Manieryzm - historia ruchu artystycznego, El Greco, Parmigianino i cechy charakterystyczne

Manieryzm to ruch artystyczny, który pojawia się wtedy, gdy renesansowe ideały harmonii, równowagi i wierności naturze zostały już osiągnięte – a nowe pokolenie artystów postanawia celowo się im przeciwstawić. Między około 1520 a 1600 rokiem ciała wydłużają się do absurdalnych proporcji, kolory stają się chłodne i kwaśne, przestrzeń się zagęszcza, a kompozycje skręcają się w spirale, które nigdy nie pozwalają spojrzeniu naprawdę spocząć. Rezultatem są jedne z najbardziej zagadkowych i najnowocześniejszych obrazów w historii sztuki: Madonna z długą szyją Parmigianina, płomienne święte El Greca oraz twarze Arcimbolda zbudowane z owoców i warzyw.

Przez długi czas manieryzm odrzucano jako okres upadku, sztuczny etap przejściowy między śmiercią Rafaela a przełomem, jaki przyniosło pojawienie się Caravaggia. W XX wieku ten osąd całkowicie się zmienił. Dziś manieryzm odczytuje się raczej jako pierwszy świadomie antynaturalistyczny nurt w sztuce zachodniej – okres, w którym artysta po raz pierwszy otwarcie eksponuje własny sposób pracy, własną maniera, przedkładając ją nad wiarygodność przedstawionego motywu. Ten przewodnik omawia historię manieryzmu, jego cechy charakterystyczne i arcydzieła, a także szwedzkie kolekcje, w których można zobaczyć ten nurt z bliska.

Spis treści
↓ Czym jest manieryzm?
↓ Historia manieryzmu – od złupienia Rzymu po europejskie dwory
↓ Arcydzieła i motywy manieryzmu
↓ Technika i styl – figura serpentinata, kolor i przestrzeń
↓ Manieryzm w Szwecji – łupy wojenne i królewskie kolekcje
↓ Dziedzictwo i wpływ manieryzmu
↓ Manieryzm we własnym domu
↓ Oś czasu manieryzmu
↓ Pokrewne nurty i artyści
↓ Najczęściej zadawane pytania o manieryzm

Czym jest manieryzm?

Manieryzm to kierunek artystyczny w malarstwie, rzeźbie i architekturze, który wyłonił się we Włoszech około 1520 roku i dominował w znacznej części Europy aż do około 1600 roku. Nazwa pochodzi od włoskiego słowa maniera, oznaczającego mniej więcej „sposób” lub „styl”, którego Giorgio Vasari wielokrotnie używał w swoim leksykonie artystów Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori z 1550 roku. Dla Vasariego maniera była pochwałą: biegły artysta miał własny, rozpoznawalny sposób pracy. Dopiero znacznie później słowo to nabrało negatywnego wydźwięku.

Jako określenie epoki termin został ukuty przez włoskiego historyka sztuki Luigiego Lanziego w dziele Storia pittorica della Italia z 1792 roku i początkowo miał wyraźnie pejoratywne znaczenie: manierystów opisywano jako artystów naśladujących środki wyrazu Michała Anioła i Rafaela, nie rozumiejąc stojącej za nimi natury. Taka ocena utrzymywała się przez ponad sto lat. Dopiero w latach 20. XX wieku, gdy niemieccy historycy sztuki, tacy jak Walter Friedlaender i Max Dvořák, dokonali reinterpretacji tego okresu, manieryzm został uznany za samodzielny i świadomie eksperymentalny nurt.

Istotą manieryzmu jest zatem świadome odejście od reguł. Podczas gdy dojrzały renesans dążył do równowagi, wyraźnej głębi i idealizowanych, lecz wiarygodnych ciał, manier yści wybierają niestabilność, zatłoczenie i przesadę. Postacie mają wydłużone kończyny i małe głowy, światło staje się płaskie i nienaturalne, kolory przechodzą w róż, żółć i jadowitą zieleń, a kompozycja zostaje wypełniona po brzegi. Sztuka staje się intelektualna, elegancka i nieco trudno dostępna – tworzona dla środowisk dworskich i wykształconych mecenasów, a nie do ludowych wnętrz ołtarzowych.

