Paul Klee – Bauhaus, kolory muzyki i spacer linii

Paul Klee to artysta, który uczynił z koloru muzykę, a z linii żywą istotę. Przez cztery dekady tworzył język obrazów, który nie jest ani całkowicie abstrakcyjny, ani całkowicie przedstawiający, lecz porusza się na pograniczu obu tych światów: ryby pływające w czarnej nocy, twarze zbudowane z kolorowych pól, strzałki wskazujące na coś niewidzialnego. Jego sztuka jest zarazem pełna lekkości i głęboko przemyślana, a właśnie to połączenie sprawiło, że jego motywy należą do najczęściej poszukiwanych, gdy ktoś szuka plakatów i obrazów łączących ciepło z intelektualną głębią.

Paul Klee pozostawił po sobie około 9 600 skatalogowanych dzieł – obrazów, akwarel, rysunków i grafik – co czyni go jednym z najbardziej płodnych artystów XX wieku. Przez dziesięć lat wykładał w Bauhausie, napisał jeden z najważniejszych podręczników modernizmu poświęconych formie, został uznany przez nazistów za twórcę sztuki zdegenerowanej, a swoje najważniejsze obrazy malował w czasie, gdy nieuleczalna choroba powoli odbierała mu sprawność dłoni. Ta strona omawia jego życie, najważniejsze dzieła, teorię koloru, szwedzki kontekst związany z Moderna Museet oraz sposób, w jaki jego motywy sprawdzają się we wnętrzach szwedzkich domów.

Spis treści
↓ Kim był Paul Klee?
↓ Życie – od Berna do Locarno
↓ Najbardziej znane dzieła Paula Klee
↓ Technika, teoria koloru i spacer linii
↓ Nauczyciel i teoretyk Bauhausu
↓ Prześladowania, dziedzictwo i pamięć potomnych
↓ Paul Klee w Szwecji i krajach nordyckich
↓ Paul Klee w domu – praktyczny przewodnik
↓ Oś czasu
↓ Pokrewni artyści i kierunki
↓ Często zadawane pytania o Paula Klee

Kim był Paul Klee?

Paul Klee (1879–1940) był szwajcarsko-niemieckim malarzem, grafikiem i teoretykiem sztuki, którego twórczość należy do najbardziej charakterystycznych zjawisk modernizmu. Kształcił się w Monachium, działał w Niemczech w najważniejszych latach swojej kariery, a życie zakończył na emigracji w Szwajcarii. Z punktu widzenia historii sztuki nie daje się przypisać do jednej kategorii: uczestniczył w przełomie ekspresjonizmu jako członek grupy Der Blaue Reiter, był podziwiany przez surrealistów, wykładał w Bauhausie razem z konstruktywistami i jest dziś uznawany za jednego z pionierów sztuki abstrakcyjnej, choć nigdy całkowicie nie porzucił rozpoznawalnej figury.

To, co łączy jego niezwykle różnorodny dorobek, to metoda, a nie styl. Klee pracował w seriach eksperymentów, z których każdy obraz sprawdzał hipotezę: co się stanie, jeśli linia będzie decydować sama? Co się stanie, jeśli kolor zostanie nałożony w siatkę bez konturów? Co się stanie, jeśli litery staną się elementami obrazu? Katalog dzieł, który prowadził od 1911 roku, obejmuje około 9 600 prac, starannie numerowanych rok po roku, i do dziś stanowi podstawę wszelkich badań nad Klee. Żaden inny modernista nie pozostawił po sobie tak systematycznie udokumentowanego procesu twórczego.

Najważniejsze informacje: Urodzony 18 grudnia 1879 roku w Münchenbuchsee pod Bernem w Szwajcarii. Zmarł 29 czerwca 1940 roku w Muralto pod Locarno, w wieku 60 lat. Katalog dzieł: około 9 600 skatalogowanych prac. Nauczyciel w Bauhausie w latach 1921–1931, najpierw w Weimarze, od 1926 roku w Dessau. Profesor w akademii sztuk pięknych w Düsseldorfie od jesieni 1931 roku, zwolniony 21 kwietnia 1933 roku. Najbardziej produktywny rok: 1939, z 1 254 zarejestrowanymi dziełami. Rekord aukcyjny: Tänzerin (1932), 6 791 965 dolarów amerykańskich w domu aukcyjnym Christie's w Londynie w 2011 roku. Największa kolekcja na świecie: Zentrum Paul Klee w Bernie, otwarte w 2005 roku, z około 40 procentami całej jego twórczości malarskiej.

