Malarstwo pejzażowe - historia gatunku, mistrzowie i cechy malowanego krajobrazu

Malarstwo pejzażowe to dziedzina sztuki, która czyni naturę główną bohaterką zamiast tłem, i gatunek najczęściej wybierany przez Szwedów, gdy wieszają w domu obraz lub plakat. Pejzaż może przedstawiać górską ścianę w kontrowym świetle, zamglone październikowe pole albo linię horyzontu, gdzie morze spotyka się z niebem i nic więcej się nie dzieje. Przez większą część historii sztuki takie motywy uznawano za podrzędne – natura pojawiała się na obrazie, lecz tylko po to, by oprawić legendę o świętym, scenę bitwy lub portret. Dopiero gdy pejzaż mógł wystąpić samodzielnie, narodził się gatunek, który znamy dziś.

Ten przewodnik śledzi drogę malarstwa pejzażowego od panoramicznych pejzaży świata Joachima Patinira około 1520 roku, przez sprzedawane na rynku widoki holenderskiego złotego wieku i malarstwo plenerowe szkoły Barbizon, aż po szwedzkie wodospady Marcusa Larsona i wizjonerską nordycką naturę przełomu wieków. Dowiesz się, co technicznie odróżnia pejzaż od studium natury, jakie istnieją podgatunki, które muzea w Szwecji pielęgnują to dziedzictwo – oraz jak przełożyć czterysta lat tradycji obrazowania na motywy, które sprawdzą się nad kanapą.

Spis treści
↓ Czym jest malarstwo pejzażowe?
↓ Historia malarstwa pejzażowego – od kulisy do głównego motywu
↓ Holenderski złoty wiek – gatunek staje się samodzielny
↓ Podgatunki i powracające motywy
↓ Technika, kompozycja i światło
↓ XIX wiek – Barbizon, Hudson River i malarstwo plenerowe
↓ XX wiek – pejzaż po naturalizmie
↓ Szwedzkie i nordyckie malarstwo pejzażowe
↓ Malarstwo pejzażowe w domu – jak wybrać motyw
↓ Oś czasu – rozwój gatunku
↓ Powiązane kierunki artystyczne i artyści
↓ Często zadawane pytania o malarstwo pejzażowe

Czym jest malarstwo pejzażowe?

Malarstwo pejzażowe definiuje fakt, że natura stanowi właściwy temat obrazu. Sama obecność drzew, gór czy wody nie wystarcza – w renesansowym malarstwie historycznym często pojawiają się zarówno góry, jak i rzeki, lecz służą one opowieści. W malarstwie pejzażowym relacja jest odwrotna: ewentualne postacie to sztafaż, małe sylwetki nadające scenie skalę i ruch, choć scena działałaby również bez nich.

Hierarchia gatunków, sformalizowana przez francuską Akademię Sztuk Pięknych w XVII wieku, umieszczała malarstwo historyczne na szczycie, następnie portret, potem sceny rodzajowe, dalej pejzaż, a na końcu martwą naturę. To, że pejzaż zajmował przedostatnie miejsce, wyjaśnia, dlaczego tak wielu wczesnych malarzy pejzażystów umieszczało w swoich widokach postać biblijną lub mitologiczną: podnosiło to status dzieła w oczach kupujących. Hierarchia ta utrzymała się aż do połowy XIX wieku, gdy malarstwo plenerowe i rosnąca klasa średnia wspólnie odwróciły ten porządek.

Dziś pejzaż jest najsilniejszym komercyjnie gatunkiem obrazu ze wszystkich. Działa dlatego, że oferuje spojrzeniu głębię, której sama przestrzeń nie ma - ściana z pejzażem staje się psychologicznie większa niż pusta ściana. To także dlatego motywy natury dominują wśród plakatów z motywami natury oraz w szerszej kategorii dzieł sztuki znanych artystów.

