Sigrid Hjertén – szwedzki modernizm, ekspresjonizm i mistrzyni koloru

Sigrid Hjertén to najbardziej bezkompromisowa kolorystka w historii sztuki szwedzkiej. W ciągu trzydziestoletniej kariery przekształciła widok z okna na Södermalm w jedną z najbardziej ekspresyjnych przestrzeni malarskich nordyckiego modernizmu, posługując się paletą, na którą współcześni krytycy nie mieli odpowiedniego słownictwa. Dziś jej dzieła znajdują się w Moderna Museet i Nationalmuseum, jej obrazy osiągają na aukcjach ceny liczone w dziesiątkach milionów, a jej motywy na dobre zadomowiły się w szwedzkich domach – zarówno jako oryginały w salach muzealnych, jak i reprodukcje na ścianach.

Mimo to historia Hjertén jest w równym stopniu opowieścią o spóźnionym uznaniu. Była jedyną kobietą w grupach, które zapoczątkowały modernizm w malarstwie szwedzkim, wystawiała swoje prace 106 razy i pisała o sztuce w prasie codziennej już jako dwudziestokilkulatka. Za życia często postrzegano ją jednak jako dodatek do męża, Isaaca Grünewalda, a gdy zmarła w 1948 roku, od dwunastu lat nie malowała. Na tej stronie omawiamy jej życie, najważniejsze dzieła, warsztat, medyczną tragedię, która naznaczyła schyłek jej życia, a także to, jak jej świat obrazów może dziś funkcjonować w domowej przestrzeni.

Spis treści
↓ Kim była Sigrid Hjertén?
↓ Z Sundsvall do pracowni Matisse’a
↓ Najważniejsze dzieła Hjertén
↓ Kolor, perspektywa i charakterystyczny styl artystyczny
↓ De Unga, De Åtta i szwedzka awangarda
↓ Ostatnie lata i cisza
↓ Dziedzictwo, zbiory muzealne i wartość rynkowa
↓ Sigrid Hjertén w domu – praktyczny przewodnik
↓ Oś czasu
↓ Powiązani artyści i kierunki
↓ Często zadawane pytania o Sigrid Hjertén

Kim była Sigrid Hjertén?

Sigrid Maria Hjertén urodziła się 27 października 1885 roku w Sundsvall, a zmarła 24 marca 1948 roku w Sztokholmie. Była szwedzką malarką i wykształconą artystką tekstylną, jedną z trzech lub czterech osób, które bardziej niż ktokolwiek inny wprowadziły malarstwo oparte na kontynentalnym kolorze do sztuki szwedzkiej około 1910 roku. Jej obrazy wyróżniają się nasyconymi, czystymi płaszczyznami barwnymi, perspektywą przechyloną w stronę widza oraz postaciami często odwróconymi do nas plecami, jakby przestrzeń znaczyła więcej niż twarz.

Krótkie fakty: Urodzona 27 października 1885 roku w Sundsvall, zmarła 24 marca 1948 roku w Sztokholmie. Kształciła się w Wyższej Szkole Sztuki i Rzemiosła w Sztokholmie, początkowo jako artystka tekstylna. Od 1909 roku była uczennicą Henriego Matisse’a w Paryżu. W latach 1911–1937 była żoną malarza Isaaca Grünewalda; ich syn Iván Grünewald urodził się w 1911 roku. W ciągu około trzydziestu lat aktywności zawodowej wzięła udział w 106 wystawach. Była jedyną kobietą w grupach artystycznych De Unga i De Åtta. Jej najważniejsze dzieło, Wnętrze pracowni, powstało w 1916 roku i od 1953 roku należy do zbiorów Moderna Museet. Rekord aukcyjny: obraz Iván w fotelu (1915) sprzedano na aukcji w domu Bukowskis za 10,8 miliona koron.

Jej miejsce w historii sztuki jest dwojakie. Hjertén czerpała wiedzę o kolorze z francuskiego fowizmu i nauk Matisse’a, ale jej temperament malarski skłaniał się ku Niemcom – ku niepokojowi ekspresjonizmu, ku kanciastości i psychologicznemu napięciu. To właśnie to napięcie sprawia, że trudno ją zaszufladkować, a łatwo rozpoznać. Więcej o francuskich korzeniach przeczytasz na naszej stronie o fowizmie, a o niemieckim przeciwieństwie na stronie o ekspresjonizmie.