Życie – od Berna do Locarno

Dziecko muzyków, które wybrało pędzel

Klee urodził się 18 grudnia 1879 roku w Münchenbuchsee, niedaleko Berna. Jego ojciec Hans Klee był niemieckim nauczycielem muzyki, matka Ida – szwajcarską śpiewaczką, a syn dorastał ze skrzypcami w ręku. Był tak uzdolniony, że w wieku jedenastu lat zaproponowano mu miejsce dodatkowego muzyka w orkiestrze miejskiej w Bernie. Muzyka do końca życia pozostała jego drugim językiem – każdego ranka grał Bacha i Mozarta, zanim podchodził do sztalugi, a swoje obrazy opisywał za pomocą terminów muzycznych, takich jak polifonia, rytm i tonacja.

Mimo uzdolnień muzycznych wybrał sztuki plastyczne i w 1898 roku przeniósł się do Monachium, gdzie studiował w prywatnej szkole Heinricha Knirra, a następnie w klasie Franza von Stucka w akademii sztuk pięknych. Lata po studiach były trudne. Częściowo utrzymywał się z grafiki, odbył kształcącą podróż do Włoch w latach 1901–1902, a w 1906 roku poślubił pianistkę Lily Stumpf, która przez długi czas utrzymywała rodzinę dzięki pracy nauczycielskiej. W 1907 roku urodził się syn Felix i przez kilka lat to Klee zajmował się domem, podczas gdy żona pracowała.

Przełom i podróż do Tunezji w 1914 roku

Punkt zwrotny nastąpił w kwietniu 1914 roku. Wraz z przyjaciółmi Augustem Mackiem i Louisem Moillietem Klee udał się na dwa tygodnie do Tunezji. Światło, kredowobiałe domy i nasycone barwy ziemi w Kairuanie i Hammamecie sprawiły, że coś w nim puściło. W dzienniku zanotował 16 kwietnia: kolor zawładnął nim, nie musiał już go szukać, on i kolor stali się jednym. Z podróży do Tunezji przywiózł około czterdziestu akwarel, na których fasady domów i ogrody zaczęły już rozpływać się w przezroczystych polach barwnych – były to jego pierwsze naprawdę osobiste obrazy.

Choroba i ostatnie lata

W 1935 roku Klee zachorował na sklerodermię, autoimmunologiczną chorobę tkanki łącznej, która stopniowo powoduje stwardnienie skóry i utrudnia połykanie, oddychanie oraz precyzyjne ruchy. Produkcja gwałtownie spadła w 1936 roku, kiedy zarejestrował zaledwie 25 prac. Potem wydarzyło się coś niezwykłego w historii sztuki: zamiast zamilknąć, całkowicie zmienił swój język form. Pociągnięcia pędzla stały się szerokie i czarne, format większy, a motywy ograniczyły się do znaków. W 1939 roku stworzył 1 254 dzieła – więcej niż w jakimkolwiek innym roku życia. Zmarł 29 czerwca 1940 roku w klinice w Muralto pod Locarno, gdy jego wniosek o obywatelstwo szwajcarskie wciąż pozostawał nierozpatrzony.

Najsłynniejsze dzieła Paula Klee

Senecio (1922)

Okrągła twarz zbudowana z nieregularnych kwadratów w kolorze ochry, ceglanej czerwieni i piaskowego beżu, z dwojgiem oczu różnej wielkości i wąską kreską zamiast ust. Senecio – nazwane od rodzaju starców – należy do Kunstmuseum Basel i jest prawdopodobnie najczęściej reprodukowanym obrazem Klee. Dzieło ukazuje jego podstawową ideę w czystej formie: rozpoznawalny motyw złożony z czysto geometrycznych elementów barwnych, w którym wyraz twarzy powstaje dzięki drobnym odchyleniom w siatce, a nie dzięki rysunkowi. Motyw wyjątkowo dobrze sprawdza się jako plakat, ponieważ kompozycja i gama kolorów pozostają wyraziste nawet w małym formacie.

