, gazety, fajki i stoliki kawiarniane – przedmioty codziennego użytku. To umniejszenie znaczenia motywu na rzecz samoistnej wartości formy i powierzchni stanowi centralny element nowoczesnego charakteru kubizmu oraz jeden z powodów, dla których język obrazowy tego ruchu do dziś tak dobrze przekłada się na sztukę graficzną i format plakatu.

Passe-partout i spłycona przestrzeń obrazu

Cechą techniczną łączącą cały ruch jest celowo spłycona przestrzeń obrazu. Podczas gdy wcześniejsze malarstwo tworzyło głębię za pomocą perspektywy linearnej i powietrznej, kubizm ściska przestrzeń tak, że pierwszy plan i tło zlewają się niemal w jedną płaszczyznę. Przedmioty zdają się unosić blisko powierzchni płótna, a cienie i objętość są raczej sugerowane niż opisywane. W efekcie powstaje obraz, który nieustannie przypomina widzowi, że jest właśnie malowaną powierzchnią – to jeden z powodów, dla których dzieła kubistyczne zachowują swoją siłę także w małym formacie i jako reprodukcje.

Dziedzictwo i wpływ kubizmu

Niewiele ruchów artystycznych wywarło tak szeroki wpływ. Już w latach 1910. idee kubizmu rozprzestrzeniły się na szereg nowych kierunków w całej Europie, a ruch ten jest dziś uznawany za fundament niemal całej późniejszej sztuki abstrakcyjnej.

Od futuryzmu do konstruktywizmu

Włoski futuryzm przejął fragmentację kubizmu, nadając jej jednak ruch i dynamikę. W Rosji konstruktywizm i suprematyzm rozwijały dalej geometryczne płaszczyzny, a we Francji eksperymenty doprowadziły do czystej abstrakcji. Również drogę Wassilego Kandinsky'ego i Pieta Mondriana ku sztuce nieprzedstawiającej można prześledzić wstecz do wolności od odwzorowywania rzeczywistości, którą kubizm jako pierwszy uczynił możliwą do wyobrażenia.

Późniejszy kubizm Picassa i Guernica

Kubizm nie umarł wraz z pierwszą wojną światową. Picasso zachował jego język obrazowy przez całe życie, a w swoim najsłynniejszym dziele, Guernice z 1937 roku, połączył fragmentaryczne formy kubizmu z pełną napięcia treścią polityczną. Czarno-biała, płaska kompozycja o szerokości ponad siedmiu metrów pokazuje, że środki tego nurtu mogły unieść nawet najgłębszą powagę. Fakt, że język form kubizmu można było wypełnić treścią od martwych natur po grozę wojny, jest jednym z najwyraźniejszych dowodów jego trwałości jako języka, a nie tylko stylu.

Kubizm w Szwecji i Moderna Museet

Kubizm dotarł do Szwecji na początku lat 1910., przede wszystkim za pośrednictwem szwedzkich artystów podróżujących do Paryża i Berlina. Najważniejszym z nich był Gösta Adrian-Nilsson, znany jako GAN (1884-1965), uznawany za pioniera szwedzkiego modernizmu. Po przyjeździe do Paryża w 1920 roku poznał Fernanda Légera, a w pierwszych latach pobytu malował serię surowych kompozycji w duchu kubizmu syntetycznego. Jego rodak Otto G. Carlsund studiował w Académie Moderne Légera. Dziś Moderna Museet w Sztokholmie posiada znaczące dzieła pionierów kubizmu - Picassa, Braque'a i Légera - co czyni ją oczywistym miejscem, by w Szwecji z bliska poznać ten nurt.

Kubizm w domu - praktyczny przewodnik

Geometryczny język form kubizmu należy do najłatwiejszych do wprowadzenia do wnętrza właśnie dlatego, że jest graficzny i wyrazisty. Obraz inspirowany kubizmem nadaje pomieszczeniu strukturę i intelektualny ciężar, nie wymagając przy tym mocnych kontrastów kolorystycznych, na których opiera się na przykład ekspresjonizm. Stonowane odcienie ziemi z fazy analitycznej - brązy, szarości i ochry - naturalnie współgrają ponadto z drewnem, lnem i innymi materiałami często spotykanymi w skandynawskich domach.

Jeśli chcesz więcej energii, wybierz zamiast tego motywy w jaśniejszej palecie kolorystycznej kubizmu syntetycznego albo czyste abstrakcje geometryczne, które rozwijają idee tego nurtu. Kubistyczny plakat doskonale sprawdza się jako punkt centralny kompozycji obrazów zestawionej z motywami graficznymi i abstrakcyjnymi, ponieważ fasetowe formy łączą różne style. W naszym asortymencie abstrakcyjnych plakatów i plakatów graficznych znajdziesz kilka motywów nawiązujących do wyczucia formy charakterystycznego dla tego nurtu.