Z Sundsvall do pracowni Matisse’a

Dzieciństwo i sztuka tekstylna

Hjertén dorastała w zamożnej rodzinie w Sundsvall; jej ojciec był wiceprezesem sądu okręgowego. Matka zmarła, gdy Sigrid była mała, a jej dzieciństwo biografowie opisują jako materialnie zabezpieczone, lecz emocjonalnie trudne. Przeprowadziła się do Sztokholmu i kształciła w Wyższej Szkole Sztuk Użytkowych, gdzie uzyskała dyplom nauczycielki rysunku i artystki tekstylnej. To wykształcenie nie jest przypisem: wyjaśnia, dlaczego w jej malarstwie płótno zawsze jest traktowane jak powierzchnia, którą należy rytmicznie wypełnić wzorami, powtórzeniami i płaskimi plamami koloru, a nie jak okno na głębię.

Zanim wyjechała, zawodowo zajmowała się tekstyliami. Była więc samodzielną finansowo, profesjonalnie wykształconą kobietą, zanim jeszcze została malarką – co stanowiło nietypowy punkt wyjścia w szwedzkim świecie sztuki około 1908 roku. Szkoła Sztuk Użytkowych uczyła kompozycji na określonej powierzchni: bordiura powinna tworzyć zamkniętą całość, wzór raportowy musi się schodzić, a jeden kolor powinien współgrać z drugim, nie tracąc czystości. Kiedy kilka lat później zestawi cynobrowoczerwony fotel z szarobłękitną panoramą miasta, będzie działać właśnie to wykształcenie, a nie impuls.

Paryż 1909 i Académie Matisse

W 1909 roku, w wieku dwudziestu czterech lat, Hjertén wyjechała do Paryża, by studiować u Henriego Matisse’a. Académie Matisse otwarto rok wcześniej i w ciągu krótkiego istnienia stała się centrum skupiającym malarzy z krajów nordyckich. Tam poznała Isaaca Grünewalda, młodszego od niej o cztery lata, który już należał do tego kręgu. Pobrali się w 1911 roku, w tym samym roku, w którym urodził się ich syn Iván.

Nauczanie Matisse’a dało jej dwie rzeczy, których nigdy się nie wyrzekła. Pierwszą była zasada, że kolor stanowi konstrukcję nośną obrazu, a nie późniejszą ozdobę rysunku. Drugą było przyzwolenie na upraszczanie: na to, by ramię stało się łukiem, twarz maską, a podłoga jednolitą czerwoną płaszczyzną. Nasza strona informacyjna o Henrim Matisse’ie szczegółowo omawia jego metodę.

Różnica między uczennicą a nauczycielem jest widoczna już po jej powrocie do domu w 1911 roku. Podczas gdy Matisse dąży do równowagi i niemal muzycznego spokoju, Hjertén nasyca swoje wnętrza niepokojem. Kolor triumfuje, ale kompozycja przytłacza.

Najważniejsze dzieła Hjertén

Wnętrze pracowni (1916)

Wnętrze pracowni to najsłynniejszy obraz Hjertén, nabyty przez Moderna Museet w 1953 roku. Przedstawia mieszkanie i pracownię rodziny przy Stadsgården na sztokholmskiej wyspie Södermalm, z widokiem na port jako nasyconą błękitną plamą za postaciami. W pokoju znajdują się sama artystka, Grünewald i kilku gości ze świata sztuki. Żadne z nich nie wydaje się rozmawiać z kimś innym.

To portret grupowy pozbawiony poczucia wspólnoty. Perspektywa jest nachylona tak, że podłoga unosi się w stronę widza, postacie są wydłużone i ustawione pod kątem, a błękitny port wdziera się przez okno niczym osobna obecność. Dzieło jest zarazem dokumentem epoki, ukazującym środowisko społeczne szwedzkiego modernizmu, i autoportretem kobiety, która siedzi w samym jego centrum, a jednak nie całkiem do niego należy.

To także jeden z nielicznych obrazów w historii szwedzkiej sztuki, który przedstawia artystkę we własnej pracowni, w otoczeniu kolegów, oddzieloną od nich płotem z koloru. Fakt, że Moderna Museet nabyło go dopiero w 1953 roku – trzydzieści siedem lat po jego namalowaniu i pięć lat po śmierci artystki – wiele mówi o tym, jak powoli dokonywała się instytucjonalna rewizja ocen w Szwecji.