Szybkie fakty: Za założyciela gatunku na Zachodzie uznaje się Joachima Patinira (ok. 1480–5 października 1524), działającego w Antwerpii. Albrecht Dürer nazwał go w 1521 roku w swoim dzienniku podróży „der gute Landschaftsmaler” - to pierwsze znane użycie słowa Landschaft w znaczeniu artystycznym. W Chinach odpowiadający mu gatunek, shan shui („góra-woda”), osiągnął szczyt już za panowania dynastii Song w latach 960–1279. Pejzaż stał się odrębnym towarem rynkowym w Niderlandach w XVII wieku. Hierarchia gatunków francuskiej akademii sztuk pięknych umieszczała pejzaż na przedostatnim, piątym miejscu. Rekord aukcyjny za obraz pejzażowy należy do dzieła J.M.W. Turnera Rome, from Mount Aventine, sprzedanego w londyńskim Sotheby's 3 grudnia 2014 roku za 30,3 miliona funtów. W Szwecji większość dziewiętnastowiecznego malarstwa pejzażowego znajduje się pod opieką Nationalmuseum w Sztokholmie.

Historia malarstwa pejzażowego - od kulisy do głównego motywu

To, że natura mogłaby sama udźwignąć cały obraz, jest w Europie stosunkowo młodą ideą. Droga do niej prowadzi przez trzy wyraźne etapy: dekoracyjne przestrzenie natury w antyku, panoramiczne obrazy renesansu flamandzkiego oraz specjalizację rynku niderlandzkiego.

Antyk i średniowiecze - natura jako kulisa

Rzymskie wille miały malowidła ścienne przedstawiające ogrody, widoki wybrzeża i sceny pasterskie; do najsłynniejszych należą te z Willi Liwii w Prima Porta. Te dekoracje pomieszczeń były iluzjonistycznymi przestrzeniami natury, a nie samodzielnymi dziełami - brakowało im ramy, sygnatury i wyodrębnienia, które czynią z obrazu przedmiot. W średniowieczu natura skurczyła się jeszcze bardziej. Złote tło ołtarzy zastąpiło niebo, a pejzaż ograniczono do symbolicznych skupisk drzew i stylizowanych wzgórz wskazujących miejsce wydarzenia.

Patinir i pejzaż świata

Przełom nastąpił w Antwerpii. Joachim Patinir około 1515–1524 roku rozwinął to, co historia sztuki nazywa pejzażem świata, Weltlandschaft: panoramiczny widok oglądany z podwyższonej pozycji, w którym wzrok ogarniał równiny, rzeki, formacje skalne i odległe miasta w jednym spójnym wycinku świata. Postacie religijne pozostały, lecz są uderzająco małe, czasem ledwie rozpoznawalne. Panele Patinira były poziome i stosunkowo niewielkie, a ten format stał się później normą dla tego gatunku.

Pod względem technicznym Patinir wprowadził skalę barw, która miała zdefiniować głębię w malarstwie pejzażowym: brązy i ciepłe barwy na pierwszym planie, zieleń na planie pośrednim, błękit ku horyzontowi. To podstawowy schemat perspektywy powietrznej, nadal używany przez ilustratorów i fotografów. Następcy Patinira w Niderlandach, wśród nich Pieter Bruegel Starszy, przejęli zarówno panoramę, jak i gradację barw.

Shan shui – równoległa tradycja Chin

Podczas gdy Europa wciąż traktowała naturę jako tło, Chiny miały w pełni rozwinięty gatunek pejzażowy. Shan shui, dosłownie „obraz gór i wody”, malowano pędzlem i tuszem na jedwabiu lub papierze, a gatunek ten zyskał szeroką popularność w IX i X wieku. Fan Kuan (ok. 960–ok. 1030) stworzył w dziele Podróżni wśród gór i strumieni jedno z absolutnie najważniejszych dzieł tej tradycji: wiszący zwój, na którym dominuje ogromna centralna góra, pierwszy plan jest gęsty, a pasma mgły zarówno oddzielają, jak i łączą strefy obrazu.

