Utagawa Hiroshige – ukiyo-e, Tōkaidō och det japanska träsnittets mästare

Utagawa Hiroshige (1797–1858) to artysta, który uczynił japoński krajobraz odrębnym gatunkiem, a jego drzeworyty należą dziś do najczęściej reprodukowanych motywów w całej sztuce graficznej. Działał w Edo – dzisiejszym Tokio – w ostatnich wielkich dekadach tradycji ukiyo-e, a podczas gdy inni mistrzowie zajmowali się portretami aktorów i kurtyzan, Hiroshige kierował wzrok ku drodze, pogodzie i porom roku. Skośnie padający deszcz nad mostem, śnieg osiadający na dachu świątyni, mgła nad ujściem rzeki: to właśnie w tych motywach nadal przemawia do nas bezpośrednio i dlatego plakat z jego światem obrazów równie naturalnie sprawdza się w szwedzkim salonie w 2026 roku, jak na ściennym parawanie w Edo w latach 30. XIX wieku.

Hiroshige stworzył za życia szacunkowo od 5 000 do 8 000 drukowanych kompozycji, a dwie jego serie – Pięćdziesiąt trzy stacje na trakcie Tōkaidō z lat 1833–34 oraz Sto słynnych widoków Edo z lat 1856–58 – zalicza się do absolutnych szczytów japońskiej sztuki obrazowej. Jego wpływ wykracza daleko poza Japonię: Vincent van Gogh kopiował go w oleju, James McNeill Whistler przebudowywał swoje kompozycje zgodnie z jego zasadami, a Frank Lloyd Wright zgromadził tysiące jego grafik. Ta strona omawia życie Hiroshigego, jego najważniejsze serie, technikę druku, znaczenie dla europejskiego modernizmu, jego miejsce w szwedzkich kolekcjach oraz sposoby wykorzystywania dziś jego motywów jako sztuki ściennej.

Spis treści
↓ Kim był Utagawa Hiroshige?
↓ Od strażaka do mistrza – życie w Edo
↓ Najważniejsze serie i dzieła Hiroshigego
↓ Technika druku, kolor i japońskie rzemiosło
↓ Deszcz, śnieg i mgła – sztuka pogody Hiroshigego
↓ Japonizm i wpływ Hiroshigego na Zachodzie
↓ Hiroshige w Szwecji i krajach nordyckich
↓ Hiroshige jako sztuka ścienna w domu
↓ Rynek, muzea i wartość kolekcjonerska
↓ Oś czasu
↓ Pokrewni artyści i kierunki artystyczne
↓ Często zadawane pytania o Hiroshigem

Kim był Utagawa Hiroshige?

Utagawa Hiroshige urodził się w 1797 roku w Edo jako Andō Tokutarō, syn samuraja niskiej rangi, który służył jako strażak dla siogunatu przy nabrzeżu Yayosu. Uważany jest za ostatniego wielkiego mistrza ukiyo-e, japońskiej tradycji drzeworytniczej, która rozkwitała w okresie Edo i była skierowana do szerokiej miejskiej publiczności, a nie na dwór. Termin ukiyo-e zwykle tłumaczy się jako „obrazy przepływającego świata” i pierwotnie odnosił się do ulotnego życia dzielnic rozrywki. Hiroshige przeniósł przepływający świat z sal teatralnych na drogi.

W przeciwieństwie do starszego od niego o pięćdziesiąt siedem lat kolegi Katsushiki Hokusaia, który często budował swoje kompozycje wokół jednej dramatycznej formy, Hiroshige pracował atmosferą. Pozwalał, by to pogoda, światło i dystans niosły obraz, i gotów był przedstawiać ludzi w scenie jako małych, anonimowych i zajętych codziennymi sprawami. Dzięki temu jego arkusze wyjątkowo łatwo jest mieć wokół siebie: nie wymagają żadnej wiedzy wstępnej, nie opowiadają skomplikowanej historii i dobrze znoszą zawieszenie na ścianie, obok której przechodzi się piętnaście razy dziennie.