Czerwona roleta (1916)

Czerwona roleta, również z 1916 roku i należąca do Moderna Museet, jest uznawana za domniemany autoportret. Pod wpływem niemieckiego ekspresjonizmu Hjertén wykonuje tu decydujący krok, odchodząc od wyidealizowanego i statycznego aktu, charakterystycznego dla tradycji akademickiej. Ciało nie jest przedmiotem studium, lecz postacią poddaną presji, a czerwona draperia w tle wyraża nastrój, zamiast pełnić funkcję rekwizytu.

Ten właśnie motyw stał się jednym z najczęściej reprodukowanych dzieł szwedzkiego modernizmu i jest sprzedawany między innymi jako plakat w sklepie Moderna Museet – to dowód na to, jak dobrze zwarta, płaska kolorystyka przekłada się na druk.

Widok na Slussen (1919)

W czasie wojny i w latach tuż po niej Hjertén wielokrotnie przedstawiała okolice Slussen – najpierw z wczesnej pracowni przy Kornhamnstorg, później z mieszkania przy Katarinavägen. Widok na Slussen z 1919 roku znajduje się w zbiorach Moderna Museet i ukazuje ożywioną działalność przy nabrzeżu Stadsgårdskajen: dźwigi, statki i ruch.

Motywy sztokholmskie to najbardziej przystępna strona twórczości Hjertén. To widoki miasta, ale malowane z góry i pod kątem, z miastem jako układem barwnych bloków. Dla tych, którzy chcą zrozumieć, jak odmiennie współcześni szwedzcy malarze oddają światło północy, pouczające będzie porównanie z naszą stroną o Andersie Zornie.

Iván w fotelu (1915)

Obraz przedstawia czteroletniego syna pary, Ivána, siedzącego w czerwonym fotelu, za którym widać Gamla stan i panoramę Sztokholmu. Dzieło nigdy wcześniej nie było wystawione na sprzedaż, kiedy trafiło pod młotek w domu aukcyjnym Bukowskis. Po długiej licytacji osiągnęło cenę 10,8 miliona koron – nowy rekord artystki. Poprzedni rekord należał do obrazu Hamnbild – utsikt från ateljén mot Stadsgårdskajen (1914), sprzedanego za 7,6 miliona koron.

Hjertén nie malowała pokoju, w którym siedziała – malowała panujące w nim napięcie. Dlatego Ateljéinteriör wciąż budzi niepokój, sto lat później. – Redakcja Bozetto

Kolor, perspektywa i artystyczny podpis

Kolor jako konstrukcja

Hjertén operuje niewielkimi, dużymi i nieprzerwanymi płaszczyznami koloru. Błękitem zestawionym z czerwienią, zielenią z pomarańczem, często bez stonowanych półtonów, na których opierała się szwedzka tradycja pejzażowa. Różnica w porównaniu z Grünewaldem jest wyraźna: jego paleta jest gorętsza i bardziej ekspresyjna, jej zaś często chłodniejsza i bardziej spójna, z ciemniejszym podtonem, który sprawia, że obraz się napina, zamiast rozprzestrzeniać.

Kolor niesie również ładunek psychologiczny. Błękit w motywach portowych nie jest obserwacją pogody, lecz temperaturą. Czerwień rolety nie jest tkaniną, lecz stanem. Ta technika wynika bezpośrednio ze spotkania z Matisse’em i niemieckim ekspresjonizmem, a więcej na ten temat można przeczytać na naszej stronie o modernizmie.

Uniesiona perspektywa

Powracającym zabiegiem jest pochylenie podłogi lub ulicy ku płaszczyźnie obrazu, tak że przestrzeń niemal osuwa się w stronę patrzącego. W efekcie widz nigdy nie może stać spokojnie. W Ateljéinteriör zabieg ten łączy się z postaciami w różnych skalach, przez co przestrzeń odczytuje się jako scenę, a nie wymierzone wnętrze. Zabieg ten ma źródło w jej wykształceniu tekstylnym: najpierw powierzchnia, potem głębia.