Najważniejsze informacje: Manieryzm rozwijał się około 1520–1600 roku, początkowo we Florencji, Rzymie i Mantui. Nazwa pochodzi od włoskiego słowa maniera, użytego przez Giorgia Vasariego w Le vite w 1550 roku, natomiast pojęcie epoki wprowadził Luigi Lanzi w 1792 roku. Do najważniejszych artystów należą Pontormo (1494–1557), Rosso Fiorentino (1494–1540), Parmigianino (1503–1540), Agnolo Bronzino (1503–1572), Giuseppe Arcimboldo (1526–1593) i El Greco (1541–1614). Najważniejsze dzieła: Madonna z długą szyją (1534–1540, Galeria Uffizi we Florencji), Pogrzeb hrabiego Orgaza (1586–1588, Santo Tomé w Toledo) oraz Vertumnus (około 1590, zamek Skokloster). Rekord aukcyjny ruchu należy do obrazu El Greca Modlący się św. Dominik, sprzedanego za 9,2 miliona funtów w domu aukcyjnym Sotheby's w Londynie w 2013 roku. Dwa z najbardziej znanych na świecie obrazów manierystycznych znajdują się w Szwecji, oba jako łupy wojenne z wojny trzydziestoletniej.

Historia manieryzmu – od grabieży Rzymu po dwory Europy

Manieryzm rodzi się w próżni. W 1520 roku umiera Rafael, mając zaledwie 37 lat, w trakcie pracy nad stancami watykańskimi. Michał Anioł wciąż tworzy, lecz staje się coraz bardziej zamknięty w sobie. Leonardo nie żyje od roku. Pokolenie, które przejmuje pałeczkę, dziedziczy sztukę, która zdaje się już osiągać doskonałość – i dlatego może się odnowić jedynie poprzez jej rozbicie.

Sacco di Roma 1527 – szok, który naznaczył całe pokolenie

6 maja 1527 roku Rzym został zaatakowany przez buntujących się najemników cesarza Karola V. Grabież trwała miesiącami, papież Klemens VII był oblegany w Zamku Świętego Anioła, a miejska kolonia artystyczna rozproszyła się. Rosso Fiorentino został pojmany, po czym uciekł dalej do Francji, a Parmigianino opuścił miasto i powrócił na północ. Wydarzenie to zwykle uznaje się za koniec pewności siebie właściwej dojrzałemu renesansowi. Niepokój, zatłoczenie i niestabilność psychologiczna cechujące malarstwo manierystyczne często interpretuje się właśnie na tym tle, wraz z rozłamem reformacji w Kościele, który był największym mecenasem sztuki.

Florencja pod rządami Medyceuszy – laboratorium sztuki dworskiej

We Florencji manieryzm jest ściśle związany z rodziną Medyceuszy. Cosimo I mianuje Bronzina malarzem nadwornym, a chłodne, emaliowane portrety rodziny książęcej stają się zarówno narzędziem polityki wizerunkowej, jak i malarstwem. W 1563 roku Vasari, na zlecenie Cosima, zakłada Accademia delle Arti del Disegno – pierwszą właściwą akademię sztuk pięknych w Europie. Wywyższenie rysunku, disegno, do rangi intelektualnej podstawy sztuki jest samo w sobie programem manierystycznym: idea wyprzedza obserwację.

Rozprzestrzenianie się w Europie

Z Włoch styl rozprzestrzenia się dalej wraz z samymi artystami. Rosso Fiorentino i Francesco Primaticcio od lat 30. XVI wieku tworzą tak zwaną szkołę z Fontainebleau na dworze francuskim. Giulio Romano projektuje Palazzo Te w Mantui dla Federica II Gonzagi w latach 1524-1534. Bartholomeus Spranger i Arcimboldo działają na dworze cesarza Rudolfa II w Pradze, który pod koniec XVI wieku staje się być może najbardziej ekscentrycznym centrum artystycznym Europy. W Hiszpanii urodzony w Grecji Domenikos Theotokopoulos – El Greco – po przeprowadzce do Toledo w 1577 roku rozwija manieryzm w coś całkowicie własnego.

Arcydzieła i motywy manieryzmu

Manieryzm nie ma jednolitego repertuaru motywów w takim sensie, w jakim na przykład impresjonizm ma pejzaż i chwilę. Łączy go raczej określona postawa: sceny religijne, alegorie mitologiczne i portrety dworskie są traktowane z tą samą wykręconą elegancją.