Pomyśl także o formacie. Kubistyczny motyw z wieloma małymi płaszczyznami dobrze prezentuje się w większym formacie, aby detale były czytelne, podczas gdy bardziej oszczędna kompozycja geometryczna sprawdzi się również jako mniejszy obraz w grupie. W salonie dobrze wygląda duże, dominujące dzieło nad sofą, natomiast w przedpokoju lub gabinecie sprawdzi się bardziej zwarta kompozycja złożona z kilku mniejszych motywów w zbliżonej kolorystyce.

Wskazówka: Zapewnij kubistycznemu obrazowi dużo wolnej przestrzeni wokół. Fasetowane formy są intensywne wizualnie, dlatego prosta, wąska rama w kolorze czarnym lub naturalnym oraz spokojne otoczenie pozwolą motywowi nabrać oddechu. Jeśli chcesz stworzyć kolekcję, połącz geometryczny motyw z dwiema lub trzema spokojniejszymi abstrakcjami w tej samej stonowanej palecie kolorów - w ten sposób powstanie przemyślana całość, bez wrażenia chaosu w pomieszczeniu.

Jeśli chcesz dowiedzieć się więcej o wieszaniu i łączeniu dzieł sztuki, przygotowaliśmy kilka poradników: przeczytaj więcej o tworzeniu galerii ściennej, oprawianiu dzieł sztuki oraz abstrakcyjnych plakatach, aby znaleźć więcej inspiracji do przemyślanej aranżacji wnętrza.

Oś czasu kubizmu

Intensywne lata rozwoju kubizmu można podsumować w chronologii obejmującej okres od wczesnych inspiracji po rozprzestrzenienie się tego nurtu.

1906: Umiera Paul Cézanne, a wystawa upamiętniająca artystę zorganizowana w następnym roku staje się kluczowym źródłem inspiracji dla młodych malarzy w Paryżu.

1907: Picasso kończy Les Demoiselles d'Avignon - dzieło uznawane za punkt wyjścia kubizmu.

1908: Braque wystawia pejzaże na Salonie Jesiennym; krytyk Louis Vauxcelles opisuje je jako „kostki” w „Gil Blas” 14 listopada, nadając nurtowi jego nazwę.

1909: Picasso maluje Femme assise w Horta de Ebro; słowo „cubisme” jest już powszechnie używane. Rozpoczyna się faza analityczna.

1910–1911: Kubizm analityczny osiąga apogeum dzięki silnie fragmentarycznym, niemal monochromatycznym dziełom.

1912: Braque wprowadza papier collé; kubizm syntetyczny nabiera kształtu dzięki kolażom i jaśniejszym kolorom. Gleizes i Metzinger publikują Du cubisme, a Juan Gris wyłania się jako czołowa postać.

1914: Wybucha I wojna światowa; Braque i Léger zostają powołani do wojska, a krąg pionierów rozpada się.

Lata 20. XX wieku: idee kubizmu rozprzestrzeniają się na arenie międzynarodowej; w Szwecji GAN i Otto G. Carlsund rozwijają ten nurt po spotkaniu z Légerem w Paryżu.

1937: Picasso maluje Guernicę i pokazuje, że język form kubizmu może wyrażać nawet najgłębszą powagę.

Powiązane kierunki i artyści

Kubizm znajduje się w centrum całej sieci nowoczesnych kierunków. Głównemu twórcy tego ruchu poświęcona jest nasza strona o Pablo Picassie, a to Henri Matisse zgodnie z tradycją jako pierwszy mówił o „małych sześcianach” Braque’a. Dalsza droga ku sztuce nieprzedstawiającej została opisana na stronach poświęconych sztuce abstrakcyjnej i pionierowi Wassilemu Kandinsky’emu, podczas gdy surrealizm przejął po kubizmie rolę czołowej awangardy Paryża. Geometryczny język form kubizmu przetrwał także w dekoracyjnym stylu Art Deco lat 20. XX wieku. Aby zobaczyć, jak wszystko się ze sobą łączy, zajrzyj do naszego przekrojowego opracowania historii sztuki oraz odwiedź naszą bazę wiedzy z materiałami na temat artystów i kierunków. Zachęcamy również do dalszego zgłębiania tego ruchu poprzez artykuł Wikipedii o kubizmie, kolekcję w Moderna Museet oraz stronę dzieła Les Demoiselles d’Avignon w serwisie MoMA. Dadaizm powstał równolegle jako najbardziej prowokacyjny bunt modernizmu – przeczytaj więcej o dadaizmie.

Chcesz poznać pokrewny kierunek? Przeczytaj nasze opracowanie na temat futuryzmu – włoskiego ruchu awangardowego, który uczynił z prędkości i ruchu sztukę.

Często zadawane pytania o kubizm

Czy chcesz wprowadzić do własnego domu geometryczne wyczucie formy kubizmu? Odkryj nasz asortyment abstrakcyjnych plakatów, naszych znanych artystów oraz przewodnika po urządzaniu wnętrz z plakatami, aby znaleźć motywy, które rozwijają dziedzictwo tego nurtu.