Die Zwitscher-Maschine (1922)

Cztery ptaki na korbce, zawieszone nad pustką w odcieniach niebieskoszarego. Die Zwitscher-Maschine, po szwedzku mniej więcej „Maszyna do ćwierkania”, to akwarela i transfer olejny, które Museum of Modern Art w Nowym Jorku nabyło w 1939 roku – jedno z pierwszych dzieł Klee włączonych do amerykańskiej kolekcji muzealnej. Na powierzchni obraz jest żartem z mechanicznego ptasiego śpiewu, ale zawiera powracający u Klee niepokój: naturę przekształconą w urządzenie, śpiew sprowadzony do dźwięku wydobywanego przez kręcenie korbką. Ta dwoistość między dziecięcą radością a ukrytą powagą jest dla niego typowa.

Ad Parnassum (1932)

Największy obraz Klee, o wymiarach 100 × 126 centymetrów, i jego najbardziej dopracowany eksperyment z techniką pointylistyczną. Tysiące drobnych kolorowych plamek tworzą górę z bramą i słońcem, zaczerpniętą ze starożytnego Parnasu, lecz namalowaną z wykorzystaniem wiedzy zdobytej podczas lat spędzonych w Bauhausie. Dzieło należy do Kunstmuseum Bern i jest uznawane za szczyt jego tak zwanego okresu dywizjonistycznego. Tytuł nawiązuje również do traktatu teoretycznego o muzyce Johanna Josepha Fuxa Gradus ad Parnassum z 1725 roku – kolejnej z muzycznych nici przewijających się przez całą jego twórczość.

Angelus Novus (1920)

Niewielki obraz w technice transferu olejnego z akwarelą, przedstawiający anioła o szeroko otwartych oczach i rozpostartych skrzydłach. Dzieło zostało kupione w 1921 roku przez filozofa Waltera Benjamina, który zabrał je ze sobą na emigrację do Paryża w 1933 roku i uczynił z niego obraz swojej słynnej refleksji o aniele historii: postaci pędzonej tyłem w przyszłość, podczas gdy przed nią rosną gruzy przeszłości. Po śmierci Benjamina obraz trafił do jego przyjaciela Gershoma Scholema w Jerozolimie, a w 1987 roku został podarowany Israel Museum, gdzie znajduje się do dziś. Niewiele pojedynczych dzieł sztuki z XX wieku doczekało się tak rozległej filozoficznej historii pośmiertnej.

„Sztuka nie odtwarza tego, co widzialne, lecz czyni widzialnym”. – Paul Klee, Schöpferische Konfession, 1920

Technika, teoria barw i spacer linii

Transfer olejny - własny wynalazek

Około 1919 roku Klee opracował technikę, którą nazwał Ölfarbezeichnung, czyli transfer olejny. Kartkę pokrywał czarną farbą olejną i przykładał do czystego arkusza; następnie rysował po wierzchu igłą lub tępym rylcem, przez co farba była dociskana i przenoszona, tworząc drżącą, częściowo nieregularną linię, której nie dało się uzyskać ołówkiem. Następnie pokrywał rezultat akwarelą. Zarówno Angelus Novus, jak i Die Zwitscher-Maschine wykonano w ten sposób. Metoda dała mu linię, która była narysowana, a jednak pozostawała częściowo poza jego kontrolą - dokładnie tę równowagę między zamiarem a przypadkiem, do której dążył.

Kwadrat barwny i obraz polifoniczny

Po podróży do Tunezji kwadratowe pole barwne stało się jednym z jego najważniejszych środków. W pracach takich jak Ancient Sound z 1925 roku kwadraty w kolorze ochry, oliwkowej zieleni, rdzawoczerwonym i czarnym układają się obok siebie bez konturów, dzięki czemu obraz zyskuje głębię wyłącznie za sprawą wzajemnych walorów barw. Klee nazywał takie kompozycje polifonicznymi, zapożyczając termin z muzyki wielogłosowej: każda warstwa barwna jest samodzielnym głosem, a całość powstaje w ich spotkaniu. To bezpośrednio wyjaśnia, dlaczego jego obrazy tak dobrze sprawdzają się jako motywy graficzne - struktura niesie obraz nawet bez opowieści.