Parmigianino – Madonna z długą szyją

Zamówiony w 1534 roku dla grobowej kaplicy rodziny Tagliaferrich w kościele Santa Maria dei Servi w Parmie, był malowany do śmierci artysty w 1540 roku i nigdy nie został ukończony. Szyja, palce i uda Madonny są wydłużone daleko poza granice anatomicznego prawdopodobieństwa, Dzieciątko Jezus jest nieproporcjonalnie duże i zdaje się zsuwać z jej kolan, a w tle wznosi się rząd kolumn prowadzących donikąd. Gdy dzieło w 1542 roku wreszcie umieszczono w kaplicy, u podstawy kolumny wyryto inskrypcję informującą, że nieszczęśliwy los uniemożliwił Francescowi Mazzoli z Parmy ukończenie pracy. Obraz znajduje się dziś w Galerii Uffizich we Florencji i uchodzi za najwyrazistszy manifest manieryzmu.

Pontormo – Zdjęcie z krzyża

Obraz namalowany w latach 1525–1528 dla kaplicy Capponich w kościele Santa Felicita we Florencji. Nie ma tu ani krzyża, ani drabiny, ani wyraźnej linii gruntu – tylko splot ciał w różu, jasnym błękicie i bladej zieleni, unoszących się na niemal pustym tle. Paleta jest przesłodzona i nierealna, a przestrzeń została całkowicie unieważniona. Dzieło zwykle uznaje się za pierwszy w pełni manierystyczny ołtarz i pokazuje ono, jak szybko nowe pokolenie porzuciło renesansową perspektywę pudełkową.

Bronzino – Alegoria z Wenus i Kupidynem

Ta zagadkowa alegoria z około 1545 roku, znajdująca się dziś w National Gallery w Londynie, została prawdopodobnie namalowana jako dyplomatyczny dar Cosima I dla francuskiego króla Franciszka I. Skóra jest wygładzona niczym porcelana, ciała mają chłodno erotyczny charakter, a wokół centralnej grupy tłoczą się postacie interpretowane jako Zazdrość, Oszustwo, Czas i Głupota. Żadna interpretacja nie zyskała pełnej aprobaty badaczy – i właśnie ta wyrachowana niezrozumiałość jest częścią zamysłu. Sztuka manierystyczna miała być przedmiotem dyskusji na dworze.

El Greco – Pogrzeb hrabiego Orgaza

Monumentalny ołtarz El Greca z lat 1586–1588 wciąż znajduje się w swoim pierwotnym miejscu, w kościele Santo Tomé w Toledo. Dolna połowa przedstawia pogrzeb we współczesnych hiszpańskich strojach, górna zaś niebo, w którym chmury zdają się skręcać niczym kawałki tkaniny, a postacie wydłużają się w płomienie. Przejście między tymi dwiema sferami odbywa się bez żadnego logicznego powiązania przestrzennego – zabieg nie do pomyślenia dla artysty renesansowego, lecz oczywisty dla manierysty. Rekord aukcyjny El Greca ustanowiono w 2013 roku, gdy Modlący się Dominik został sprzedany za 9,2 miliona funtów w domu aukcyjnym Sotheby's w Londynie.

"Był dobrym człowiekiem, ale nie znał się na malowaniu." – El Greco o Michelangelo, przytoczone przez Francisca Pacheca w Arte de la pintura (1649)

Technika i styl – figura serpentinata, kolor i przestrzeń

Cechy manieryzmu można opisać dość precyzyjnie i powracają one niezależnie od tego, czy dzieło namalowano we Florencji, Pradze czy Toledo. Decydujące są trzy zabiegi.

Wydłużona figura i figura serpentinata

Pojęcie figura serpentinata, czyli figura wężowa, opisuje ciało skręcające się wokół własnej osi, tak że widz musi obejść je dookoła lub odczytywać je spiralnie. Marmurowa grupa Giambologni Porwanie Sabinek z 1583 roku, ustawiona w Loggia dei Lanzi we Florencji i wyrzeźbiona z jednego bloku marmuru o wysokości ponad czterech metrów, jest przykładem idealnym: grupa nie ma jednej wyznaczonej strony frontowej. W malarstwie temu zabiegowi odpowiadają wydłużone szyje, przesadnie długie podudzia i małe, odchylone do tyłu głowy – proporcje, które są raczej eleganckie niż poprawne.