Różnica w porównaniu z tradycją europejską jest zasadnicza. Shan shui nie dążyło do przedstawienia konkretnego miejsca, lecz do ukazania porządku natury – kosmicznej wizji, w której człowiek jest mały, ale nie pozbawiony znaczenia. Ta estetyka dotarła do Europy na dobre dopiero za pośrednictwem japońskich drzeworytów w XIX wieku i do dziś kształtuje stonowaną, pełną powietrza tradycję obrazową widoczną na plakatach japandi.

Holenderski złoty wiek – gatunek staje się samodzielny

Malarstwo pejzażowe stało się całkowicie samodzielnym gatunkiem w XVII wieku w Niderlandach. Przyczyny były praktyczne. Republika Niderlandzka została uznana za niepodległe państwo na mocy pokoju westfalskiego w 1648 roku, Kościół protestancki nie zamawiał ołtarzy, a zamożna klasa mieszczańska kupowała sztukę bezpośrednio na otwartym rynku. Malarze specjalizowali się więc w tym, co się sprzedawało: widokach, pejzażach wybrzeża, scenach zimowych i sylwetach miast w formatach pasujących do zwykłego salonu.

Ruisdael i natura Niderlandów

Jacob van Ruisdael (ok. 1628–1682) jest najbardziej wpływowym pejzażystą złotego wieku. Pracował w niezwykle szerokim zakresie tematów – malował wodospady, zimowe pejzaże, wybrzeża, panoramiczne widoki Haarlemu z polami bielonymi do produkcji płótna i wieżami kościelnymi – oraz nadawał niebu dominującą rolę. W jego kompozycjach chmury często zajmują dwie trzecie powierzchni, co stało się wyróżnikiem północnoeuropejskim. Połączenie topograficznej wiarygodności Ruisdaela z dramatyczną reżyserią światła zostało później podjęte zarówno przez malarzy brytyjskich, jak i nordyckich.

Claude Lorrain i ideał arkadyjski

Równolegle w Rzymie rozwijała się zupełnie inna tradycja. Claude Lorrain (1604/05–1682), Francuz mieszkający we Włoszech, budował swoje pejzaże według racjonalnych zasad kompozycji: ciemne drzewo lub ruina na pierwszym planie jako repoussoir, plan pośredni z pasterzami lub postaciami biblijnymi oraz otwarcie na morze mieniące się w porannym lub wieczornym słońcu. Rezultat nazywa się pejzażem arkadyjskim lub idyllicznym i przedstawia wyidealizowane Włochy, a nie udokumentowane miejsce.

Kompozycja Claude’a stała się wzorem, który utrzymał się przez dwa stulecia. Angielscy właściciele ziemscy zakładali parki na podstawie jego obrazów, a J.M.W. Turner zażądał w testamencie, by dwa jego własne dzieła wisiały obok obrazów Claude’a w National Gallery. To, że brytyjski romantyzm mógł stać się tak silny, wynikało w dużej mierze z tego, że formuła Claude’a była punktem odniesienia – i czymś, przeciwko czemu można było się buntować.

Podgatunki i powracające motywy

Malarstwo pejzażowe nie jest jednolitą kategorią, lecz zbiorem podgatunków o różnych zasadach, odbiorcach i języku obrazowym. Trzy najważniejsze dla osoby wybierającej motyw na ścianę to pejzaż wzniosły, malarstwo marynistyczne i pejzaż zimowy.

Pejzaż wzniosły

Wzniosłość opiera się na rozróżnieniu filozofa Edmunda Burke’a z 1757 roku między tym, co piękne i sprawia przyjemność, a tym, co wzniosłe i przytłacza. W malarstwie przekłada się to na wąwozy, lawiny, burze i masywy górskie, w których widz zostaje postawiony w położeniu podporządkowanym. Caspar David Friedrich i William Turner reprezentują dwa bieguny gatunku: Friedrich jest powściągliwy i metafizyczny, Turner gwałtowny i atmosferyczny. Rekord aukcyjny Turnera wynoszący 30,3 miliona funtów za Rzym z Mount Aventine mówi coś o tym, jak wysoko rynek nadal ceni ten typ obrazu; rekord Johna Constable’a za Śluzę z 1824 roku wynosi 22,4 miliona funtów.