Linia, która idzie na spacer

Najczęściej cytowane sformułowanie pedagogiczne Klee otwiera jego Pädagogisches Skizzenbuch z 1925 roku: aktywna linia, która swobodnie się porusza, spacer dla samego spaceru. Zdanie to stało się swego rodzaju mottem całego modernistycznego rysunku. W praktyce oznaczało to, że Klee pozwalał linii budować formę w trakcie rysowania, zamiast odtwarzać wcześniej ustalony kontur. Metoda ta wywarła ogromny wpływ na surrealistów, którzy widzieli w niej prekursorkę własnego rysunku automatycznego, a później także na artystów takich jak Joan Miró i Cy Twombly.

Nauczyciel i teoretyk Bauhausu

Dziesięć lat w szkole w Weimarze i Dessau

Walter Gropius zaprosił Klee do Bauhausu w Weimarze jesienią 1920 roku, a Klee nauczał tam od stycznia 1921 roku do wiosny 1931 roku - najpierw w pracowniach introligatorskiej i witrażowej, później w pracowni tkackiej, a przede wszystkim w obowiązkowej nauce o formie. Kiedy w 1926 roku szkoła przeniosła się do Dessau, rodzina Klee zamieszkała w jednym z nowo wybudowanych przez Gropiusa domów mistrzów, ściana w ścianę z Wassilym Kandinskim i jego żoną Niną. Obaj malarze znali się od czasów Der Blaue Reiter w Monachium i podzielali przekonanie, że sztuki wizualne opierają się na prawach równie precyzyjnych jak prawa muzyki.

Pädagogisches Skizzenbuch i notatki dydaktyczne

W 1925 roku ukazała się książka Pädagogisches Skizzenbuch jako drugi tom serii Bauhausbücher. Ta niewielka publikacja omawia punkt, linię, płaszczyznę i ruch za pomocą diagramów, które same w sobie wyglądają jak dzieła sztuki, i do dziś pozostaje lekturą obowiązkową na studiach podstawowych z zakresu formy i kompozycji. U jej podstaw leży znacznie obszerniejszy materiał: zachowane notatki dydaktyczne Klee obejmują blisko 4 000 odręcznie zapisanych stron i stanowią najbardziej szczegółowe zaplecze teoretyczne pozostawione przez jakiegokolwiek malarza modernistycznego. Znaczenie szkoły dla całej tradycji projektowania graficznego omówiono szerzej na stronie poświęconej Bauhausowi.

Prześladowania, spuścizna i późniejsze losy twórczości

Gdy naziści doszli do władzy, Klee natychmiast odczuł ich represje. 21 kwietnia 1933 roku został zwolniony z profesury w akademii sztuk pięknych w Düsseldorfie, po przeszukaniu jego pracowni i uznaniu jego sztuki za zdegenerowaną. W grudniu tego samego roku rodzina opuściła Niemcy i wróciła do Berna. Ponad sto jego dzieł skonfiskowano z niemieckich zbiorów publicznych, a w 1937 roku część z nich pokazano na propagandowej wystawie Entartete Kunst w Monachium – tej samej, na której napiętnowano Marca Chagalla, Maxa Ernsta i Ottona Dixa.

Paradoksalnie właśnie ten okres okazał się najbardziej wpływowym etapem jego twórczości. Powojenni amerykańscy malarze uważnie go studiowali, a jego eksperymenty ze znakami i pismem powracają w twórczości artystów daleko poza Europą. Obecnie większość spuścizny artysty znajduje się pod opieką Zentrum Paul Klee w Bernie, w budynku zaprojektowanym przez Renza Piano, otwartym w 2005 roku, który mieści około 4 000 dzieł oraz kilka tysięcy jednostek archiwalnych z pozostawionego przez artystę majątku. W 2025 roku muzeum obchodziło dwudziestą rocznicę działalności. W 2025 i 2026 roku zainteresowanie twórczością artysty było wyraźne także na arenie międzynarodowej: Jewish Museum w Nowym Jorku prezentuje wystawę Paul Klee: Other Possible Worlds z około 100 dziełami do 26 lipca 2026 roku, a Museo Thyssen-Bornemisza w Madrycie prezentowało dzieła Klee wraz z pracami Pabla Picassa z kolekcji Heinza Berggruena od października 2025 do lutego 2026 roku.