Najważniejsze informacje: Utagawa Hiroshige, urodzony jako Andō Tokutarō w 1797 roku w Edo (Tokio), zmarł 12 października 1858 roku w Edo podczas epidemii cholery w mieście, w wieku 61 lat. Uczeń Utagawy Toyohira od 1811 roku, otrzymał imię artystyczne Hiroshige w 1812 roku. Tworzył drzeworyty ukiyo-e. Szacowana liczba prac: 5 000–8 000 kompozycji. Najważniejsze dzieła: Pięćdziesiąt trzy stacje Tōkaidō (1833–34, 55 arkuszy) oraz Sto słynnych widoków Edo (1856–58, 118 arkuszy). Rekord aukcyjny: 2 412 320 dolarów za kompletną serię na aukcji Sotheby’s w Paryżu w 2025 roku. Reprezentowany w Muzeum Sztuki Dalekiego Wschodu w Sztokholmie przez blisko 100 arkuszy.

Od strażnika pożarowego do mistrza – życie w Edo

Dzieciństwo i odziedziczona służba

Hiroshige stracił oboje rodziców, gdy miał dwanaście lat, w 1809 roku, i w tym samym roku odziedziczył po ojcu służbę strażnika pożarowego. Stanowisko było dziedziczne, nisko opłacane, lecz zapewniało bezpieczeństwo i pozostawiało dużo wolnego czasu – praca strażników pożarowych polegała w dużej mierze na gotowości. Ten czas wykorzystywał na rysowanie. W 1811 roku został uczniem Utagawy Toyohira, jednego z uznanych mistrzów drzeworytu w Edo, a już rok później, w 1812 roku, otrzymał imię artystyczne Utagawa Hiroshige: „hiro” od imienia mistrza, „shige” od jego własnego.

Przełom w wieku trzydziestu pięciu lat

Przez pierwsze dwie dekady swojej działalności jako zawodowy artysta Hiroshige był jednym z wielu. Tworzył portrety aktorów, wizerunki pięknych kobiet, ilustracje do książek oraz drzeworyty z ptakami i kwiatami, nie wyróżniając się szczególnie. Punkt zwrotny nastąpił około 1830 roku, gdy zaczął na poważnie zajmować się pejzażem, a w 1832 roku przekazał w rodzinie swoją służbę strażnika pożarowego, aby móc pracować na pełen etat. W tym samym roku miał, zgodnie z tradycją, podróżować drogą Tōkaidō w oficjalnej orszakowej delegacji – podróż ta dostarczyła materiału do jego przełomowej serii z następnego roku.

Ostatnie lata i wiersz pożegnalny

W 1856 roku Hiroshige złożył śluby buddyjskie, w tym samym roku, w którym rozpoczął pracę nad Stu słynnymi widokami Edo. Zmarł 12 października 1858 roku, prawdopodobnie podczas epidemii cholery, która dotknęła Edo w tym roku. Pozostawił po sobie jisei, wiersz pożegnalny w tradycyjnej japońskiej formie, w którym opisał śmierć jako dalszą podróż: pozostawia pędzel na wschodzie, by zamiast tego oglądać słynne miejsca Zachodu. To sformułowanie jest dla niego typowe – nawet koniec stał się wędrówką między punktami widokowymi.

„Pozostawiam pędzel na wschodzie i wyruszam w podróż – by ujrzeć słynne miejsca Zachodu.” – wiersz pożegnalny Hiroshigego (jisei), 1858

Najważniejsze serie i dzieła Hiroshigego

Pięćdziesiąt trzy stacje Tōkaidō (1833–34)

Seria Tōkaidō gojūsan-tsugi no uchi została wydana przez oficynę Hoeidō w latach 1833–34 i obejmuje 55 arkuszy: pięćdziesiąt trzy stacje pocztowe wzdłuż nadmorskiej drogi między Edo a Kioto, a także punkt początkowy przy moście Nihonbashi i końcowy przy Sanjō Ōhashi w Kioto. Droga była najważniejszym szlakiem komunikacyjnym Japonii epoki Tokugawa, a seria pełniła częściowo funkcję relacji z podróży, a częściowo podróży marzeń dla wszystkich, którzy nigdy nie mogli opuścić rodzinnego miasta. Arkusze sprzedawały się w dużych nakładach i niemal z dnia na dzień uczyniły Hiroshigego jednym z najbardziej rozchwytywanych artystów Edo. Motywy takie jak Shōno, gdzie nagła ulewa pędzi tragarzy i wędrowców pod górę pośród wygiętych linii, należą do najczęściej cytowanych w całej tradycji ukiyo-e.