Postać, okno i odwrócone spojrzenie

Postacie Hjertén często odwracają się plecami. Stoją przy oknie, patrzą na miasto, są obecne, ale niedostępne. Okno powraca jako komentarz samego obrazu: istnieje świat na zewnątrz, barwny i pełen ruchu, oraz świat wewnątrz, bardziej ciasny. W jej malarstwie z lat 30. XX wieku staje się to jeszcze wyraźniejsze – minorowy nastrój i niepokój, które historycy sztuki dostrzegają w motywach, narastają, a pociągnięcia pędzla stają się bardziej gwałtowne.

Młodzi, Ósemka i szwedzka awangarda

Jedyna kobieta w grupach

Po powrocie do kraju w 1911 roku Hjertén stała się czołową postacią szwedzkiej awangardy. Była jedyną kobietą w progresywnych grupach artystycznych De Unga i De Åtta, które pojawiły się w Sztokholmie na początku lat 1910. z zamiarem zerwania z gustem Akademii Sztuk Pięknych. Pisała także w prasie codziennej w obronie modernizmu – co było niezwykłe w przypadku młodej malarki w Szwecji lat 1910. i stanowiło wczesną deklarację, że postrzegała siebie jako artystkę z własnym głosem, a nie jako żonę w małżeństwie artystów.

Wystawa ekspresjonistyczna w Liljevalchs w 1918 roku

Wielka wystawa ekspresjonistyczna w galerii Liljevalchs w Sztokholmie w 1918 roku, na której Hjertén wystawiała razem z Grünewaldem i Leanderem Engströmem, stała się najgłośniejszym wydarzeniem przełomu modernistycznego w Szwecji. Przyjęcie było mieszane: intensywność barw i uproszczenie form prowokowały publiczność przyzwyczajoną do stonowanej palety romantyzmu narodowego. Zajrzyj też na naszą stronę o romantyzmie narodowym, by zobaczyć, czemu się sprzeciwiali.

W latach 20. Hjertén często pozostawała w cieniu znacznie bardziej znanego Isaaca. Para okresowo mieszkała w Paryżu, a jej tematyka poszerzyła się o widoki francuskich miast, pejzaże i portrety. Jak stwierdza kilka biografii, rola żony artysty stanowiła konkretną przeszkodę w rozwoju jej własnej kariery.

Ostatnie lata i milczenie

W 1932 roku Hjertén trafiła do szpitala Konradsberg w Sztokholmie i zdiagnozowano u niej schizofrenię. Paradoksalnie, lata około hospitalizacji, mniej więcej 1932–1934, zbiegły się ze szczytem jej twórczości: okresami malowała jeden obraz dziennie, pełen silnie nacechowanych emocjonalnie środków wyrazu i z pociągnięciami pędzla znacznie bardziej gwałtownymi niż zdyscyplinowane powierzchnie z lat 1910. Te późne dzieła z czasem zyskały coraz większe uznanie historyków sztuki.

Małżeństwo z Grünewaldem zakończyło się rozwodem w 1937 roku. Rok wcześniej, w 1936 roku, depresja sprawiła, że całkowicie przestała malować. Ostatnie lata życia spędziła w zakładzie w Sztokholmie i zmarła 24 marca 1948 roku wskutek powikłań po lobotomii – zabiegu rutynowo wykonywanym wówczas w szwedzkiej psychiatrii, a dziś uznawanym za jedno z najpoważniejszych nadużyć medycznych XX wieku.

To, że jej twórcze życie zakończyło się dwanaście lat przed jej śmiercią, jest kluczowym powodem, dla którego uznanie przyszło tak późno. Gdy w powojennym okresie spisywano historię szwedzkiego modernizmu, nie było jej tam, by mieć na nią wpływ. Nie mogła wystawiać, pisać ani upominać się o własne miejsce w opowieści kształtowanej przez tych, którzy wciąż działali. Porównanie z Grünewaldem jest wymowne: działał i pozostawał osobą publiczną aż do śmierci w 1946 roku, dlatego jego nazwisko znalazło się w kanonie, zanim jej jeszcze tam nie było.

Warto również zwrócić uwagę na to, jak przez długi czas interpretowano późny okres twórczości artystki. Dzieła z lat 1932–1934 przez dziesięciolecia odrzucano jako dokumentację choroby, a nie malarstwo. Współczesne badania przyjmują odwrotną perspektywę: dostrzegają artystkę, która doprowadza własny język form do granic wytrzymałości i w ten sposób zapowiada wiele zjawisk, które później określono mianem malarstwa nieformalnego lub ekspresyjnego malarstwa powojennego.