Paul Klee w Szwecji i krajach nordyckich

Szwecja ma dłuższą tradycję związaną z Klee, niż wielu osobom się wydaje. Już w 1961 roku Moderna Museet w Sztokholmie pokazało dużą wystawę indywidualną obejmującą obrazy, rysunki i grafiki – jedno z pierwszych międzynarodowych przedsięwzięć, które budowały renomę muzeum w czasach Pontusa Hulténa. Od tamtej pory kolekcja powiększała się dzięki darowiznom: siedem prac pochodziło z kolekcji Carla Gemzella, a w 2014 roku Peggy Bonnier przekazała muzeum kolejne dwa dzieła.

W 2016 roku Moderna Museet pokazało wystawę Klee/Aguéli, zestawiając akwarele Klee z Tunezji z egipskimi i północnoafrykańskimi obrazami szwedzkiego malarza Ivana Aguéliego. Przed wystawą dzieła Klee na papierze znajdujące się w muzeum poddano pełnej konserwacji oraz oprawiono w nowe passe-partout i ramy zaprojektowane zgodnie z pierwotnymi zasadami prezentacji artysty – Klee był wyjątkowo dokładny w kwestii sposobu oprawiania swoich prac i często podpisywał samą oprawę, a nie arkusz. Moderna Museet Malmö prezentowała później wybór ze zbiorów pod tytułem Paul Klee, Possessed by Color, a Malmö Konsthall kilkakrotnie pokazywała jego grafikę. Związek z nordycką tradycją artystyczną jest pośredni, ale rzeczywisty: zainteresowanie rysunkiem, niewielką skalą i poetyckością powraca w wielu treściach opisanych na stronie o sztuce nordyckiej.

Paul Klee we wnętrzu – praktyczny przewodnik

Motywy Klee należą do najłatwiejszych do zaaranżowania we wnętrzu z dwóch powodów. Pierwszym jest format: niemal zawsze pracował w małym formacie, często mniejszym niż 40 × 50 centymetrów, co oznacza, że reprodukcje w rozmiarze plakatu są zbliżone skalą do oryginałów i nie tracą wyrazistości. Drugim jest paleta kolorów. Przygaszone odcienie ochry, ceglanej czerwieni i szaroniebieskiego w jego kompozycjach kratowych są bardzo zbliżone do palety dominującej w szwedzkich wnętrzach – bielonego drewna, lnu i nieobrębowanego dębu – dlatego rzadko kłócą się z umeblowaniem.

Motywy można z grubsza podzielić na trzy grupy, które sprawdzają się w różny sposób. Kompozycje kratowe w odcieniach ziemi, takie jak Senecio i Ancient Sound, pasują do sypialni i jadalni, gdzie zależy nam na spokoju i strukturze. Dzieła oparte na liniach z lat 20., z delikatnymi figurami kreślonymi jak igłą na jasnym tle, są lekkie i dobrze nadają się do wieszania w grupie z motywami graficznymi i fotografią artystyczną. Późne, grubo rysowane obrazy z lat 1938–1940, z szerokimi czarnymi liniami na intensywnych polach koloru, są efektowne jako pojedyncze dekoracje i dobrze znoszą duże formaty. Jeśli chcesz stworzyć ścianę z kilkoma inspirowanymi Klee grafikami, warto za każdym razem wybierać motywy z jednej grupy – połączenie delikatnych rysunków kreślonych jak igłą z grubymi czarnymi znakami sprawia, że motywy konkurują ze sobą. Nasz przewodnik po tworzeniu galerii ściennej krok po kroku pokazuje, jak zbudować taką kompozycję.

Wskazówka: Klee sam oprawiał niemal wszystkie swoje prace na papierze, stosując szerokie, jasne passe-partout i bardzo wąską ramę. Kieruj się jego zasadą: wybierz cienką ramę w kolorze czarnym, dębowym lub mosiężnym i pozostaw obfite passe-partout, najlepiej o szerokości 6–8 centymetrów. Jasny margines działa jak przerwa między nasyconymi kolorami motywu a barwą ściany i sprawia, że nawet mały wydruk porządkuje dużą powierzchnię. Więcej informacji znajdziesz w naszym poradniku oprawiania dzieł sztuki.