Sto słynnych widoków Edo (1856–58)

Późne arcydzieło Hiroshigego, Meisho Edo hyakkei, obejmuje 118 arkuszy wykonanych w latach 1856–1858, z końcowym arkuszem przypisywanym jego następcy, Hiroshigemu II. To jego najbardziej eksperymentalna seria: stosuje skrajne zbliżenia pierwszego planu, mocne kadrowanie i nagłe przeskoki w głąb obrazu. Na Ogrodzie śliw w Kameido pień drzewa wypełnia niemal całą powierzchnię obrazu, podczas gdy ogród prześwituje między gałęziami, a na Nagłej ulewie nad mostem Shin-Ōhashi i Atake deszcz przedstawiono jako cienkie czarne kreski biegnące w poprzek kompozycji. To właśnie te dwa arkusze Vincent van Gogh wybrał do namalowania w oleju w 1887 roku.

Słynne miejsca w sześćdziesięciu kilku prowincjach

Seria Rokujūyoshū meisho zue, wydana w latach 1853–56 w formacie pionowym, za punkt wyjścia obiera geografię całego kraju i pokazuje, jak daleko Hiroshige potrafił posunąć swoje kompozycje przy użyciu ograniczonych środków. To kompletny zestaw właśnie tej serii pobił w maju 2025 roku rekord aukcyjny artysty w paryskim oddziale Sotheby's, osiągając cenę 2 412 320 dolarów. Obok wielkich serii pejzażowych przez całe życie tworzył także kachō-e - arkusze przedstawiające ptaki i kwiaty - na których pojedyncza gałąź, ptak i puste pole tworzą cały motyw. Ta część jego twórczości jest najbliższa współczesnym plakatom botanicznym.

Technika druku, kolor i japońskie rzemiosło

Cztery grupy zawodowe za każdym arkuszem

Drzeworyt ukiyo-e nigdy nie był dziełem jednej osoby. Za każdym arkuszem stali wydawca, który finansował i zamawiał pracę, artysta, który rysował wzór, rytownik, który przenosił rysunek na bloki z drewna wiśniowego, oraz drukarz, który ręcznie nakładał farbę. Wielobarwny druk - nishiki-e, „obraz brokatowy” - mógł wymagać od dziesięciu do dwudziestu oddzielnych bloków, po jednym dla każdego koloru, a każdy arkusz dociskano do bloków za pomocą trzymanego w dłoni barenu. System sprawiał, że sygnatura Hiroshigego widnieje na arkuszach, których ostateczny efekt kolorystyczny w praktyce zależał od anonimowego drukarza.

Bokashi i błękit pruski

Technicznym znakiem rozpoznawczym Hiroshige jest bokashi, ręcznie uzyskiwane przejście kolorystyczne, w którym drukarz nierównomiernie wyciera blok, tak aby kolor przechodził w biel papieru. To bokashi nadaje jego niebom stopniowo ciemniejącą strefę u góry, a wodzie przejście od głębokich do jasnych tonów. Decydujące znaczenie dla całej jego palety miało również sprowadzenie syntetycznego pigmentu błękitu pruskiego, w Japonii nazywanego bero-ai, który około 1829 roku stał się powszechnie dostępny dla wydawców drzeworytów. Niebieski pigment był odporny na światło, głęboki i tani w sposób, jakiego wcześniejsze błękity pochodzenia roślinnego nigdy nie osiągnęły, i stworzył podstawy chłodno zabarwionego na niebiesko świata obrazów, który do dziś definiuje japoński drzeworyt dla większości odbiorców. Fakt, że jeden importowany pojemnik pigmentu mógł zmienić wyraz całej dziedziny sztuki, mówi wiele o tym, jak ściśle technika i estetyka były ze sobą powiązane w świecie wydawniczym Edo.

Deszcz, śnieg i mgła – sztuka pogody Hiroshige

Jeśli Hokusai jest górą, Hiroshige jest pogodą. Żaden artysta przed nim nie traktował opadów jako samodzielnego motywu z taką konsekwencją. Deszcz przedstawiany jest jako proste, ostre linie przecinające kompozycję w jednym kierunku i łączące niebo, budynki oraz postacie w jedną powierzchnię. Śnieg ukazywany jest odwrotnie, poprzez nieobecność: niezadrukowana biel papieru ma oddać całą pokrywę śnieżną, a kontury zostają zredukowane do cienkich linii. Mgła powstaje dzięki szerokim polom bokashi, które po prostu usuwają informacje z obrazu.