Chłodna i kwaśna paleta barw

Manierzyści posługiwali się cangiantismo, techniką, w której pofałdowana powierzchnia tkaniny przechodzi między dwiema zupełnie różnymi barwami, zamiast ciemnieć w kierunku cienia – róż przechodzący w jasną zieleń, żółć zmieniająca się w fiolet. W połączeniu z płaskim, niemal pozbawionym cieni światłem nadaje to obrazom ich charakterystyczny syntetyczny ton. Jest to dokładne przeciwieństwo dramatycznego operowania światłem, które około 1600 roku miał wprowadzić Caravaggio.

Zatłoczona przestrzeń

Renesansowa perspektywa centralna budowała obraz niczym pudełko o wyraźnej głębi. Manierzyści zamiast tego wypełniają całą powierzchnię obrazu postaciami aż po krawędzie, pozwalają zniknąć horyzontowi i przesuwają główny motyw poza środek. Na ołtarzu Pontorma nie ma miejsca, na którym można by stanąć. U Bronzina tło jest ścianą ciał. Efekt jest jednocześnie klaustrofobiczny i dekoracyjny, co wyjaśnia, dlaczego obrazy manierystyczne często odbiera się jako niezwykle graficzne mimo ich ogromnej szczegółowości.

Arcimboldo i portret złożony

Giuseppe Arcimboldo doprowadził manierystyczną zabawę do skrajności jak nikt inny. Jego portrety zbudowane są z owoców, warzyw, ryb, książek lub zwierząt, które składają się na wiarygodną twarz z profilu. Prawnik z 1566 roku, znajdujący się dziś w kolekcji Nationalmuseum, ukazuje głowę urzędnika złożoną z oskubanego ptaka i smażonej ryby. Obrazy te były jednocześnie dworską rozrywką i uczoną zagadką, dzięki czemu Arcimboldo stał się jednym z manierystów, którzy wydają się najbardziej bezpośrednio współcześni.

Manieryzm w Szwecji – łupy wojenne i kolekcje królewskie

To, że Szwecja posiada jedną z najbardziej niezwykłych kolekcji sztuki manierystycznej w Europie, nie wynika z wnikliwych zakupów, lecz z wojny trzydziestoletniej. Gdy w 1648 roku wojska szwedzkie zajęły Pragę, znaczna część słynnej kunstkamery cesarza Rudolfa II trafiła do Sztokholmu jako łup wojenny. Również grabież Monachium przyczyniła się do tego, że manierystyczne dzieła z Europy Środkowej znalazły się w szwedzkich kolekcjach.

Vertumnus w zamku Skokloster

Vertumnus Arcimbolda z około 1590 roku przedstawia cesarza Rudolfa II jako rzymskiego boga pór roku, z twarzą zbudowaną z gruszek, jabłek, winogron, kukurydzy i kapusty. Obraz znajduje się w zamku Skokloster nad jeziorem Melar i jest zdecydowanie najsłynniejszym obiektem zamku. Fakt, że najważniejsze pojedyncze dzieło z cesarskiej kolekcji Pragi wisi dziś w szwedzkim zamku z XVII wieku, jest bezpośrednim skutkiem grabieży w 1648 roku.

Manierzyści z kolekcji Nationalmuseum

W Nationalmuseum w Sztokholmie znajduje się Jurysta Arcimbolda (1566), zakupiony przez muzeum w 1866 roku ze zbiorów zamku Gripsholm. W hiszpańskiej części ekspozycji wisi Piotr i Paweł El Greca, z wydłużonymi postaciami i migotliwym duktem pędzla charakterystycznymi dla jego dojrzałego okresu. Wraz z rysunkami Parmigianina w muzealnej kolekcji grafiki czyni to Nationalmuseum oczywistym punktem wyjścia dla każdego, kto chce zobaczyć manieryzm na miejscu w Szwecji, bez podróży do Florencji czy Toledo.

Dziedzictwo i wpływ manieryzmu

Droga ku barokowi

Około przełomu XVI i XVII wieku Europa znużyła się manierystyczną elegancją. Kościół kontrreformacji potrzebował obrazów przemawiających bezpośrednio do widza, a na to zapotrzebowanie odpowiedział barok. Zerwanie nie było jednak całkowite: zamiłowanie baroku do dramatycznego ruchu, diagonalnych kompozycji i teatralnej inscenizacji w dużej mierze wywodzi się ze spiralnie skręconych figur manierystów. To, co manierystom służyło efektowi wizualnemu, barok wykorzystywał dla wywołania emocji.