Jeśli chodzi o światło, motywy Klee są wyrozumiałe. Ponieważ kompozycje rzadko opierają się na ostrych kontrastach bieli i czerni, dobrze prezentują się zarówno w pomieszczeniach z oknami wychodzącymi na północ, jak i w wieczornym oświetleniu, w którym bardziej kontrastowe plakaty graficzne mogą wyglądać zbyt ostro. Praktyczna rada: powieś obraz inspirowany Klee w miejscu, w którym przez chwilę pozostaje się w bezruchu – przy stole jadalnym, obok fotela do czytania – ponieważ bogactwo szczegółów wynagradza długie przyglądanie się. W pomieszczeniu z dużą ilością tekstyliów i drewna można odważnie postawić na intensywniejsze kolory i połączyć obraz z motywami w intensywnych kolorach; w surowo urządzonym wnętrzu wystarczy jeden obraz.

Oś czasu

1879 – Paul Klee rodzi się 18 grudnia w Münchenbuchsee pod Bernem, jako syn niemieckiego nauczyciela muzyki i szwajcarskiej śpiewaczki.

1898 – Przeprowadza się do Monachium, by studiować sztukę, najpierw u Heinricha Knirra, a od 1900 roku w klasie Franza von Stucka w akademii sztuki.

1906 – Poślubia pianistkę Lily Stumpf i osiedla się w Monachium. W następnym roku rodzi się ich syn Felix.

1911–1912 – Poznaje Kandinskiego, Franza Marca i Augusta Macke oraz bierze udział w drugiej wystawie Der Blaue Reiter w Monachium.

1914 – Podróż do Tunezji w kwietniu wraz z Mackem i Moillietem przynosi mu przełom w dziedzinie koloru.

1921 – Zaczyna nauczać w Bauhausie w Weimarze; w 1926 roku przenosi się wraz ze szkołą do Dessau i mieszka po sąsiedzku z Kandinskim.

1925 – Pädagogisches Skizzenbuch ukazuje się jako drugi tom serii Bauhausbücher i staje się najczęściej czytanym podręcznikiem teorii formy modernizmu.

1931 – Jesienią opuszcza Bauhaus i obejmuje profesurę w akademii sztuki w Düsseldorfie.

1933 – 21 kwietnia zostaje zwolniony przez nowy reżim i w grudniu opuszcza Niemcy, wyjeżdżając do Berna.

1935 – Zapada na twardzinę układową; w następnym roku liczba zarejestrowanych dzieł spada do 25.

1937 – Dzieła Klee zostają pokazane na propagandowej wystawie Entartete Kunst w Monachium po skonfiskowaniu ponad stu prac z niemieckich kolekcji.

1939 – Tworzy 1254 dzieła, więcej niż w jakimkolwiek innym roku, posługując się całkowicie nowym językiem form rysunkowych.

1940 – Umiera 29 czerwca w Muralto koło Locarno, w wieku 60 lat.

2005 – Zentrum Paul Klee otwiera się w Bernie w budynku zaprojektowanym przez Renza Piana i gromadzi około 40 procent całego jego dorobku.

Powiązani artyści i nurty

Klee znajduje się w centrum gęstej sieci kontaktów. Najbliżej związany był z Wassilym Kandinskym, z którym dzielił zarówno lata działalności Der Blaue Reiter, jak i rolę wykładowcy w Bauhausie, a poprzez niego także z całą historią wczesnej sztuki abstrakcyjnej. Jego wczesne dzieła należą do kontekstu ekspresjonizmu, podczas gdy jego metoda automatycznego rysowania miała decydujące znaczenie dla surrealizmu, a szczególnie dla Joana Miró. Surowa geometryczna strona jego twórczości ma punkty styczne z De Stijl, choć Klee nigdy nie zaakceptował dogmatyzmu neoplastycyzmu. Klee uczestniczył w drugiej wystawie Der Blaue Reiter w lutym 1912 roku i współtworzył almanach tego kręgu.

Jeśli chcesz szerzej zapoznać się z artystami, epokami i nurtami, wszystkie strony poświęcone faktom znajdziesz w naszej Bazie wiedzy, gdzie każdy temat omówiono równie szczegółowo jak na tej stronie.

Najczęściej zadawane pytania o Paulu Klee

Jeśli chcesz wprowadzić wyczucie formy Klee do własnego wnętrza, pokrewne motywy znajdziesz wśród naszych abstrakcyjnych plakatów, w wyborze plakatów Bauhausu oraz w kolekcji znanych artystów. Jeśli potrzebujesz pomocy w wyborze stylu i palety kolorów, polecamy nasz przewodnik po abstrakcyjnych plakatach oraz nasz przewodnik po Bauhausie.