To trudny rozdział, a choroba psychiczna dotyka wielu osób. Osoby potrzebujące wsparcia mogą zwrócić się do placówki opieki zdrowotnej lub organizacji zajmującej się zdrowiem psychicznym.

Dziedzictwo, zbiory muzealne i wartość rynkowa

Przywrócenie należnego uznania

Punktem zwrotnym był rok 1964, kiedy Moderna Museet w Sztokholmie zaprezentowało retrospektywną wystawę jej malarstwa – szesnaście lat po jej śmierci. Od tego czasu jej pozycja stale rośnie. Zarówno Moderna Museet, jak i Nationalmuseum mają kilka jej dzieł w swoich stałych zbiorach, a dziś uważa się ją za jedną z najważniejszych postaci szwedzkiej sztuki lat 1910., a nie za artystkę drugoplanową.

Jej życie opisano także w Szwedzkim Słowniku Biografii Kobiet oraz na stronie skbl.se, a katalog jej dzieł można przeszukiwać na stronie Moderna Museet. Informacje po szwedzku znajdziesz również w Wikipedii.

Rynek i aktualne wystawy

Rynek aukcyjny również podążył tym tropem. Rekordowa cena 10,8 miliona koron za obraz „Iván w fotelu” oraz 7,6 miliona koron zapłaconych za „Obraz portowy” plasują ją w ścisłej czołówce szwedzkiego malarstwa XX wieku. Jesienią 2026 roku artystka będzie także bohaterką wystawy muzealnej: 24 września 2026 roku Nationalmuseum otworzy wystawę „Ku morzu!”, która potrwa do 7 lutego 2027 roku. Hjertén będzie na niej prezentowana obok Claude’a Moneta, Edvarda Muncha i Andersa Zorna. O wystawie pisaliśmy w artykule „Ku morzu!” w Nationalmuseum w 2026 roku, a o miejscu Hjertén w wystawie – w artykule Sigrid Hjertén – modernistka koloru, którą Szwecja zrozumiała zbyt późno.

Sigrid Hjertén w domu – praktyczny przewodnik

Kolory, które dobrze współgrają z obrazem Hjertén

Obrazy Hjertén zbudowane są z niewielu wyrazistych plam. Dlatego najlepiej prezentują się na spokojnym tle – wapiennej bieli, złamanej bieli, jasnej szarości lub przygaszonej szarozieleni. Jeśli nasycony, niebieski motyw portowy zawiesimy na równie intensywnie pomalowanej ścianie, oba elementy zaczną ze sobą konkurować, a obraz na tym straci. Częstym błędem jest dopasowywanie koloru pokoju do motywu; lepiej działa rozwiązanie odwrotne. Niech wnętrze pozostanie neutralne, a obraz będzie głównym wydarzeniem.

Jeśli chcesz wprowadzić nasycone barwy także do reszty wystroju, wybierz jeden z drugorzędnych kolorów motywu na tekstylia lub dodatki – nie kolor dominujący. Nasz wybór plakatów w eksplozji kolorów i niebieskich plakatów jest zbliżony do palety Hjertén.

Praktyczna uwaga: błękit Hjertén jest niemal zawsze chłodniejszy niż odcienie niebieskiego, których używamy dziś we wnętrzach w stylu nordyckim. To oznacza, że taki motyw przyciąga uwagę w pomieszczeniu z ciepłym drewnem i beżowymi tkaninami, a kontrast zazwyczaj sprawdza się lepiej niż ostrożne dopasowanie tonów. Jej miejskie pejzaże wyjątkowo dobrze pasują do wnętrz z dębem, lnem i bielonymi panelami właśnie dlatego, że nie wtapiają się w otoczenie.

Format, rama i umiejscowienie

Ponieważ kompozycje są wielkoformatowe i płaszczyznowe, dobrze prezentują się – a często wręcz wymagają – w większym formacie. W rozmiarze 30x40 cm scena we wnętrzu z wieloma postaciami staje się nieczytelna, podczas gdy formaty 50x70 cm lub 70x100 cm zapewniają polom barwnym przestrzeń, z myślą o której je namalowano. Wąska rama w kolorze czarnym, ciemnobrązowym lub z surowego drewna najmniej rozprasza; szerokie złote ramy nadają obrazowi salonowy charakter, daleki od intencji artystki.