Malarstwo marynistyczne i pejzaż nadmorski

Malarstwo marynistyczne wyrosło z żeglugi niderlandzkiej i początkowo miało charakter dokumentalny – armatorzy zamawiali obrazy swoich statków. Gatunek szybko ewoluował w kierunku studiów atmosfery, w których woda, mgła i światło są właściwym tematem. Pejzaż nadmorski jest jego łagodniejszym krewnym i motywem, który obecnie najlepiej sprzedaje się w szwedzkich domach, częściowo dlatego, że linia horyzontu sprawia, iż małe pomieszczenie wydaje się szersze. Czyste motywy morza i nieba szczególnie dobrze sprawdzają się na czarno-białych plakatach, gdzie brak koloru wzmacnia skalę tonalną.

Pejzaż zimowy

Pejzaż zimowy jest specjalnością Europy Północnej, której korzenie sięgają obrazu Bruegla Myśliwi na śniegu z 1565 roku. Mała epoka lodowa przyniosła w XVII wieku zamarznięte kanały i zasypane śniegiem wioski, które zamawiający rozpoznawali, a gatunek zyskał drugie życie w Skandynawii w XIX wieku. Technicznie pejzaż zimowy jest wymagający, ponieważ śnieg nigdy nie jest biały: przejmuje całą temperaturę barwową przestrzeni, od ciepłego różu w nisko padającym świetle słonecznym po głęboki błękit w cieniu.

„Malarstwo to tylko inne określenie uczuć.” – John Constable, list do Johna Fishera, 1821

Technika, kompozycja i światło

To, co sprawia, że pejzaż jest przekonujący, rzadko sprowadza się do bogactwa detali, lecz raczej do sposobu ukazania głębi i światła. Dwa zestawy narzędzi powracają w całej historii tego gatunku.

Repoussoir, perspektywa powietrzna i linia horyzontu

Repoussoir to ciemny element na krawędzi obrazu – drzewo, skała, ruina – który kieruje wzrok w głąb obrazu. Perspektywa powietrzna oznacza, że kolory stają się jaśniejsze, bardziej niebieskie i mniej kontrastowe wraz z odległością, ponieważ atmosfera rozprasza światło. Patinir skodyfikował tę zasadę w trzech strefach barwnych już w latach 20. XVI wieku; Leonardo da Vinci opisał to samo zjawisko w swoich notatkach w tym samym okresie.

Umiejscowienie linii horyzontu bardziej niż jakikolwiek inny wybór decyduje o charakterze obrazu. Niski horyzont, jak u Ruisdaela, oddaje władzę niebu i tworzy wrażenie przestrzeni. Wysoki horyzont spłaszcza przestrzeń i kieruje uwagę na strukturę ziemi. Horyzont dokładnie pośrodku niemal zawsze wydaje się statyczny, dlatego w praktyce unikają go wszyscy poza tymi, którzy właśnie chcą stworzyć wrażenie bezruchu.

Malarstwo plenerowe i malowany szkic

Do XIX wieku pejzaże malowano w pracowni na podstawie szkiców. Zmieniły to trzy zmiany techniczne: metalowa tubka na farbę olejną została opatentowana w 1841 roku, przenośne sztalugi stały się tanie, a kolej umożliwiła dotarcie na wieś w ciągu jednego dnia. Malarstwo plenerowe – wykańczanie dzieła na miejscu, przed motywem – stało się możliwe na dużą skalę.