Ponowne odkrycie w XX wieku

Prawdziwa rehabilitacja manieryzmu nastąpiła wraz z modernizmem. Gdy Walter Friedlaender w 1914 roku rozpoczął przewartościowywanie tej epoki, a w latach 20. XX wieku podążyła za nim niemieckojęzyczna historia sztuki, artyści już go wyprzedzili: Paul Cézanne podziwiał El Greca, a Pablo Picasso uważnie go studiował przed namalowaniem Panien z Awinionu w 1907 roku. Wydłużone ciała, arbitralny kolor i zniesiona przestrzeń okazały się zaskakująco bliskie temu, czego czterysta lat później poszukiwały ekspresjonizm i kubizm. Miarą tej zmiany oceny jest fakt, że wielka wystawa przekrojowa Maniera. Pontormo, Bronzino and Medici Florence w Städel Museum we Frankfurcie w 2016 roku była pierwszą w historii dużą niemiecką wystawą poświęconą manieryzmowi florenckiemu.

Manieryzm dzisiaj

Zainteresowanie pozostaje silne. Prado w Madrycie zaprezentowało w 2025 roku wystawę El Greco. Santo Domingo el Antiguo, na której części ołtarza zostały po raz pierwszy od niemal dwustu lat ponownie połączone dzięki wypożyczeniu Wniebowzięcia z Art Institute of Chicago. Fakt, że czterystuletni manierystyczny ołtarz może stać się główną atrakcją międzynarodowej wystawy, mówi wiele o tym, jak bardzo zmienił się status tego nurtu od czasu osądu Lanziego z 1792 roku.

Manieryzm w domu własnym

Sztuka manierystyczna wyjątkowo dobrze sprawdza się w formie plakatu z technicznego powodu: od początku jest zbudowana w sposób graficzny. Płaskie światło, wypełniona powierzchnia obrazu i wyraźne kontury sprawiają, że motywy zachowują swoją siłę również w druku, w przeciwieństwie na przykład do malarstwa barokowego, którego cały efekt opiera się na głębokich laserunkach olejnych.

Paleta kolorów i łączenie

Manierystyczna paleta – blady róż, jasna zieleń, złocisty brąz i chłodny błękit – jest zaskakująco łatwa do wykorzystania w pomieszczeniu urządzonym w stylu nordyckim. Motywy dobrze współgrają z lnem, ścianami pokrytymi wapnem i surowym drewnem. Jeśli chcesz złagodzić dekoracyjny charakter wnętrza, manierystyczne studium figuralne świetnie komponuje się z czarno-białymi plakatami, które dają oczom wytchnienie między bardziej intensywnymi motywami. Jeśli natomiast szukasz sakralnej powagi El Greca, możesz rozbudować aranżację o motywy z kategorii sztuka sakralna.

Format, rozmieszczenie i wybór ramy

Dzieła manierystyczne są często wysokie i smukłe – mają format ołtarzowy. Dzięki temu dobrze sprawdzają się na wąskiej ścianie obok ościeżnicy lub w przedpokoju, gdzie szeroki format pejzażowy rzadko się mieści. Wybierz raczej format 50×70 lub 70×100 niż mały rozmiar: skręcenia figur potrzebują przestrzeni, aby można je było właściwie odczytać. Wąska, ciemna rama z asortymentu ram obramuje chłodną paletę kolorów, nie konkurując z nią. Więcej podobnych motywów znajdziesz wśród dzieł sztuki znanych artystów. Jeśli nie masz pewności, jak powiesić kilka motywów razem, zajrzyj do naszego poradnika o ścianie obrazów, a praktyczne wskazówki dotyczące oprawiania znajdziesz w artykule o oprawianiu dzieł sztuki.

Wskazówka: Nigdy nie wieszaj dwóch manierystycznych przedstawień figuralnych bezpośrednio obok siebie. Kompozycje są już wypełnione po brzegi, a dwa takie obrazy ustawione obok siebie sprawią, że oba stracą na wyrazistości. Zamiast tego niech manierystyczny motyw będzie samotnym punktem centralnym, a otocz go spokojniejszymi, bardziej pustymi obrazami – martwą naturą, formą graficzną lub obrazem typograficznym. Kontrast sprawi, że skręcona figura wysunie się na pierwszy plan, zamiast zginąć w nadmiarze.

Więcej pomysłów na rozmieszczenie pojedynczych dzieł sztuki w różnych pomieszczeniach znajdziesz w poradnikach dotyczących plakatów do salonu oraz wyboru odpowiedniej sztuki do różnych pomieszczeń.