Wskazówka: Zawieś obraz inspirowany twórczością Hjertén na ścianie, na którą światło dzienne pada z boku, a nie na wprost. Boczne światło podkreśla różnice między sąsiadującymi polami barwnymi, podczas gdy światło padające z przodu je spłaszcza. Zmierz wysokość tak, by środek obrazu znajdował się około 145–150 cm nad podłogą – wtedy stojący widz odbiera kolory na wysokości wzroku, zgodnie z zamierzeniem artystki.

Szersze omówienie współgrania motywów i przestrzeni znajdziesz w naszych artykułach Co ściany mówią o Tobie i Anders Zorn 2026.

Oś czasu

1885 – Sigrid Maria Hjertén przychodzi na świat 27 października w Sundsvall.
Około 1904–1908 – Studia w Wyższej Szkole Sztuki i Rzemiosła w Sztokholmie; kończy je z dyplomem nauczycielki rysunku i artystki tekstylnej.
1909 – Wyjeżdża do Paryża i zostaje uczennicą Henriego Matisse’a w Académie Matisse.
1911 – Poślubia Isaaca Grünewalda; rodzi się ich syn Iván; para wraca do Szwecji.
1912 – Występuje w sztokholmskiej grupie artystycznej De Åtta jako jej jedyna członkini.
1915 – Maluje „Ivána w fotelu”, który ponad sto lat później staje się jej rekordem aukcyjnym.
1916 – Rok przełomu: powstają „Wnętrze pracowni” i „Czerwona roleta”.
1918 – Bierze udział w głośnej wystawie ekspresjonistycznej w galerii Liljevalchs konsthall.
1919 – Maluje „Widok na Slussen”, dziś znajdujący się w zbiorach Moderna Museet.
1932 – Trafia do szpitala Konradsberg i otrzymuje diagnozę schizofrenii; lata 1932–1934 to intensywny okres twórczy.
1936 – Przestaje malować.
1937 – Jej małżeństwo z Grünewaldem rozpada się.
1948 – Zmarła 24 marca w Sztokholmie na skutek powikłań po lobotomii.
1953 – Wnętrze pracowni zostaje zakupione przez Moderna Museet.
1964 – Moderna Museet prezentuje retrospektywną wystawę jej malarstwa.
2026 – Reprezentowana na wystawie Muzeum Narodowego „Ku morzu!”, 24 września 2026 – 7 lutego 2027.

Powiązani artyści i kierunki

Hjertén najlepiej poznawać w kontekście innych artystów. Henri Matisse był jej nauczycielem i wprowadził ją w teorię barw; fowizm to kierunek, któremu przewodził i który zabrała ze sobą do domu. Jej mąż i kolega po fachu Isaac Grünewald ma własną stronę z informacjami o jego dziełach, scenografii i Sali Grünewalda w Domu Koncertowym. Emocjonalny ładunek jej dzieł z lat 1910. i 1930. należy natomiast do ekspresjonizmu, a jej rówieśnik Nils Dardel pokazuje zupełnie inną drogę odchodzenia od tych samych paryskich nauk. Wspólną historię całego pokolenia, od galerii sztuki Hallins w 1909 roku po Berlin w 2026 roku, opisano na stronie poświęconej De unga i De åtta. Malowanie Sztokholmu z wysoko położonych punktów Söderu miało też swojego prekursora: Eugène Jansson, malarza błękitu, który dwie dekady wcześniej przekształcił te same widoki na Riddarfjärden i Slussen w symbolistyczne nokturny utrzymane w jednej barwie.

Jeśli chcemy zobaczyć, przeciwko czemu buntował się szwedzki modernizm, naturalnymi punktami odniesienia są narodowy romantyzm i Anders Zorn, a szersze tło przedstawiono na stronie poświęconej modernizmowi. Wszystkie strony z informacjami zebraliśmy w naszej bazie wiedzy.

Często zadawane pytania o Sigrid Hjertén

Kolorystyczny świat Hjertén – nasycony, chłodny i bezkompromisowy – pasuje do szwedzkich wnętrz jak niewiele innych dzieł modernizmu. Poznaj nasze szwedzkie dzieła sztuki oraz pełny wybór dzieł znanych artystów, by znaleźć motywy w tej samej tradycji.