Skutek był czymś więcej niż tylko praktyczną zmianą. Gdy światło zmienia się w trakcie pracy, malarz musi pracować szybko i syntetycznie, co zaowocowało luźniejszym prowadzeniem pędzla, widocznym najpierw u malarzy barbizońskich, a następnie osiągającym kulminację w impresjonizmie. Ci, którzy chcą prześledzić ten wątek dalej, znajdą jego tło w naszym przewodniku po impresjonizmie.

XIX wiek – Barbizon, Hudson River i malarstwo plenerowe

W XIX wieku pejzaż przeszedł z niemal najniższej rangi do najbardziej kontrowersyjnego i najlepiej sprzedającego się gatunku w sztuce. Rozwój napędzały dwie szkoły, po obu stronach Atlantyku.

Szkoła barbizońska

Szkoła barbizońska działała mniej więcej w latach 1830–1870 i wzięła nazwę od wsi Barbizon położonej przy lesie Fontainebleau, około 60 kilometrów na południe od Paryża. Jean-Baptiste-Camille Corot przybył tam wiosną 1829 roku, by malować, a jesienią 1830 roku i latem 1831 roku wrócił, aby wykonywać rysunki i studia olejne. Théodore Rousseau od 1833 roku zaczął spędzać tam długie okresy i został naturalnym przywódcą grupy. Do kręgu należeli także Jean-François Millet i Charles-François Daubigny.

Malarze barbizońscy odrzucili zarówno konwencje akademickie, jak i dramatyzm romantyzmu düsseldorfskiego na rzecz pozbawionych sentymentalizmu, bliskich przedstawień zwyczajnej natury – polany, zakurzonej drogi, stada krów pod światło. Czerpali wzorce od XVII-wiecznych malarzy niderlandzkich oraz od Johna Constable’a, którego dzieła pokazano w Paryżu w 1824 roku. Szkoła ta jest uznawana za bezpośredniego prekursora impresjonizmu.

Hudson River School

W Stanach Zjednoczonych krajobraz stał się elementem budowania narodu. Thomas Cole (1801–1848), urodzony w Anglii i emigrujący w 1818 roku, udał się w 1825 roku w góry Catskill i namalował trzy płótna na podstawie swoich szkiców. Wystawiano je od 26 października do 4 listopada 1825 roku w witrynie nowojorskiej księgarni Colman's; odkryło je trzech wpływowych artystów, co przyniosło Cole'owi natychmiastowe zamówienia. Tak narodziła się Hudson River School, działająca mniej więcej w latach 1825–1875, która uczyniła amerykańską dziką przyrodę samodzielną tradycją obrazową. Metropolitan Museum of Art opiekuje się jedną z najważniejszych kolekcji tej szkoły.

XX wiek – krajobraz po naturalizmie

Gdy fotografia przejęła dokumentowanie, zadaniem malarstwa krajobrazowego przestało być wierne odwzorowanie. Gatunek jednak przetrwał, lecz motyw stał się środkiem, a nie celem: powodem do badania koloru, struktury i uwarunkowań widzenia.

Cézanne i konstrukcja krajobrazu

Paul Cézanne namalował górę Sainte-Victoire w Prowansji w około osiemdziesięciu obrazach i akwarelach między latami 80. XIX wieku a swoją śmiercią w 1906 roku. Traktował krajobraz jak problem geometrii i płaszczyzn barwnych: zamiast rysować głębię liniami, budował przestrzeń z małych, równoległych pociągnięć pędzla, których temperatura barwna się zmienia. Ciepłe tony wysuwają się do przodu, zimne cofają. Ta metoda uczyniła go punktem wyjścia dla kubizmu i jest powodem, dla którego zwykle nazywa się go ojcem sztuki nowoczesnej.

Od ekspresjonizmu do współczesnego obrazu natury

Ekspresjoniści odwrócili relację między zewnętrzną a wewnętrzną naturą. W grupie Der Blaue Reiter łąka stała się polem czystego koloru, a u Egona Schielego jesienne, cienkie jak nitki pnie drzew przekształciły się w język ciała. Równolegle tradycja topograficzna była kontynuowana w stonowanej, niemal dokumentalnej formie przez artystów pracujących z krajobrazem na pozór banalnym – parkingiem, poboczem autostrady, skrajem lasu za osiedlem willowym.