Pora roku jako prawdziwy temat obrazu

W Stu słynnych widokach Edo seria jest wyraźnie uporządkowana według pór roku, a ten porządek nie ma charakteru dekoracyjnego, lecz strukturalny: to samo miejsce może pojawić się w różnych warunkach pogodowych i wtedy jest liczone jako dwa odrębne motywy. To sposób myślenia bliski nordyckiej tradycji pejzażowej, w której światło i pora roku są często właściwym tematem, a nie samo miejsce, i wyjaśnia on częściowo, dlaczego Hiroshige został tak dobrze przyjęty w Skandynawii. To samo podejście odnajdujemy u malarzy ze Skagen oraz w szwedzkim malarstwie przyrody.

Pusta przestrzeń jako narzędzie kompozycyjne

Duża część siły oddziaływania Hiroshige tkwi w tym, co pomija. Świadomie pozostawia duże, niezapełnione pola – niebo bez chmur, taflę wody bez struktury, pole śniegu bez cieni – i pozwala im pełnić funkcję chwili wytchnienia. Zasada ta nosi w japońskiej estetyce nazwę ma i opisuje znaczącą pustą przestrzeń. Dla osoby urządzającej wnętrze jest to praktyczna cecha: obraz z dużą ilością powietrza w kompozycji można powiesić blisko innych przedmiotów bez konkurowania z nimi, co stanowi sedno estetyki japandi.

Japonizm i wpływ Hiroshige na Zachodzie

Gdy po ponad dwóch stuleciach ograniczonych kontaktów Japonia otworzyła się na handel międzynarodowy w latach 50. XIX wieku, tanie drzeworyty zaczęły masowo trafiać do Europy, często dosłownie jako papier pakowy wokół eksportowanych towarów. W Paryżu w latach 70. XIX wieku pojawiło się pojęcie japonizmu, określające falę entuzjazmu, która nastąpiła, a Hiroshige stał się jednym z jej najważniejszych punktów odniesienia. Europejskich artystów fascynowała nie egzotyczna treść, lecz rozwiązania formalne: płaska plama barwna bez modelunku, wysoki horyzont, asymetryczne kadrowanie i śmiały sposób, w jaki przedmiot na pierwszym planie przecina obraz.

Van Gogh maluje Hiroshigego

Vincent van Gogh wraz ze swoim bratem Theo kolekcjonował japońskie drzeworyty i posiadał ich kilkaset. W 1887 roku, podczas pobytu w Paryżu, namalował olejem dwa motywy Hiroshigego: Most w deszczu (według Hiroshigego) na podstawie Nagła ulewa nad mostem Shin-Ōhashi i Atake oraz Kwitnący sad śliwowy (według Hiroshigego). Oba obrazy znajdują się dziś w Muzeum Van Gogha w Amsterdamie. Wiernie skopiował kompozycje, ale znacznie podkręcił kolory i ujął je w ramy z japońskimi znakami zaczerpniętymi z innych odbitek z kolekcji. Więcej o tym związku przeczytasz na stronie poświęconej Vincentowi van Goghowi.

Od impresjonizmu do sztuki plakatowej

Ślady wpływu Hiroshigego można prześledzić w całym wczesnym modernizmie. Claude Monet posiadał kilkaset japońskich odbitek, które do dziś wiszą w jego domu w Giverny, a jego motyw z japońskim mostem jest bezpośrednim nawiązaniem do nich. James McNeill Whistler budował swoje nokturny z tych samych cienkich, barwionych warstw koloru. W sztuce plakatowej płaska plama barwna i wyraźna linia konturu stały się podstawowymi środkami wyrazu Henri'ego de Toulouse-Lautreca i całego ruchu art nouveau. A gdy impresjonizm zerwał z perspektywą centralną, japońskie odbitki stały się jednym z jego najważniejszych wzorców.

Hiroshige w Szwecji i krajach nordyckich

Szwecja ma niezwykle bogaty zbiór dzieł Hiroshigego jak na kraj tej wielkości. Muzeum Sztuki Wschodnioazjatyckiej w Sztokholmie, założone w 1926 roku i od 1963 roku mieszczące się na wyspie Skeppsholmen, przechowuje ponad 1300 japońskich drzeworytów, z czego blisko 100 wykonał Hiroshige. Kolekcja obejmuje zarówno odbitki z serii pejzażowych, jak i motywy ptaków i kwiatów, a jej części są okresowo prezentowane w japońskim dziale muzeum. Ponieważ drzeworyty są niezwykle wrażliwe na światło, eksponowane odbitki są regularnie wymieniane - z tych samych względów konserwatorskich British Museum zamknęło wystawę Hiroshigego na pięć dni latem 2025 roku, wyłącznie po to, by wymienić prezentowane odbitki.