Oś czasu manieryzmu

1520 – Rafael umiera w Rzymie w wieku 37 lat. Wysoki renesans traci swoją czołową postać, a władzę przejmuje nowe pokolenie.

1524–1534 – Giulio Romano buduje i dekoruje Palazzo Te w Mantui dla Federica II Gonzagi, z Salą Gigantów jako najbardziej wystawnym wnętrzem manieryzmu.

1525–1528 – Pontormo maluje Zdjęcie z krzyża dla kaplicy Cappônich w Santa Felicita we Florencji.

1527 – Sacco di Roma. Wojska Karola V plądrują Rzym i rozpraszają miejscową kolonię artystów.

1534–1540 – Parmigianino pracuje nad Madonną z długą szyją, pozostawioną niedokończoną po jego śmierci w 1540 roku.

1536–1541 – Michelangelo maluje Sąd Ostateczny na ścianie ołtarzowej Kaplicy Sykstyńskiej, dzieło, które odegra kluczową rolę w kształtowaniu postaci przez manierystów.

1540–1543 – Benvenuto Cellini wykonuje złotą solniczkę Saliera dla Franciszka I, znajdującą się dziś w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.

1545 – Bronzino maluje Allegorię z Wenus i Kupidynem, prawdopodobnie jako dar dyplomatyczny dla dworu francuskiego.

1550 – Vasari publikuje Le vite, wprowadzając termin maniera jako ideał artystyczny. Rozszerzone wydanie ukazuje się w 1568 roku.

1563 – We Florencji powstaje Accademia delle Arti del Disegno – pierwsza akademia sztuki w Europie.

1566 – Arcimboldo maluje Prawnika, znajdującego się dziś w Muzeum Narodowym w Sztokholmie.

1577 – El Greco osiedla się w Toledo po latach spędzonych w Wenecji i Rzymie.

1583 – Porwanie Sabinek Giambologny zostaje ustawione w Loggia dei Lanzi we Florencji.

1586–1588 – El Greco maluje Pogrzeb hrabiego Orgaza dla kościoła Santo Tomé w Toledo.

Około 1590 – Arcimboldo maluje Vertumnusa dla Rudolfa II w Pradze.

1600 – Dzieła Caravaggia w San Luigi dei Francesi w Rzymie wyznaczają przełom baroku i koniec manieryzmu.

1648 – Wojska szwedzkie plądrują Pragę i wywożą kolekcję Rudolfa II do Sztokholmu. Vertumnus trafia ostatecznie do zamku Skokloster.

1792 – Luigi Lanzi wprowadza termin manierismo w znaczeniu pejoratywnym.

Lata 20. XX wieku – Manieryzm zostaje na nowo oceniony przez niemieckojęzycznych historyków sztuki i uznany za samodzielny nurt.

2016 – Muzeum Städel we Frankfurcie prezentuje Maniera. Pontormo, Bronzino and Medici Florence, pierwszą wielką w Niemczech panoramę manieryzmu.

Powiązane ruchy i artyści

Manieryzm najlepiej rozumieć w odniesieniu do tego, czemu się sprzeciwia, i do tego, do czego prowadzi. Wyrasta z renesansu, a szczególnie z późnej twórczości Michała Anioła, którego Sąd Ostateczny dał manierystom ich zasób form skręconych, muskularnych ciał. Więcej o nim przeczytasz na stronie poświęconej Michałowi Aniołowi Buonarrotimu, a o okresie, z którego wyrósł, na stronie poświęconej Leonardowi da Vinci.

Dalej manieryzm prowadzi do baroku, w którym Caravaggio całkowicie zmienia sposób operowania światłem. Dekoracyjna, powierzchniowa strona manieryzmu znajduje później kontynuację w rokoku, natomiast tajemniczość i oniryczność powracają w symbolizmie XIX wieku oraz w surrealizmie XX wieku. Zbiorczy przegląd wszystkich epok i ruchów znajduje się w naszym przewodniku po historii sztuki, a pełny wykaz naszych stron informacyjnych znajdziesz w Bazie wiedzy.

Często zadawane pytania o manieryzm

Jeśli chcesz wprowadzić do własnego domu odrobinę pokręconej elegancji manieryzmu, klasyczne motywy znajdziesz wśród dzieł znanych artystów – od renesansu i manieryzmu po modernizm XX wieku, drukowanych na papierze archiwalnym w formatach od 21×30 do 70×100 centymetrów.