W latach 60. i 70. XX wieku land art całkowicie wyszła poza płótno i uczyniła samą ziemię materiałem, podczas gdy malarstwu towarzyszyć zaczęła fotografia krajobrazowa jako odrębna forma sztuki. Ten nurt wyraźnie widać w stonowanym języku obrazowym, który charakteryzuje czarno-białe plakaty, gdzie format i linia horyzontu funkcjonują dokładnie tak jak w XVII-wiecznych holenderskich widokach, lecz światło jest rejestrowane, a nie malowane.

Szwedzkie i nordyckie malarstwo pejzażowe

Szwedzkie malarstwo pejzażowe jest wyjątkowo dobrze udokumentowane i wyjątkowo lubiane, dzięki czemu stanowi naturalny punkt wyjścia dla każdego, kto chce zawiesić w domu nordycką naturę. Rozwój tego malarstwa obejmuje trzy etapy.

Szkoła düsseldorfska i Marcus Larson

W latach 1850–1865 akademia sztuk pięknych w Düsseldorfie przyciągała wielu artystów z krajów nordyckich. Styl nadal był romantyczny, lecz zwracał się ku temu, co narodowe i charakterystyczne dla danego kraju. Simon Marcus Larson, urodzony w 1825 roku, mieszkał w Düsseldorfie w latach 1852–1855, gdzie był prywatnym uczniem Andreasa Achenbacha, i stał się najbardziej dramatycznym malarzem pejzażowym szwedzkiego romantyzmu narodowego. Jego Wodospad w Smalandii znajduje się w zbiorach Muzeum Narodowego i ukazuje istotę tego gatunku: rwącą wodę, światło pod słońce oraz naturę większą od obserwatora.

Edvard Bergh i szkoła pejzażu Akademii Sztuk Pięknych

Johan Edvard Bergh, kształcony w Düsseldorfie, kierował szkołą pejzażu utworzoną w Akademii Sztuk Pięknych w Sztokholmie w 1858 roku, a w 1867 roku został tam profesorem. W latach 60. XIX wieku rozwinął bardziej realistyczne malarstwo pejzażowe, ukazujące spokojną przyrodę środkowej Szwecji: jeziora śródlądowe, drzewa liściaste i pasące się krowy w popołudniowym świetle. Nauczanie Bergha ukształtowało całe pokolenie i położyło fundamenty pod szwedzkie przedstawienia natury końca XIX wieku, które później pogłębili między innymi Bruno Liljefors i książę Eugeniusz.

Kobiece pionierki i pejzaż wizjonerski

W latach 1890–1920 w Szwecji rozwinęło się ekspresyjne, niemal duchowe malarstwo pejzażowe, w którym natura stała się nośnikiem stanów wewnętrznych. Przez długi czas ten okres opisywano niemal wyłącznie przez pryzmat twórczości mężczyzn. Wystawa Kobiece pionierki – Pejzaże wizjonerskie w Prins Eugens Waldemarsudde w Sztokholmie, prezentowana od 4 marca do 20 sierpnia 2023 roku i obejmująca blisko 100 obrazów, przybliżała twórczość czterech z nich: Ester Almqvist, Anny Boberg, Ellen Trotzig i Charlotte Wahlström. Jedna z części wystawy poświęcona była znaczeniu teozofii dla ówczesnego szwedzkiego malarstwa pejzażowego – tego samego nurtu duchowego, który ukształtował Hilmę af Klint.

Waldemarsudde nadal zajmuje się światem natury w sztuce: w 2026 roku w Galerii prezentowana będzie wystawa Det blommande – Konst & botanik od 14 marca do 13 września. Osoby, które chcą poznać botaniczną gałąź motywu natury, znajdą ją w naszym przewodniku po sztuce botanicznej oraz w ofercie szwedzkich dzieł sztuki.