Japonizm w sztuce szwedzkiej

Japońska sztuka wizualna zyskała popularność w Szwecji w latach 80. i 90. XIX wieku, gdy szwedzcy artyści przebywali w Paryżu i podzielali ten sam entuzjazm co ich francuscy koledzy. Najwyraźniej zaznaczyło się to wśród artystów z Rackstad w Värmlandzie, grupy, której zainteresowanie japońską estetyką przedstawiono na wystawie „Kiedy Japonia przybyła do Värmlandii: japonizm wśród artystów z Rackstad 1880–1920”. Te same wpływy można prześledzić bardziej ogólnie w sztuce nordyckiej - w uproszczonym języku form, wysokiej linii horyzontu i powściągliwej palecie. Związek między japońskim drzeworytem a nordyckim wyczuciem formy nie jest więc nowoczesnym pomysłem na aranżację wnętrz, lecz pokrewieństwem liczącym sobie sto czterdzieści lat.

Hiroshige jako sztuka na ścianę w domu

Motywy Hiroshigego należą do najbardziej wdzięcznych elementów wystroju z trzech powodów. Mają wyraźne proporcje poziome lub pionowe, dzięki czemu łatwo je umieścić, ograniczoną paletę, która rzadko kłóci się z istniejącymi tkaninami, oraz duże spokojne płaszczyzny dające oczom wytchnienie. Obraz z cyklu Pięćdziesiąt trzy stacje Tōkaidō nad sofą działa mniej więcej jak okno: otwiera przestrzeń, zamiast ją zapełniać.

Format, rozmieszczenie i grupowanie

Najczęstszym formatem oryginałów był ōban, około 25 × 37 centymetrów w układzie poziomym - według dzisiejszych standardów niezwykle mały. Przemawia to za tym, by albo znacznie powiększyć jeden arkusz i pozwolić mu zdominować całą ścianę, albo zawiesić od trzech do pięciu motywów blisko siebie w serii, odtwarzając w ten sposób wrażenie przeglądania zestawu. To drugie rozwiązanie szczególnie dobrze sprawdzi się w holu lub na klatce schodowej, gdzie oglądający mija kolejne motywy dokładnie tak, jak podróżny przemieszczał się wzdłuż Tōkaidō. Praktyczne zasady dotyczące odstępów i wysokości znajdziesz w poradniku o tworzeniu ściany obrazów.

Rama, passe-partout i kolorystyka

Japońskie drzeworyty niemal zawsze zyskują dzięki wąskiej ramie z ciemnego drewna lub czarnej, najlepiej z dużym passe-partout w kolorze kości słoniowej, imitującym nieprzycięty brzeg papieru oryginałów. Unikaj szerokich złotych ram - dodają one przepychu, którego te motywy nie udźwigną. Do motywów w chłodnych odcieniach błękitu szczególnie dobrze pasują dąb i jesion, natomiast cieplejsze motywy jesienne dobrze komponują się z orzechem. Więcej informacji o wyborze materiałów znajdziesz w artykule o oprawianiu dzieł sztuki, a dla osób, które chcą zobaczyć, jak japońskie motywy współgrają z resztą wnętrza, dobrym punktem wyjścia będzie omówienie wyboru odpowiedniej sztuki do domu.

Wskazówka: Jeśli wieszasz razem kilka japońskich motywów, wybieraj je raczej według pory roku niż koloru. Motyw zimowy, wiosenny i jesienny zawieszone w szeregu zapewniają naturalne zróżnicowanie jasności i tempa, a jednocześnie łączy je ten sam język wizualny. Dokładnie tak miały być oglądane własne serie Hiroshigego.

Łącz z motywami natury i współczesną grafiką

Kwiaty i ptaki na odbitkach Hiroshigego mają bezpośredniego następcę w drzeworytach shin-hanga Ohary Kosona z początku XX wieku, a oba nurty doskonale ze sobą współgrają – Koson rozwija dokładnie ten sam pomysł kompozycyjny z pojedynczą gałęzią na pustym tle. Połącz je z motywami natury lub z obrazami Ohary Kosona, aby stworzyć spójną, a zarazem nie monotonną ścianę. Praktyczne pomysły na łączenie różnych światów obrazowych znajdziesz także w przewodniku o tym, jak urządzać wnętrza z plakatami.