Malarstwo pejzażowe w domu - jak wybrać motyw

Pejzaż to gatunek, z którym najłatwiej żyć i w przypadku którego najtrudniej wybrać niewłaściwy format. O wyniku decydują dwa pytania: gdzie horyzont znajduje się w stosunku do wysokości oczu oraz czy temperatura barwowa motywu pasuje do światła w pomieszczeniu.

Format i linia horyzontu

Format poziomy podkreśla szerokość pejzażu i najlepiej sprawdza się nad sofą, łóżkiem lub komodą, gdzie motyw może podążać za linią mebla. Format pionowy pasuje do wąskich fragmentów ścian i klatek schodowych, ale wymaga motywu o pionowej strukturze - wodospadu, skalnej ściany, pnia drzewa - w przeciwnym razie obraz będzie przedstawiał głównie niebo. Praktyczna zasada mówi, by zawiesić obraz tak, aby jego linia horyzontu znajdowała się mniej więcej na wysokości oczu stojącej osoby, czyli około 145–150 centymetrów nad podłogą, ponieważ wtedy wzrok spotyka głębię obrazu, a nie jego krawędź.

Rozmiar powinien być dopasowany do mebla znajdującego się poniżej. Obraz o szerokości odpowiadającej mniej więcej dwóm trzecim szerokości sofy wydaje się zrównoważony; w przypadku nieco mniejszych motywów lepiej sprawdzi się grupa dwóch lub trzech obrazów niż pojedynczy. W formacie 50x70 centymetrów większość pejzaży ma wystarczająco dużo przestrzeni, by nie zdominować salonu o standardowych rozmiarach.

Temperatura barwowa i światło w pomieszczeniu

Pejzaż utrzymany w chłodnej niebieskoszarej tonacji - mgła, zima, nordyckie wybrzeże - wzmacnia to wrażenie w pomieszczeniu z oknami wychodzącymi na północ i może sprawić, że stanie się ono chłodne. W pomieszczeniu od strony południowej, gdzie światło dzienne jest ciepłe, ten sam motyw równoważy wnętrze. Z kolei ciepłe motywy z ochrą, rdzą i złotym światłem pod słońce rozjaśniają ciemne pomieszczenie, ale mogą wydawać się przytłaczające w już ciepłym świetle. Prostym testem jest przyłożenie obrazu do ściany o trzech porach dnia, zanim wybierzesz ramę.

Wskazówka: Jeśli masz pomieszczenie z wysokim sufitem, wzrok automatycznie kieruje się ku górze, przez co pojedynczy obraz łatwo zawiesić zbyt wysoko. Zamiast tego znajdź w pomieszczeniu linię horyzontu - górną krawędź ramy okiennej albo linię opaski drzwiowej - i dopasuj do niej horyzont pejzażu. Dzięki temu obraz łączy się z architekturą, zamiast sprawiać wrażenie zawieszonego w próżni. Więcej o tym, jak wysokość sufitu wpływa na odbiór, znajdziesz w naszym artykule o efekcie katedry.

Oś czasu – rozwój gatunku

Około 1000 roku chińskie malarstwo shan shui osiągnęło pierwszy szczyt wraz z obrazem Fana Kuana Podróżni wśród gór i strumieni, namalowanym za panowania dynastii Song w latach 960–1279. W 1521 roku Albrecht Dürer odnotował w swoim dzienniku podróży z Niderlandów, że Joachim Patinir jest dobrym malarzem pejzażowym, co stanowi pierwsze znane użycie słowa Landschaft w odniesieniu do specjalności artystycznej; Patinir zmarł 5 października 1524 roku. W 1565 roku Pieter Bruegel starszy namalował Myśliwych na śniegu i ustanowił pejzaż zimowy samodzielnym motywem.

W XVII wieku pejzaż stał się samodzielnym towarem rynkowym w Niderlandach, co umocniło uznanie republiki w pokoju westfalskim z 1648 roku; Jacob van Ruisdael i Claude Lorrain, obaj zmarli w 1682 roku, sformułowali dwa główne nurty gatunku – obserwowany i idealizowany. W 1757 roku Edmund Burke opublikował rozprawę o wzniosłości, która dała romantycznemu malarstwu pejzażowemu podstawę teoretyczną.

W 1825 roku Thomas Cole podróżuje w góry Catskill i w październiku tego samego roku prezentuje obrazy, które stają się zalążkiem Hudson River School. Od 1830 roku wokół lasu Fontainebleau gromadzi się szkoła barbizońska, a w 1841 roku opatentowano metalową tubkę na farbę olejną, dzięki czemu malowanie w plenerze stało się praktycznie możliwe. W 1858 roku przy Akademii Sztuk Pięknych w Sztokholmie utworzono szkołę pejzażu, której czołową postacią został Edvard Bergh; w 1867 roku objął stanowisko profesora. W latach 1850–1865 Düsseldorf przyciągał całe pokolenie nordyckich malarzy pejzażowych, wśród nich Marcusa Larsona, który przebywał tam w latach 1852–1855.

3 grudnia 2014 roku obraz Turnera Rome, from Mount Aventine został sprzedany w londyńskim domu aukcyjnym Sotheby's za 30,3 miliona funtów, ustanawiając rekord brytyjskiego malarstwa pejzażowego. W 2023 roku Prins Eugens Waldemarsudde prezentuje wystawę Kvinnliga pionjärer – Visionära landskap z blisko setką dzieł, a w 2026 roku muzeum kontynuuje program wystawą Det blommande – Konst & botanik, trwającą od 14 marca do 13 września.

Powiązane kierunki artystyczne i artyści

Malarstwo pejzażowe obejmuje niemal wszystkie epoki, co czyni je dobrym wprowadzeniem do historii sztuki. Romantyzm nadał temu gatunkowi dramatyzm, a najważniejsza postać pejzażu sublimnego została przedstawiona w naszym przewodniku po Casparze Davidzie Friedrichu. Brytyjskiego odpowiednika, malarza światła i morza, znajdziesz w przewodniku po Williamie Turnerze.

Nordycka gałąź tematu została szerzej omówiona na stronach poświęconych romantyzmowi narodowemu oraz malarzom ze Skagen, którzy uczynili nordyckie światło swoim właściwym tematem. Wśród szwedzkich malarzy pejzażystów szczególne miejsce zajmuje Carl Fredrik Hill ze swoimi zredukowanymi francuskimi pejzażami z lat 70. XIX wieku. Dla tych, którzy chcą zobaczyć, jak pejzaż rozpływa się w czystym oddziaływaniu barw, kolejnym krokiem jest postimpresjonizm. Kompletne omówienie epok i kierunków znajduje się w głównym przewodniku po historii sztuki, a wszystkie strony z faktami zebrano w Bazie wiedzy. Najbliższy sąsiad tego gatunku – morze, statki i sztorm jako główne motywy – ma własny przewodnik na stronie poświęconej malarstwu marynistycznemu.

Jeśli chcesz dowiedzieć się więcej o tym, jak motywy pejzażowe funkcjonują w praktyce, znajdziesz przewodniki po plakatach do górskiego domku, stylu alpine chic we wnętrzach oraz malarstwie pejzażowym Egona Schielego.

Często zadawane pytania dotyczące malarstwa pejzażowego

Malarstwo pejzażowe przetrwało pięć stuleci, ponieważ potrafi zrobić coś, z czym niewiele innych gatunków sobie radzi: nadać ścianie głębię. Jeśli chcesz uzyskać ten efekt w domu, cały nasz wybór motywów przyrodniczych znajdziesz wśród plakatów z motywami przyrodniczymi, a świat obrazów szwedzkich mistrzów wśród szwedzkich dzieł sztuki.

Przeczytaj więcej o pochodzeniu gatunku w haśle encyklopedycznym malarstwo pejzażowe.