Rynek, muzea i wartość kolekcjonerska

Hiroshige należy do artystów ukiyo-e, których rynek umocnił się najbardziej w latach 20. XXI wieku. Rekord ceny pojedynczej odbitki padł w 2022 roku, gdy wczesne luksusowe wydanie Nagła ulewa nad mostem Shin-Ōhashi i Atake, zachowane w wyjątkowo dobrym stanie, sprzedano w Sotheby’s za 138 600 funtów. Rekord dla całej serii ustanowiono w 2025 roku, gdy kompletny cykl Słynne miejsca w sześćdziesięciu kilku prowincjach sprzedano w Paryżu za 2 412 320 dolarów. 15 września 2026 roku Christie’s w Rockefeller Center w Nowym Jorku wystawi na aukcję „Hiroshige: Colors of the Four Seasons – the Alan Medaugh Collection”, jedną z najobszerniejszych prywatnych kolekcji dzieł artysty, jakie kiedykolwiek zgromadzono.

Wystawa, która odnowiła zainteresowanie

Obecne zainteresowanie w dużej mierze wynika z wystawy „Hiroshige: artist of the open road” w British Museum, prezentowanej od 1 maja do 7 września 2025 roku w Joseph Hotung Great Court Gallery. Była to pierwsza w historii wystawa Hiroshigego w tym muzeum i pierwsza wystawa artysty w Londynie od ponad dwudziestu pięciu lat. Kolekcjoner Alan Medaugh podarował na potrzeby projektu 35 odbitek i wypożyczył kolejne 82. Osoby, które chcą zobaczyć oryginalne odbitki w Szwecji, powinny odwiedzić Muzeum Azji Wschodniej.

Oś czasu

1797 – Andō Tokutarō rodzi się w Edo jako syn strażnika pożarowego na służbie siogunatu.
1809 – Oboje rodzice umierają; dwunastoletni chłopiec dziedziczy służbę po ojcu.
1811 – Zostaje uczniem mistrza drzeworytu Utagawy Toyohira.
1812 – Otrzymuje artystyczne imię Utagawa Hiroshige.
1829 – Błękit pruski (bero-ai) staje się powszechnie dostępny dla japońskich wydawców drzeworytów, zmieniając możliwości palety.
1832 – Odstępuje służbę strażnika pożarowego i zgodnie z tradycją podróżuje wzdłuż drogi Tōkaidō.
1833-34 - Pięćdziesiąt trzy stacje Tōkaidō zostają wydane przez Hoeidō i przynoszą mu przełom.
1853-56 - Słynne miejsca w sześćdziesięciu kilku prowincjach zostają opublikowane w formacie pionowym.
1856 - Składa śluby buddyjskie i rozpoczyna pracę nad Stu słynnymi widokami Edo.
1858 - Umiera 12 października podczas epidemii cholery w Edo, w wieku 61 lat.
1887 - Vincent van Gogh maluje w Paryżu olejne kopie dwóch jego grafik.
1926 - W Sztokholmie powstaje Muzeum Azji Wschodniej; kolekcja rozrasta się do ponad 1300 japońskich drzeworytów.
2025 - British Museum prezentuje swoją pierwszą wystawę Hiroshigego; rekord serii na aukcji Sotheby's w Paryżu.
2026 - Christie's wystawia na aukcji kolekcję Alana Medaugha 15 września.

Powiązani artyści i kierunki artystyczne

Najbliższym porównaniem jest zawsze Katsushika Hokusai, którego Trzydzieści sześć widoków góry Fuji poprzedziło serię Hiroshigego Tōkaidō zaledwie o kilka lat i stanowiło dla niego zarówno wzór, jak i konkurencję. Szersze tło całej tradycji przedstawia strona informacyjna o sztuce japońskiej i ukiyo-e. Po stronie europejskiej najsilniejsze związki łączą ją z postimpresjonizmem, z Henrim de Toulouse-Lautrekiem i jego sztuką plakatu, a także z Claude'em Monetem, który przez całe dorosłe życie kolekcjonował japońskie grafiki. Pełne informacje o miejscu Hiroshigego w rozwoju sztuki znajdują się w artykule Wikipedii o Utagawie Hiroshigem, a wszystkie strony informacyjne Bozetto dotyczące artystów i kierunków artystycznych zebrano w Bazie wiedzy.

Najczęściej zadawane pytania dotyczące Hiroshigego

Jeśli chcesz zabrać do domu coś ze spokojnego świata obrazów Hiroshige, w ofercie Bozetto znajdziesz pokrewne motywy wśród znanych artystów – japońskie drzeworyty, nordyckie pejzaże i studia botaniczne w jakości archiwalnej, drukowane na papierze z certyfikatem FSC i wysyłane ze Szwecji.